El Neorrealismo Italiano.

El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico y cultural de posguerra (aprox. 1945-1952) que retrató la cruda realidad social, la pobreza y la desesperación de la Italia tras la Segunda Guerra Mundial. Caracterizado por el rodaje en exteriores, uso de actores no profesionales y un estilo documental, buscó la honestidad sobre el glamour.

El término fue acuñado por el crítico Umberto Bárbaro y suele considerarse que la primera película de esta corriente es Roma ciudad abierta, de Roberto Rossellini.

Entre las características principales de este movimiento está en contar historias de la clase trabajadora, el desempleo, la pobreza y en general la lucha por la supervivencia. También el uso en muchas de estas películas de actores no profesionales, filmaciones en exteriores y la utilización de un compromiso social denunciando la situación política, económica y social de la Italia de esos años.

Principales Realizadores

Roberto Rossellini: Iniciador del movimiento con Roma, ciudad abierta (1945), Paisà (1946), y                 Alemania, año cero (1948).

Vittorio De Sica: El limpiabotas (1946), Ladrón de bicicletas (1948) (obra cumbre del movimiento) y         Umberto D. (1952).

Luchino Visconti: Obsesión (1943) (considerada precursora) y La tierra tiembla (1948). 

Federico Fellini: Los inútiles (1953), La strada (1954)

En los años 50 Italia ya empezaba a resurgir. En 1948 llegó al poder la Democracia Cristiana, cancelando la era posbélica del romanticismo antifascista militante. En los primeros meses del año siguiente, mientras se prepara la nueva ordenación jurídica del cine italiano, hubo un solo film en rodaje en toda Italia. El nuevo gobierno comenzó a oponerse a esta corriente por el efecto que podían causar esos documentos sociales en el extranjero. En consecuencia, se reforzó la censura y se idearon sistemas de protección económica a la producción, con el fin de producir un viraje de aquel cine pesimista. Comenzaron a aparecer grandes productoras y el cine volvió a hacerse más comercial. El neorrealismo empezó a disgregarse, poco a poco perdió fuerza y fue desapareciendo. Los directores comenzaron a hacer un cine más personal, así como también surgieron nuevos realizadores que representaron ya, la fase pos neorrealista, como Federico Fellini y Michelangelo Antonioni. El cine italiano andaba buscando nuevos caminos y nuevos horizontes expresivos. Al iniciarse la década de los cincuenta, ya tenía un prestigio universal y era considerado como el más avanzado del mundo.

Vértigo, 1958

También llamada Vértigo (De entre los muertos), es una película norteamericana de suspenso psicológico y cine negro, dirigida y producida por Alfred Hitchcock y estrenada en 1958.  El guion está basado en la novela de 1954 D'entre les morts (De entre los muertos) escrita por Pierre Boileau y Thomas Narcejac,  y fue adaptado por Alec Coppel y Samuel A. Taylor. 

Vértigo es una obra maestra apasionante que planta con destreza cada momento antes de revelar su verdadero y retorcido propósito, ganándose su lugar como un clásico casi indiscutible.

Es difícil hablar de la historia del cine sin mencionar al director Alfred Hitchcock, y es aún más difícil hablar de Hitchcock sin mencionar lo que muchos consideran su obra maestra, Vértigo. Este thriller psicológico se estrenó en 1958 y, hasta el día de hoy, sigue siendo una de las películas más aclamadas de todos los tiempos. Su intensa actuación, sus personajes convincentes, sus efectos visuales inolvidables y su narrativa oscura y retorcida hacen de Vértigo una obra maestra del thriller.

Vértigo está protagonizada por James Stewart como John "Scottie" Ferguson, un ex detective de policía que sufre de acrofobia y vértigo. Algún tiempo después de jubilarse anticipadamente, Scottie es contratado por un viejo amigo (Tom Helmore) para investigar a su esposa Madeleine (Kim Novak), quien, según él, se comporta de manera extraña. Esto lleva a Scottie a desentrañar muchas capas que rodean la historia familiar de Madeleine, la posibilidad de que haya sido atormentada o incluso poseída, un romance que se desarrolla rápidamente con ella y, finalmente, una gran revelación de que no todo es lo que parece ser ... y honestamente, decir más potencialmente arruinaría la diversión para los no iniciados. Parte de lo que hace de Alfred Hitchcock un narrador tan increíble es lo bien que juega el juego largo con sus películas y lo que realmente tratan. Te atrae con una historia que crees que ha establecido su configuración básica, incluso si no estás seguro de lo que está reduciendo. Pero luego, cambia completamente el guion con algún giro sorprendente o una revelación inesperada, transformando la historia en algo completamente distinto.

Obviamente, gran parte del mérito en el caso de Vértigo recae en el material original, así como en Alec Coppel y Samuel Taylor por escribir el guion adaptado. Pero aún se necesita un director magistral como Hitchcock para retratar ese material y crear un misterio genuinamente bueno que enganche al espectador desde el principio. La actuación de cada personaje principal es tan buena y el guion se siente tan bien desarrollado que es difícil darse cuenta de que lo que ves frente a ti no es lo que probablemente crees. Muchas películas han usado tácticas como esta para atraer a los espectadores, pero Vértigo sigue siendo una de las mejores ejecuciones de este tipo, incluso más de sesenta años después.

James Stewart aporta mucho encanto a su actuación, como siempre, interpretando a un hombre aparentemente ingenuo, simpático y comprensivo, de alguna manera destrozado personal y profesionalmente por su acrofobia. Pero uno espera que logre una nueva sensación de plenitud ayudando en esta última investigación, trayendo paz tanto a Madeleine como a él mismo. Aunque sus decisiones y motivaciones más emotivas al principio resultan un poco extrañas —es decir, resulta un poco extraño cómo se enamora de Madeleine dado el poco tiempo que se conocen y lo que intentan lograr juntos—, uno sigue con él mientras intenta reconstruir la naturaleza de lo que parece revelarse como una crisis familiar realmente interesante e incluso una historia de fantasmas.

Por eso, aunque Vértigo te hace esperar mucho tiempo antes de comprender de qué se trata realmente, nunca sientes que esté poniendo a prueba tu paciencia ni perdiendo el tiempo. Si la segunda mitad hubiera sido como pensé inicialmente, probablemente habría seguido enganchado. Pero aún más importante, el tercer acto de Vértigo probablemente solo puede ser tan perturbador y discordante precisamente porque dedica tanto tiempo a construir a estos personajes y sus pasados, y el duro latigazo entre dónde inicialmente pensaste que podrían ir y adónde terminan yendo hace que el destino de los personajes sea mucho más duro. La emoción y el suspense son tan memorables en parte porque ves gran parte de la película sin siquiera estar preparado para experimentarlos.

Cuando Vértigo llega a sus recompensas y muestra sus cartas, te das cuenta de que, durante todo este tiempo, el vértigo titular se refiere más a la desorientación derivada de los deseos manipulados de un hombre que al vértigo literal que proviene de la acrofobia. Trata sobre los peligros de perseguir algo que no solo no es real, sino que causa un gran daño a todas las partes involucradas. Aunque la verdad sobre todo lo que Scottie ha visto debería estar siendo clara como el agua, su psique, ya fracturada, está demasiado deteriorada, habiendo sido retorcida, torturada y abusada a tal grado que todo su mundo se ha distorsionado de forma enfermiza en lo que él quiere que sea... o, aún más aterrador, en lo que necesita que sea. Ya no puede distinguir qué es real, o al menos no se lo permite. Incluso cuando lo hace, lo que le han hecho ha sacado a la luz un estado emocional aborreciblemente controlador y tóxicamente obsesivo que se ha apoderado de todo lo demás sobre quién es.

El romance esporádico que mencioné antes no es solo un poco extraño de escritura sensiblera, sino un indicio de la naturaleza más oscura de las cosas por venir. Terminas mirando hacia atrás y preguntándote cuánto de las decisiones anteriores de Scottie vinieron de él engañándose a sí mismo tanto como de cualquier otra cosa que lo estuviera engañando, dando a sus sentimientos más apresurados y alarmantes por Madeleine un contexto mucho más deliberadamente oscuro. Lo que comienza como una actuación entrañable de Stewart se transforma en una que es triste, luego cuestionable, y luego lentamente se abre camino hasta una de las actuaciones más aterradoras de la historia del cine, incluso rivalizando con la de Anthony Perkins en Psicosis de Hitchcock. Toda la actuación progresa y fluye perfectamente en cada paso subsiguiente, y el contraste entre dónde comienza el personaje y dónde termina es una gran parte de lo que lo hace tan aterrador.

La dirección de Hitchcock tiene un enfoque directo y sensato, como en sus otras películas, sin resultar carente de estilo. No hay demasiadas tomas complejas ni trucos de cámara llamativos, e incluso el famoso dolly zoom (travelling compensado, un efecto en la cámara que distorsiona la perspectiva y que se utilizó en la cinta para crear desorientación y transmitir la acrofobia de Scottie al espectador.  Como resultado de su uso en la película, el efecto es a menudo denominado «efecto vértigo».), prácticamente marca registrada de esta película, está bastante minimizado, apareciendo solo unas pocas veces. Pero te acerca a los personajes y su historia sin distraerte en ningún momento, vendiéndote la falsa película de misterio que es la primera mitad y el thriller psicológico puro que es la segunda mitad. Esto no quiere decir que Vértigo no contenga imágenes memorables. Scottie tiene una secuencia de sueños en un momento dado, y aunque su simple destello de filtros de color y el uso de pantalla verde parecen anticuados hoy en día, te transporta hipnóticamente a una versión desorientadora y psicodélica de sus experiencias pasadas y su estado emocional actual, preparándote para los terrores que están por venir. El uso de luz verde como fondo de pantalla en algunas escenas añade un aspecto casi alienígena a acontecimientos que ya son desconcertantes por sí mismos, y el uso de oscuridad, sombras y ángulos cercanos e imponentes en la secuencia final de la película realmente contribuye a su desagradable sensación de trepidación.

Si aún no has visto Vértigo, te recomiendo encarecidamente ir lo más a ciegas posible para que pueda sorprenderte de la misma manera que lo hizo para mí y los millones de otros que la aman. Cuando muchos críticos y académicos declaran que esta es la mejor película de Hitchcock en una alineación ya icónica, es bastante fácil para mí ver por qué.

En 1995, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine.  En 1996, se presentó una versión restaurada de la cinta.

Ficha Técnica

Título Original: Vertigo (conocida también como De entre los muertos)

Año: 1958

Dirección y Producción: Alfred Hitchcock

Guion: Alec Coppel y Samuel A. Taylor (basado en la novela D'entre les morts de Pierre Boileau y Thomas Narcejac)

Fotografía: Robert Burks

Música: Bernard Herrmann

Montaje: George Tomasini

Reparto: James Stewart, Kim Novak, Barbara Bel Geddes, Tom Helmore 

Premios/Nominaciones (1958): Dos nominaciones al Óscar (Mejor Dirección Artística, Mejor Sonido). Mejor Director y Actor en el Festival de San Sebastián.

Casablanca. 1942

Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía estadounidense, ganadora de varios premios Óscar, incluyendo el de mejor película.  En su tiempo la película tenía todo para destacarse, con actores renombrados y guionistas notables, sin embargo ninguno de los involucrados en su producción esperaba que este pudiese ser algo fuera de lo normal.  Tuvo un sólido inicio pero no espectacular y, sin embargo, fue ganando popularidad año a año y fue colocándose siempre en los primeros lugares de las listas de mejores películas. La crítica ha alabado las actuaciones carismáticas de Bogart y Bergman y la química entre ellos, así como la profundidad de las caracterizaciones, la intensidad de la dirección, el ingenio del guión y el impacto emocional de la obra en su conjunto. 

No es ningún misterio que “Casablanca” sea una de las películas más populares de la historia. Trata de un hombre y una mujer que están enamorados y que sacrifican su amor por un propósito superior. Esto es súper atractivo; el espectador no solo puede imaginarse ganándose el amor de Humphrey Bogart o Ingrid Bergman, sino también renunciando a él desinteresadamente, como una contribución a la gran causa de derrotar a los nazis.

Casablanca fue un estreno más de Warner Bros. Era una película de “primera categoría”, sin duda (Bogart, Bergman y Paul Henreid eran estrellas, y no se podría haber reunido en el estudio Warner un elenco de actores secundarios mejor que Peter Lorre, Sidney Greenstreet, Claude Rains y Dooley Wilson). Pero se hizo con un presupuesto ajustado y se estrenó con pocas expectativas. Todos los involucrados en la película habían estado, y estarían, en docenas de otras películas hechas en circunstancias similares, y la grandeza de “Casablanca” fue en gran parte el resultado de una feliz casualidad.

El guion fue adaptado de una obra de teatro sin mucha importancia; las memorias hablan de retazos de diálogo anotados y llevados rápidamente al set. Lo que debió haber ayudado es que los personajes estaban firmemente establecidos en la mente de los escritores, y eran personajes tan cercanos a las personalidades en pantalla de los actores que era difícil escribir diálogos con el tono equivocado.

Humphrey Bogart interpretó papeles principales de héroes fuertes en su carrera, pero generalmente era mejor como el héroe decepcionado, herido, resentido. Recuérdenlo en “El tesoro de Sierra Madre”, convencido de que los demás estaban conspirando para robarle su oro. En “Casablanca”, interpreta a Rick Blaine, el estadounidense bebedor que dirige un club nocturno en Casablanca cuando Marruecos era un cruce de caminos para espías, traidores, nazis y la Resistencia Francesa.

Entonces, "de todos los bares de todas las ciudades del mundo, ella entra al mío". Es Ilsa Lund (Bergman), la mujer que Rick amó años antes en París. Bajo la sombra de la ocupación alemana, él organizó su escape, y cree que ella lo abandonó, lo dejó esperando bajo la lluvia en una estación de tren con sus boletos para la libertad. Ahora está con Victor Laszlo (Henreid), un legendario héroe de la Resistencia Francesa.

Todo esto se maneja con gran economía en un puñado de tomas que, incluso después de muchas visiones, tienen el poder de conmoverme emocionalmente como pocas escenas lo han hecho. El pianista del bar, Sam (Wilson), un amigo de ellos en París, se sorprende al verla. Ella le pide que toque la canción que ella y Rick hicieron suya, "As Time Goes By". Él se muestra reacio, pero lo hace, y Rick sale furiosamente de la trastienda ("¡Creí que te había dicho que nunca tocaras esa canción!"). Luego ve a Ilsa, un acorde musical dramático marca sus primeros planos, y la escena se desarrolla en resentimiento, arrepentimiento y el recuerdo de un amor que fue real. (Esta escena no es tan fuerte en una primera visión como en visiones posteriores, porque la primera vez que ves la película aún no conoces la historia de Rick e Ilsa en París; de hecho, cuanto más la ves, más resonancia gana toda la película).

La trama, una nimiedad para colgar las emociones, involucra cartas de paso que permitirán a dos personas salir de Casablanca hacia Portugal y la libertad. Rick obtuvo las cartas del pequeño y adulador contrabandista Ugarte (Peter Lorre). La repentina reaparición de Ilsa reabre todas sus viejas heridas y rompe su cuidadosamente cultivada apariencia de neutralidad e indiferencia. Cuando escucha su historia, se da cuenta de que ella siempre lo ha amado. Pero ahora está con Laszlo. Rick quiere usar las cartas para escapar con Ilsa, pero luego, en una secuencia sostenida que combina suspenso, romance y comedia como rara vez se han unido en la pantalla, él maquina una situación en la que Ilsa y Laszlo escapan juntos, mientras él y su amigo el jefe de policía (Claude Rains) se salen con la suya. ("Reúne a los sospechosos de siempre.")

Lo intrigante es que ninguno de los personajes principales es malo. Algunos son cínicos, algunos mienten, algunos matan, pero todos son redimidos. Si crees que fue fácil para Rick renunciar a su amor por Ilsa, darle más valor a la lucha de Laszlo contra el nazismo, recuerda el famoso comentario de Forster: "Si me vieran obligado a elegir entre mi país y mi amigo, espero tener el valor suficiente para elegir a mi amigo".

Desde una perspectiva moderna, la película revela suposiciones interesantes. El papel de Ilsa Lund es básicamente el de amante y compañera de un gran hombre; la verdadera pregunta de la película es, ¿con qué gran hombre debería acostarse? En realidad, no hay razón por la que Laszlo no pueda subir al avión solo, dejando a Ilsa en Casablanca con Rick, y de hecho ese es uno de los finales que se consideró brevemente. Pero eso estaría completamente mal; el final "feliz" estaría empañado por el interés propio, mientras que el final que tenemos permite que Rick sea más grande, que se acerque a la nobleza ("no hace falta mucho para ver que los problemas de tres pequeñas personas no significan nada en este mundo loco"). Y nos permite a nosotros, experimentando todo esto de forma vicaria en el cine, calentarnos con el brillo de su heroísmo.

En sus primeros planos durante esta escena, el rostro de Bergman refleja emociones confusas. Y bien podría haber estado confundida, ya que ni ella ni nadie más en la película sabían con seguridad hasta el último día quién subiría al avión. Bergman interpretó toda la película sin saber cómo terminaría, y esto tuvo el sutil efecto de hacer que todas sus escenas fueran más convincentes emocionalmente; no podía inclinarse en la dirección en la que sabía que soplaba el viento.

Estilísticamente, la película no es tanto brillante como absolutamente sólida, sólida como una roca en su uso de la artesanía del estudio de Hollywood. El director, Michael Curtiz, y los guionistas (Julius J. Epstein, Philip G. Epstein y Howard Koch) ganaron todos los premios Oscar. Una de sus contribuciones clave fue mostrarnos que Rick, Ilsa y los demás vivían en un tiempo y lugar complejos. La riqueza de los personajes secundarios (Greenstreet como el dueño corrupto del club, Lorre como el tramposo que lloriquea, Rains como el jefe de policía sutilmente homosexual y personajes menores como la joven que hará cualquier cosa para ayudar a su esposo) preparan el escenario moral para las decisiones de los personajes principales.

Estuvo nominada a 8 premios Oscar y lo obtuvo en 3, Mejor director, mejor Película y Guión adaptado.

Ficha Técnica

Título: Casablanca. (1942)

Dirección: Michael Curtiz

Producción: Hal B. Wallis

Guion: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard Koch

Música: Max Steiner

Fotografía: Arthur Edeson

Protagonistas: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman

                        Paul Henreid, Claude Rains,Conrad Veidt

                        Sydney Greenstreet, Peter Lorre

Pinocho, 1940

Pinocho (1940) es considerada una obra maestra absoluta de la animación, a menudo citada como el largometraje más perfecto de Disney, destacando por su calidad técnica, narrativa entrañable y personajes icónicos como Pepito Grillo. Con una animación detallada, la película ofrece una lección moral sobre la conciencia, la obediencia y las consecuencias de las malas decisiones, manteniendo su vigencia y un tono melancólico con escenas oscuras que contrastan con producciones actuales. 

Tras el gran éxito de "Blancanieves" en 1937, los animadores de Disney volvieron a sus guiones gráficos con un par de innovaciones bajo la manga. Una de ellas fue la libertad de dar a entender que había espacio fuera de la pantalla. En las películas "normales", los personajes se veían a medias en los bordes, entraban y salían, y la cámara realizaba panorámicas y zooms a través del espacio adicional. La animación inicial tendía a mantenerse dentro del encuadre. En "Pinocho", Disney rompió el marco, por ejemplo, en la emocionante secuencia en la que Pinocho y su padre son expulsados ​​por el estornudo de la ballena, luego son arrastrados hacia atrás y luego expulsados ​​de nuevo. Se palpa la sensación de Monstruo, la ballena, fuera de campo a la derecha.

Los pioneros, en particular, Walt Disney y Max Fleischer, encontraron maneras de hacer que sus personajes fueran algo más que simples dibujos en una pantalla: que parecieran existir en un mundo de gravedad y dimensión. Experimentaron incansablemente con el movimiento de un personaje animado, encontrando un nuevo tipo de realismo estilizado que transmitía convicción sin reflejar el mundo real. El experto en animación Ernest Rister escribe: «Me pregunto si sabían que encontrar una técnica para dotar a un dibujo de peso y volumen algún día se usaría para crear insectos asesinos o una serpiente gigante en el Amazonas».

Otra innovación fue la "cámara multiplano", un invento de Disney que permitía dibujar en tres dimensiones; la cámara parecía atravesar los dibujos en primer plano al adentrarse en el encuadre. Hay una toma aérea de la aldea de Pinocho en la que la cámara se acerca a los niveles de los dibujos hasta llegar a un primer plano. Esto era mucho mejor que usar solo la perspectiva simple para mostrar la profundidad.

Estas innovaciones pasaron desapercibidas para el público de "Pinocho": se sintieron atraídos por el poder de la narrativa. La historia del pequeño títere y su búsqueda para convertirse en un niño de verdad es un triunfo de la narrativa con moraleja. ¿Ha producido la cultura popular alguna vez una parábola más inolvidable sobre los peligros de mentir? La historia es sencillamente maravillosa. Contiene elementos que se habrían refinado en la fórmula Disney (el gato Fígaro y el pez Cleo se habrían reciclado en innumerables personajes secundarios cómicos), pero su argumento principal está diseñado con una astucia casi diabólica para llegar a los niños.

La clave es el deseo de Pinocho de convertirse en un "niño de verdad", no solo en una marioneta de madera que puede caminar y hablar sin hilos. En el fondo, todos los niños quieren ser reales y dudan que puedan. Una de las inspiraciones de la película es dejar a Pinocho más o menos solo en su proceso de desarrollo. Cuenta con una figura paterna en Geppetto, el bondadoso titiritero, pero el anciano es olvidadizo y se distrae con facilidad. Y cuenta con Pepito Grillo, quien solicita el trabajo de ser la conciencia de Pinocho y lo consigue, sin estar muy bien cualificado. Lo que hacen Geppetto, el Hada Azul y Pepito es proporcionarle a Pinocho una visión, una idea de lo que debe esforzarse por lograr. Pero el Hada Azul le advierte que su ayuda es limitada, y los otros dos no le sirven de mucha ayuda.

Pinocho fue un logro sin precedentes en el área de efectos de animación. En contraste con los "animadores de personajes" que se concentran en la actuación de los personajes, los animadores de efectos crean todo lo que se mueve aparte de los personajes. Esto incluye a vehículos, maquinarias y efectos naturales como la lluvia, los relámpagos, la nieve, el humo, las sombras y el agua, así como los efectos de fantasía o ciencia ficción como el polvo de hadas. Estas técnicas permitieron que Pinocho fuera una de las primeras películas de animación en tener efectos de animación de gran realismo

Al igual que en su versión original, el trabajo del doblaje al español también sería realizado por actores reconocidos y experimentados. En 1940, el doblaje estuvo a cargo del director de cine ítalo-argentino Luis César Amadori, quien fue elegido por el mismo Walt Disney para doblar al español la película. Es la única película de Disney en no contar con un doblaje al español hecho en Estados Unidos, si no en América del Sur, y el único largometraje animado clásico que conserva su doblaje original hasta la actualidad. La banda sonora ganó un Oscar a la mejor banda sonora siendo el primer dibujo animado en lograrlo.

Ciudadano Kane

 

El filme «Ciudadano Kane» (1941), dirigida y protagonizada por Orson Welles, es aclamada universalmente como una obra maestra técnica y narrativa que revolucionó el cine con su estructura no lineal, uso de flashbacks, ángulos de cámara innovadores y profunda iluminación. Aunque algunos espectadores modernos la encuentran lenta o anticuada, muchos la consideran una historia trágica y relevante sobre la búsqueda de la felicidad y el poder. 

Desde el punto de vista técnico esta película se destaca por el uso de la profundidad de campo, planos contrapicados, una iluminación expresionista y un montaje adelantado a su época.

La narración es altamente sofisticada y exigente para el espectador toda vez que introduce varios puntos de vista y el uso de flashback en la investigación del personaje principal Charles Foster Kane.

El tema principal del filme explora la soledad en la cúspide la vida, la corrupción y el poder y como esas cosas no garantizan la felicidad.

El Ciudadano Kane, a pesar de haber perdido fuerza comercial al paso de los los años, mantiene su estatus como una de las mejores películas de la historia.

Principales Comentarios y Análisis:

• Innovación Técnica: Se destaca por el uso de la profundidad de campo, iluminación expresionista, planos contrapicados y un montaje revolucionario para la época.
• Narrativa: Utiliza múltiples puntos de vista y una estructura de flashback para investigar la vida de Charles Foster Kane, lo que la hace sofisticada y exigente para el espectador.
• Temas: La película explora la soledad en la cima, la corrupción del poder y cómo el dinero no garantiza la felicidad.
• El Legado: A pesar de haber perdido fuerza comercialmente con el paso del tiempo, mantiene su estatus como una de las mejores películas de la historia, a menudo comparada con el impacto técnico de películas modernas.
• Significado: «Rosebud» simboliza la pérdida de la inocencia y el paraíso perdido de la infancia. 

Puedes ver este análisis detallado de por qué Ciudadano Kane es considerada la mejor película de la historia:

• Puntos de Vista: Algunos críticos señalan que, si bien es fundamental, puede resultar aburrida para el público actual no acostumbrado al cine en blanco y negro. 

Este análisis explora cómo el uso de la luz refleja la personalidad del protagonista:

En resumen, Ciudadano Kane es valorada como un estudio de personaje fascinante y una pieza clave para entender el lenguaje cinematográfico moderno. 

Ficha Técnica

Título original: Citizen Kane

Año: 1941

Duración:119 min.

País:  Estados Unidos

Dirección: Orson Welles

Guion: Herman J. Mankiewicz, Orson Welles

Reparto: Orson Welles

              Joseph Cotten

              Everett Sloane

Música: Bernard Herrmann

Fotografía: Gregg Toland