Adolescencia, 2025.

"Adolescencia" es una miniserie británica de drama criminal de 4 episodios, disponible en Netflix desde marzo de 2025. 

En un pueblo cercano a Doncaster , la policía armada allana el domicilio de una familia y arresta a Jamie Miller, de 13 años, sospechoso del asesinato de su compañera de clase Katie Leonard, quien posteriormente se revela que rechazó sus insinuaciones románticas y lo acosó cibernéticamente . Jamie es retenido en una comisaría para ser interrogado y luego puesto en prisión preventiva en un centro de formación de alta seguridad . Las investigaciones en su escuela y las entrevistas con un psicólogo forense revelan sus opiniones sobre las mujeres, influenciadas por la masculinidad  y las burlas que ha recibido en las redes sociales . En casa, su familia lidia con la reacción negativa de la comunidad mientras trabajan juntos para sobrellevar su arresto. La serie se centra en el "porqué" más que en el "quién", ya que la culpabilidad es evidente desde el inicio.

Creada por Jack Thorne y Stephen Graham, cada episodio está rodado en una sola toma continua (plano secuencia), lo que aumenta la tensión y la inmersión.

Aborda el bullying (intimidación o acoso), la violencia entre menores, la influencia negativa de las redes sociales y la crisis de masculinidad.

La serie recibió elogios por su nivel de actuaciones, el guion y la dirección, ganando múltiples premios en los 77.ª edición de los Premios Emmy., entre ellos:

Premios Globos de Oro: 4 premios. 5 nominaciones

Premios Emmy: 6 premios. 8 nominaciones

Es un drama fuerte y devastador, diseñado para generar reflexión en los espectadores sobre los peligros que enfrentan los jóvenes hoy en día.

Ficha Técnica

Título original: Adolescence

Año: 2025

País:  Reino Unido

Dirección: Jack Thorne, Stephen Graham, Philip Barantini

Guion: Stephen Graham, Jack Thorne

Reparto: Stephen Graham,  Ashley Walters,  Faye Marsay

    Mark Stanley, Christine Tremarco, Owen Cooper 

Música: Aaron May, David Ridley

Fotografía: Matthew Lewis

Mañana 28 Febrero: Edición 40 de los Premios Goya

La gran noche del cine español alcanzará su 40ª edición de los Premios Goya, con una ceremonia que, por primera vez en 26 años, regresa a Barcelona. El Edificio Fórum de la capital catalana acogerá una gala presentada por Rigoberta Bandini y Luis Tosar, en una cita marcada además por la entrega del Goya de Honor a Gonzalo Suárez y el Goya Internacional a Susan Sarandon.  La Academia de Cine de España ha diseñado una programación especial para rendir homenaje a la trayectoria de Sarandon.

Los cinéfilos podrán redescubrir en pantalla grande el filme que marcó su despegue profesional, The Rocky Horror Picture Show, junto a dos de sus interpretaciones más emblemáticas: Thelma & Louise y Pena de muerte, esta última merecedora del Oscar a la mejor actriz en 1996.

El ciclo de proyecciones se extiende más allá de la homenajeada. La Academia también exhibirá las películas galardonadas con el Goya en las categorías de Mejor Película Europea, Iberoamericana, Documental y de Animación. Además, se ha preparado un recorrido por la obra de las mujeres que han conquistado el premio a la Mejor Dirección: El perro del hortelano, Te doy mis ojos, La vida secreta de las palabras y La librería.

La ceremonia estará conducida por el actor Luis Tosar y la cantautora Rigoberta Bandini, una pareja que promete romper el guion establecido. Ambos han adelantado que no eludirán los temas que atraviesan la realidad contemporánea.

En declaraciones recientes, Tosar afirmó que sería “muy incongruente” actuar como si el mundo no existiera, y defendió la “libertad absoluta de expresión” para abordar asuntos como el genocidio en Gaza, la guerra en Ucrania, el conflicto en Iraq o las controvertidas actuaciones del ICE en Estados Unidos. “Muchas de las cosas que se presentan a los Goya hablan sobre eso”, argumentó el intérprete, “y sería un poco raro que luego no se pueda tocar”.

El componente musical de la noche correrá a cargo de un nutrido grupo de artistas: Belén Aguilera, Bad Gyal, Dani Fernández, La Casa Azul, Ana Mena, Alba Molina y Ángeles Toledano pondrán la banda sonora a una de las citas más esperadas del año.

Entre las principales nominaciones están:

Mejor Película:

• La cena

• Los domingos

• Maspalomas

• Sirat

• Sorda

Mejor dirección:

• Alauda Ruiz de Azua por Los domingos

• Jose Mari Goenaga por Maspalomas

• Carla Simón por Romería

• Oliver Laxe por Sirat

• Albert Serra por Tardes de soledad

Mejor actor protagonista:

• Alberto San Juan por La cena

• Miguel Garcés por Los domingos

• José Ramón Soroiz por Maspalomas

• Mario Casas por Muy lejos

• Manolo Solo por Una quinta portuguesa

Mejor actriz protagonista:

• Ángela Cervantes por La furia

• Patricia López Arnaiz por Los domingos

• Antonia Zegers por Los Tortuga

• Nora Navas por Mi amiga Eva

• Susana Abaitua por Un fantasma en la batalla

Curiosidades de “El Resplandor”, 1980

 

Próximo a cumplir 46 años de estrenada, “El Resplandor” de Stanley Kubrick les traemos 5 curiosidades de este excelente filme.

1- La icónica escena en la que un baño de sangre sale por entre las puertas del ascensor tardó cerca de un año en planificarse y producirse, pero sólo tres días en ser rodada.

2- Danny Lloyd, el niño que dio vida a Danny, no tenía ni idea de que estaba rodando una película de terror. De hecho, él estaba convencido de que lo que estaba haciendo es un drama. 

3- Jack Nicholson tenía experiencia con el hacha antes del rodaje gracias a sus días como voluntario del cuerpo de bomberos. Por ello, en las primeras tomas de la célebre escena en la que destroza la puerta del lavabo en el que se encierra Wendy, que se rodaron con una puerta de utilería, el actor acabó con demasiada facilidad con su objetivo. Es por ello que se tuvo que suplantar la puerta de por una de verdad.

4- Uno de los aspectos más discutidos de la película en España fue el doblaje,considerado uno de los peores de la Historia. Lo que no todo el mundo sabe es que era el propio Kubrick quien seleccionaba a los actores de doblaje de sus películas, eligiendo a aquellos cuyas voces más se asemejaran a las de los intérpretes originales. Por si fuese poco, el director estadounidense se rodeó de dos celebridades españolas: Carlos Saura y Vicente Molina Foix, para que dirigiesen el doblaje y escribieran la traducción respectivamente. Joaquín Hinojosa y Verónica Forqué dieron voz a Jack y a Wendy. 

5- Durante el rodaje  la escena en la que la cámara sigue al triciclo de Danny por los pasillos del hotel marcó un antes y un después en el cine. Garret Brown, el inventor de la Steadicam, trabajó de forma personal con Kubrick para crear una versión adaptada que pudiera moverse a pocos centímetros del suelo sin perder estabilidad. La cámara se desplazaba por un laberinto de alfombras y pisos de madera reales, y el sonido del triciclo cambiando de superficie —silencio sobre la alfombra, rugido en el piso— se registró directamente en el set, no se agregó después. Kubrick quería que el espectador “sintiera” el espacio, no solo lo viera. Para lograr las curvas perfectas, Brown caminaba hacia atrás mientras operaba el equipo, y los asistentes lo guiaban con cuerdas para evitar que chocara con paredes. Fue una coreografía técnica tan precisa que, desde entonces, la Steadicam se volvió un estándar en Hollywood. Todo lo que hoy parece fluido y moderno nació de ese paseo infantil dentro del hotel Overlook.

16 actores con más estatuillas ganadas

 

El Ultimo tango en Paris, 1972

Muy pocas personas de mi generación logró ver esta película sin cortes. No recuerdo exactamente la fecha pero en Cuba se exhibió por primera vez en el espacio televisivo Toma 1 con los comentarios de Antonio Mazón Robau  después del año 2000 y, contrario a lo que le habían prometido, hubo muchas escenas truncadas. Yo logré verla mucho antes en una sesión de nuestro Cine Club en Matanzas con una copia íntegra facilitada por la Cinemateca de Cuba. 

El controvertido filme se estrenó en la clausura del  Festival de Cine de Nueva York el 14 de octubre de 1972, con una gran demanda y una enorme controversia del público. La película no se proyectó para la prensa debido a la preocupación de que se exhibiera en contra de la ley italiana después de que los censores italianos no aprobaran la película. La falta de proyecciones aumentó la demanda de la película y algunos ofrecieron 100 dólares para comprar una entrada.

La película se estrenó a finales de 1972 en Francia, donde los espectadores hicieron colas de dos horas durante el primer mes de exhibición en los siete cines en los que se proyectó.  Obtuvo críticas positivas unánimes en todas las publicaciones francesas importantes.  Para eludir la censura estatal española, miles de españoles recorrieron cientos de kilómetros para llegar a los cines franceses de Biarritz y Perpiñán donde se proyectaba la película (incluso subtitulada en castellano para el público español).  A continuación, se estrenó en Estados Unidos, Gran Bretaña y otros lugares.

La película se estrenó el 1 de febrero de 1973 en el Trans-Lux East de Nueva York con un precio de entrada de 5 dólares y unas ventas anticipadas de 100 000 dólares,  consiguiendo 41 280 $ en su primera semana. El frenesí mediático que rodeó a la película generó un intenso interés popular, así como una condena moral, y la película fue objeto de portadas tanto en la revista Time como en Newsweek.  Playboy publicó un reportaje fotográfico de Brando y Schneider "retozando desnudos". 

Después de que los funcionarios del gobierno local fracasaran en prohibir la película en Montclair, Nueva Jersey, los asistentes al teatro tuvieron que abrirse paso entre una turba de 200 residentes indignados, que lanzaron epítetos como "pervertidos" y "homosexuales" a los asistentes. Más tarde, una amenaza de bomba interrumpió temporalmente la proyección.  La sección neoyorquina de la Organización Nacional de Mujeres denunció la película como una herramienta de "dominación masculina".

El escándalo de la película se centró sobre todo en una escena de violación anal, en la que Paul utilizaba mantequilla como lubricante.  Según Schneider, la escena no estaba en el guion original, sino que fue idea de Brando.  Otros críticos se centraron en el momento en que el personaje de Paul le pide a Jeanne que le introduzca los dedos en el ano, y luego le pide que le demuestre su devoción, entre otras cosas, teniendo sexo con un cerdo.  Fue calificada como "la película más poderosamente erótica jamás realizada, y puede resultar ser la más liberadora jamás realizada". 

Los censores británicos redujeron la duración de la secuencia de sodomía antes de permitir el estreno de la película en el Reino Unido,  aunque no se corta en los estrenos posteriores. Fue censurada en España durante el franquismo y no se estrenó hasta diciembre de 1977.  Chile prohibió por completo la película durante casi treinta años bajo su gobierno militar,  y la película fue igualmente suprimida en Portugal, hasta la Revolución de los Claveles en 1974, cuando su estreno se convirtió en un ejemplo de la libertad que permite la democracia.  Lo mismo ocurrió en Brasil durante el periodo de dictadura militar cuando la película fue censurada, hasta que finalmente se estrenó en 1979.  Otros países que la prohibieron fueron Argentina,[ Corea del Sur,  Singapur, Cuba y Venezuela. 

En Australia, la película fue estrenada sin cortes con clasificación R por la Junta de Clasificación Australiana el 1 de febrero de 1973. El 1 de enero de 1987, Warner Home Video publicó la película en VHS con la misma clasificación, prohibiendo la venta o el alquiler a menores de 18 años.[79]

Tras el estreno de la película, se inició un proceso penal en Italia contra la película por pansexualismo agravado y gratuito. La sentencia final del Tribunal de Apelación), dictada el 29 de enero de 1976, ordenó que la película fuera confiscada por la comisión de censura y que se destruyeran todas las copias. Procedimientos criminales fueron llevados contra Bertolucci en Italia por la escena de sexo anal. Una corte italiana revocó los derechos civiles de Bertolucci por cinco años y le dieron una sentencia suspendida de dos meses de prisión al guionista Franco Arcalli, el productor Alberto Grimaldi, el director Bernardo Bertolucci y Marlon Brando. 

Controvertida escena de violación.

La película contiene una escena en la que Paul (Brando) viola analmente a Jeanne (Schneider) utilizando mantequilla como lubricante. Aunque la violación es simulada, ella ha dicho que le provocó un efecto tremendamente negativo. En una entrevista en 2006, afirmó que no estaba en el guion y que "cuando me lo dijeron, tuve un arranque de furia. Woo! Lo tiré todo. Y nadie puede forzar a alguien a hacer algo que no está en el guion. Pero no sabía eso, era muy joven". En 2007, recontó los sentimientos de humillación derivados de la escena:

Solo me dijeron sobre eso antes de tener que filmar la escena y estaba tan enojada. Debería haber llamado a mi agente, o haber hecho que venga mi abogado al set porque no se puede forzar a alguien a hacer algo que no está en el guion, pero en el momento, no sabía eso. Marlon me dijo: "María, no te preocupes, es solo una película", pero durante la escena, por más que lo que estuviese haciendo Marlon no fuese real, estaba llorando lágrimas reales. Me sentí humillada y, para ser sincera, me sentí un poco violada, tanto por Marlon como por Bertolucci. Tras la escena, Marlon no me consoló ni se disculpó. Gracias a Dios hubo solo una toma. 

Schneider también dijo que la realización de la película «arruinó su vida» y que era el único arrepentimiento de su vida,  y que considera a Bertolucci un «gánster y un proxeneta». En 2011, Bertolucci negó que le hubiera «robado su juventud» (ella tenía diecinueve años en el momento de la filmación), y comentó: «La chica no era lo suficientemente madura para entender qué estaba sucediendo». Schneider siguió siendo amiga de Brando hasta su muerte en 2004, pero nunca se reconcilió con Bertolucci. Ella también reclamaba que Brando y Bertolucci «hicieron una fortuna» con la película mientras que ella ganó muy poco dinero. 

En septiembre de 2013 Bertolucci habló de nuevo sobre la escena en una retrospectiva en la Cinémathèque Française, diciendo que la escena estaba en el guion, pero el uso de la mantequilla no estaba. Bertolucci dijo que él y Brando «acordaron no decirle nada a María para obtener una repuesta más realista».

El director de fotografía Vittorio Storaro ya había trabajado con Bertolucci en El conformista y a menudo utilizó un tono azulado en la película. Storaro dijo más tarde a un periodista que...después de El conformista tuve un momento de crisis; me preguntaba: ¿qué puede venir después de Azul? Necesitábamos otro tipo de emoción... Fue el caso de El último tango. Para El último tango en París, Bertolucci y Storaro se inspiraron en los cuadros de Bacon utilizando "naranjas intensos, grises claros y fríos, blancos helados y rojos ocasionales combinados con las elecciones de buen gusto de Bertolucci de marrones suaves, marrones rubios y blancos delicados con matices azulados y rosados".

Como en sus anteriores películas, Brando se negó a memorizar sus líneas para muchas de las escenas. En su lugar, escribió sus líneas en tarjetas de entrada y las colocó en el set, dejando a Bertolucci con el problema de mantenerlas fuera del marco de la película. Durante su largo monólogo sobre el cadáver de su esposa, por ejemplo, el hecho de que Brando levante los ojos hacia arriba no es una actuación dramática espontánea, sino una búsqueda de su siguiente tarjeta de entrada.  Brando preguntó a Bertolucci si podía "escribir líneas en el trasero de María", lo que el director rechazó.

Brando recibió una nominación al Oscar por Mejor actor principal y Bertolucci fue nominado por Mejor director.

Estas son algunas de las películas eróticas consideras las mejores la historia: 

 1. 'Love' (2015)

2. 'Y tu mamá también' (2001)

3. 'Eyes Wide Shut' (1999)

4. 'Instinto básico' (1992)

5. 'La vida de Adèle' (2013)

6. 'El último tango en París' (1972)

7. 'Criaturas Salvajes' (1998)

8. 'Babygirl' (2024)

9. 'Pobres criaturas' (2024)

10. 'Saltburn' (2023)

11. 'El imperio de los sentidos' (1976)

12. 'Terciopelo azul (1986)'

13. 'Crash' (1996)

14. 'La bella mentirosa' (1991)

15. 'El duque de Burgundy' (2014)

16. 'La doncella '(2016)

17. 'Secretary' (2002)

18. 'Benedetta' (2021)

19. 'Habitación en Roma' (2010)

20. 'Los Soñadores' (2003)

Ficha Técnica

Director: Bernardo Bertolucci.

Año: 1972.

Guion: Bernardo Bertolucci, Franco Arcalli.

Producción: Alberto Grimaldi.

Fotografía: Vittorio Storaro.

Música: Gato Barbieri.

Reparto Principal:

o Marlon Brando como Paul.

o Maria Schneider como Jeanne.

o Jean-Pierre Léaud como Tom.

o Massimo Girotti como Marcel.

Vértigo, 1958

También llamada Vértigo (De entre los muertos), es una película norteamericana de suspenso psicológico y cine negro, dirigida y producida por Alfred Hitchcock y estrenada en 1958.  El guion está basado en la novela de 1954 D'entre les morts (De entre los muertos) escrita por Pierre Boileau y Thomas Narcejac,  y fue adaptado por Alec Coppel y Samuel A. Taylor. 

Vértigo es una obra maestra apasionante que planta con destreza cada momento antes de revelar su verdadero y retorcido propósito, ganándose su lugar como un clásico casi indiscutible.

Es difícil hablar de la historia del cine sin mencionar al director Alfred Hitchcock, y es aún más difícil hablar de Hitchcock sin mencionar lo que muchos consideran su obra maestra, Vértigo. Este thriller psicológico se estrenó en 1958 y, hasta el día de hoy, sigue siendo una de las películas más aclamadas de todos los tiempos. Su intensa actuación, sus personajes convincentes, sus efectos visuales inolvidables y su narrativa oscura y retorcida hacen de Vértigo una obra maestra del thriller.

Vértigo está protagonizada por James Stewart como John "Scottie" Ferguson, un ex detective de policía que sufre de acrofobia y vértigo. Algún tiempo después de jubilarse anticipadamente, Scottie es contratado por un viejo amigo (Tom Helmore) para investigar a su esposa Madeleine (Kim Novak), quien, según él, se comporta de manera extraña. Esto lleva a Scottie a desentrañar muchas capas que rodean la historia familiar de Madeleine, la posibilidad de que haya sido atormentada o incluso poseída, un romance que se desarrolla rápidamente con ella y, finalmente, una gran revelación de que no todo es lo que parece ser ... y honestamente, decir más potencialmente arruinaría la diversión para los no iniciados. Parte de lo que hace de Alfred Hitchcock un narrador tan increíble es lo bien que juega el juego largo con sus películas y lo que realmente tratan. Te atrae con una historia que crees que ha establecido su configuración básica, incluso si no estás seguro de lo que está reduciendo. Pero luego, cambia completamente el guion con algún giro sorprendente o una revelación inesperada, transformando la historia en algo completamente distinto.

Obviamente, gran parte del mérito en el caso de Vértigo recae en el material original, así como en Alec Coppel y Samuel Taylor por escribir el guion adaptado. Pero aún se necesita un director magistral como Hitchcock para retratar ese material y crear un misterio genuinamente bueno que enganche al espectador desde el principio. La actuación de cada personaje principal es tan buena y el guion se siente tan bien desarrollado que es difícil darse cuenta de que lo que ves frente a ti no es lo que probablemente crees. Muchas películas han usado tácticas como esta para atraer a los espectadores, pero Vértigo sigue siendo una de las mejores ejecuciones de este tipo, incluso más de sesenta años después.

James Stewart aporta mucho encanto a su actuación, como siempre, interpretando a un hombre aparentemente ingenuo, simpático y comprensivo, de alguna manera destrozado personal y profesionalmente por su acrofobia. Pero uno espera que logre una nueva sensación de plenitud ayudando en esta última investigación, trayendo paz tanto a Madeleine como a él mismo. Aunque sus decisiones y motivaciones más emotivas al principio resultan un poco extrañas —es decir, resulta un poco extraño cómo se enamora de Madeleine dado el poco tiempo que se conocen y lo que intentan lograr juntos—, uno sigue con él mientras intenta reconstruir la naturaleza de lo que parece revelarse como una crisis familiar realmente interesante e incluso una historia de fantasmas.

Por eso, aunque Vértigo te hace esperar mucho tiempo antes de comprender de qué se trata realmente, nunca sientes que esté poniendo a prueba tu paciencia ni perdiendo el tiempo. Si la segunda mitad hubiera sido como pensé inicialmente, probablemente habría seguido enganchado. Pero aún más importante, el tercer acto de Vértigo probablemente solo puede ser tan perturbador y discordante precisamente porque dedica tanto tiempo a construir a estos personajes y sus pasados, y el duro latigazo entre dónde inicialmente pensaste que podrían ir y adónde terminan yendo hace que el destino de los personajes sea mucho más duro. La emoción y el suspense son tan memorables en parte porque ves gran parte de la película sin siquiera estar preparado para experimentarlos.

Cuando Vértigo llega a sus recompensas y muestra sus cartas, te das cuenta de que, durante todo este tiempo, el vértigo titular se refiere más a la desorientación derivada de los deseos manipulados de un hombre que al vértigo literal que proviene de la acrofobia. Trata sobre los peligros de perseguir algo que no solo no es real, sino que causa un gran daño a todas las partes involucradas. Aunque la verdad sobre todo lo que Scottie ha visto debería estar siendo clara como el agua, su psique, ya fracturada, está demasiado deteriorada, habiendo sido retorcida, torturada y abusada a tal grado que todo su mundo se ha distorsionado de forma enfermiza en lo que él quiere que sea... o, aún más aterrador, en lo que necesita que sea. Ya no puede distinguir qué es real, o al menos no se lo permite. Incluso cuando lo hace, lo que le han hecho ha sacado a la luz un estado emocional aborreciblemente controlador y tóxicamente obsesivo que se ha apoderado de todo lo demás sobre quién es.

El romance esporádico que mencioné antes no es solo un poco extraño de escritura sensiblera, sino un indicio de la naturaleza más oscura de las cosas por venir. Terminas mirando hacia atrás y preguntándote cuánto de las decisiones anteriores de Scottie vinieron de él engañándose a sí mismo tanto como de cualquier otra cosa que lo estuviera engañando, dando a sus sentimientos más apresurados y alarmantes por Madeleine un contexto mucho más deliberadamente oscuro. Lo que comienza como una actuación entrañable de Stewart se transforma en una que es triste, luego cuestionable, y luego lentamente se abre camino hasta una de las actuaciones más aterradoras de la historia del cine, incluso rivalizando con la de Anthony Perkins en Psicosis de Hitchcock. Toda la actuación progresa y fluye perfectamente en cada paso subsiguiente, y el contraste entre dónde comienza el personaje y dónde termina es una gran parte de lo que lo hace tan aterrador.

La dirección de Hitchcock tiene un enfoque directo y sensato, como en sus otras películas, sin resultar carente de estilo. No hay demasiadas tomas complejas ni trucos de cámara llamativos, e incluso el famoso dolly zoom (travelling compensado, un efecto en la cámara que distorsiona la perspectiva y que se utilizó en la cinta para crear desorientación y transmitir la acrofobia de Scottie al espectador.  Como resultado de su uso en la película, el efecto es a menudo denominado «efecto vértigo».), prácticamente marca registrada de esta película, está bastante minimizado, apareciendo solo unas pocas veces. Pero te acerca a los personajes y su historia sin distraerte en ningún momento, vendiéndote la falsa película de misterio que es la primera mitad y el thriller psicológico puro que es la segunda mitad. Esto no quiere decir que Vértigo no contenga imágenes memorables. Scottie tiene una secuencia de sueños en un momento dado, y aunque su simple destello de filtros de color y el uso de pantalla verde parecen anticuados hoy en día, te transporta hipnóticamente a una versión desorientadora y psicodélica de sus experiencias pasadas y su estado emocional actual, preparándote para los terrores que están por venir. El uso de luz verde como fondo de pantalla en algunas escenas añade un aspecto casi alienígena a acontecimientos que ya son desconcertantes por sí mismos, y el uso de oscuridad, sombras y ángulos cercanos e imponentes en la secuencia final de la película realmente contribuye a su desagradable sensación de trepidación.

Si aún no has visto Vértigo, te recomiendo encarecidamente ir lo más a ciegas posible para que pueda sorprenderte de la misma manera que lo hizo para mí y los millones de otros que la aman. Cuando muchos críticos y académicos declaran que esta es la mejor película de Hitchcock en una alineación ya icónica, es bastante fácil para mí ver por qué.

En 1995, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine.  En 1996, se presentó una versión restaurada de la cinta.

Ficha Técnica

Título Original: Vertigo (conocida también como De entre los muertos)

Año: 1958

Dirección y Producción: Alfred Hitchcock

Guion: Alec Coppel y Samuel A. Taylor (basado en la novela D'entre les morts de Pierre Boileau y Thomas Narcejac)

Fotografía: Robert Burks

Música: Bernard Herrmann

Montaje: George Tomasini

Reparto: James Stewart, Kim Novak, Barbara Bel Geddes, Tom Helmore 

Premios/Nominaciones (1958): Dos nominaciones al Óscar (Mejor Dirección Artística, Mejor Sonido). Mejor Director y Actor en el Festival de San Sebastián.

Blue Is the Warmest Colour, 2013

El azul es el color más cálido ( también La vida de Adéle )  es una película de drama romántico erótico de 2013 coescrita, coproducida y dirigida por Abdellatif Kechiche y protagonizada por Léa Seydoux y Adèle Exarchopoulos . La película sigue a Adèle (Exarchopoulos), una adolescente francesa, que descubre el deseo y la libertad cuando Emma (Seydoux), una aspirante a pintora, entra en su vida. Representa su relación sexual desde los años de escuela secundaria de Adèle hasta su vida adulta temprana y su carrera como maestra de escuela. La premisa de la película se basa en la novela gráfica de 2010 del mismo nombre de Jul Maroh .

La producción comenzó en marzo de 2012 y duró cinco meses. Se filmaron aproximadamente 800 horas de metraje, incluyendo extensas tomas B-roll, y Kechiche redujo el corte final a 180 minutos.  La película generó controversia, principalmente por las acusaciones del equipo y las actrices principales sobre las malas condiciones laborales en el set y la cruda representación de la sexualidad en la película. 

Adèle es una estudiante de secundaria introvertida de 15 años. Un día, se cruza con una mujer mayor de pelo corto y azul en la calle y se siente atraída al instante. Tiene relaciones sexuales con Thomas, un chico de la escuela, con lo que pierde su virginidad, pero al final no queda satisfecha y termina la relación. Tras tener intensas fantasías sexuales con la mujer de pelo azul mientras se masturba y besa a Béatrice, una de sus amigas, Adèle comienza a preocuparse por su identidad sexual . Béatrice dice que no quiere seguir adelante y le dice a Adèle que olvide el beso.

El amigo de Adèle, Valentin, abiertamente gay , la lleva a un bar gay . Adèle sale después y entra en un bar lésbico , donde algunas mujeres coquetean con ella. Emma, la estudiante de arte de pelo azul, está allí e interviene, alegando que Adèle es su prima. Emma y Adèle se hacen amigas. Tras la aparición de Emma en la escuela, los amigos de Adèle sospechan que es lesbiana y la marginan.

Adèle y Emma se acercan y se besan en un picnic. Más tarde tienen relaciones sexuales y comienzan una apasionada relación sexual. La familia artística de Emma recibe a Adèle, pero Adèle les dice a sus padres, conservadores y de clase trabajadora, que Emma es su tutora de filosofía. Algunos viejos amigos de Adèle asisten a su fiesta sorpresa de 18 años, pero Emma no.

En los años siguientes, las dos mujeres se mudan juntas. Adèle se convierte en maestra de preescolar, mientras que Emma intenta impulsar su carrera como pintora organizando frecuentes fiestas en casa. En una de ellas, Adèle conoce a Lise, la compañera de Emma que está embarazada, al galerista Joachim y al aspirante a actor Samir. Samir habla de Estados Unidos con Adèle mientras los demás hablan de sexo, y se hacen amigos. Emma pasa más tiempo en la fiesta con Lise.

Emma menosprecia la carrera de Adèle, pero la anima a dedicarse a la escritura, mientras que Adèle insiste en que es feliz tal como es. Su relación se tensa al quedar claro que tienen poco en común, salvo su mutua atracción física. Emma llega tarde a casa, tras haber pasado la noche trabajando con Lise. Por soledad, Adèle tiene relaciones sexuales con un colega profesor llamado Antoine. Emma descubre la infidelidad y, furiosa, rompe con Adèle.

Tres años después, se encuentran en un restaurante. Adèle está feliz con su trabajo como maestra de primaria, pero no ha superado su etapa: sigue profundamente enamorada de Emma. Emma mantiene una relación seria con Lise y ayuda a criar a su hija de tres años, pero Emma admite no sentirse realizada sexualmente. Emma y Adèle se besan, pero Emma se retira. Le dice a Adèle que ya no la ama, pero que su relación era especial y que siempre sentirá una ternura infinita por ella. Se separan entre disculpas y lágrimas.

Adèle asiste a la exposición de arte de Emma. En una pared hay un retrato de Adèle desnuda que Emma pintó durante el tiempo que estuvieron juntas. Emma saluda a Adèle, pero está concentrada en Lise y los demás invitados. Adèle felicita a Emma por su éxito y, tras una breve conversación con Samir, se marcha. Él la persigue, pero se equivoca de dirección, mientras Adèle se aleja.

La sexualidad lésbica es uno de los temas principales de la película, ya que la narrativa aborda la exploración de la identidad de Adèle en este contexto. Sin embargo, algunos académicos han cuestionado el tratamiento que la película da a la sexualidad lésbica, dado que fue dirigida por un hombre heterosexual. En Sight & Sound , la estudiosa de cine Sophie Mayer sugiere que en Blue is the Warmest Colour , «Al igual que la homofobia, la lesbiana se desvanece. Como ocurre con muchas fantasías masculinas sobre el lesbianismo, la película se centra en el éxito erótico y los fracasos afectivos de las relaciones entre mujeres».

La cuestión de la perspectiva también fue abordada en una reseña de Film Comment por Kristin M. Jones, quien escribió: "Los supuestamente sofisticados amigos de Emma hacen comentarios entusiastas sobre el arte y la sexualidad femenina que parecen reflejar el enfoque problemático del director hacia la representación de las mujeres". 

Un crítico ha sugerido que la película no es una película lésbica, destacando la exploración de la bisexualidad de Adèle. Paulina Plazas escribió en IndieWire que, a lo largo de la película, la eliminación de la bisexualidad es "fundamental para comprender la particular sensación de incompatibilidad de Adèle a medida que alcanza la mayoría de edad". 

Un elemento temático recurrente que la crítica y el público identificaron es la división de clases sociales y la exploración de la libertad y el amor entre los dos personajes centrales. La división de clases sociales es clara en las dos escenas de cena familiar: la familia conservadora y de clase trabajadora de Adèle discute temas relativamente banales, mientras que la familia de Emma, más abierta y de clase media, discute principalmente asuntos existenciales : arte , carrera, vida y pasión. Quizás una de las diferencias más significativas entre las familias es que Emma es consciente de su relación lésbica, mientras que a los padres conservadores de Adèle se les hace creer que las mujeres son solo amigas.  

A finales de 2011, se realizó un casting en París para encontrar a la actriz ideal para el papel de Adèle. La directora de casting, Sophie Blanvillain, descubrió a Adèle Exarchopoulos y luego organizó una reunión con Kechiche. Exarchopoulos describió cómo sus audiciones con Kechiche, a lo largo de dos meses, consistieron en improvisar guiones, conversar y sentarse en un café, sin hablar, mientras él la observaba. Fue más tarde, un día antes de Año Nuevo, cuando Kechiche decidió ofrecerle a Exarchopoulos el papel principal en la película; como declaró en una entrevista: «Elegí a Adèle en cuanto la vi. La llevé a comer a una brasserie . Pidió tarta de limón y cuando vi cómo la comía, pensé: "¡Es ella!"».  

Léa Seydoux fue elegida para interpretar a Emma diez meses antes de que comenzara el rodaje principal . Kechiche sintió que Seydoux "compartía la belleza, la voz, la inteligencia y la libertad de su personaje" y que tenía "algo de alma árabe". Añadió: "Lo decisivo durante nuestra reunión fue su visión de la sociedad: está muy conectada con el mundo que la rodea. Posee una auténtica conciencia social, un compromiso real con el mundo, muy similar al mío. Pude darme cuenta de su magnitud, ya que pasé un año entero con ella entre su elección para el papel y el final del rodaje". En declaraciones a IndieWire sobre la preparación para su papel, Seydoux comentó: "Durante esos diez meses [antes del rodaje] ya me reunía con él y recibía sus indicaciones. Pasábamos horas hablando de mujeres y de la vida; también tomé clases de pintura y escultura, y leí mucho sobre arte y filosofía". 

En cuanto a la cinematografía , las escenas de plano/contraplano de la película se rodaron simultáneamente con dos cámaras diferentes. Para Kechiche, esta técnica no solo facilita la edición, sino que también añade belleza a la escena, haciéndola más realista. Otro aspecto característico de la cinematografía de Blue es el predominio de los primeros planos . El director de fotografía Sofian El Fani utilizó la cámara Canon EOS C300 con objetivos zoom , y toda la producción se realizó mediante un flujo de trabajo digital. 

Tras su estreno en el Festival de Cannes de 2013, un informe del Sindicato Audiovisual y Cinematográfico deFrancia criticó las condiciones laborales del equipo. Según el informe, los miembros del equipo afirmaron que la producción se desarrolló en un ambiente "pesado" con un comportamiento cercano al "acoso moral", lo que llevó a algunos a renunciar. Otras críticas se centraron en la interrupción de los horarios de trabajo y los salarios.  Los técnicos acusaron a Kechiche de acoso, horas extras no pagadas y violaciones de la legislación laboral.  

En septiembre de 2013, Seydoux y Exarchopoulos también se quejaron del comportamiento de Kechiche durante el rodaje. Describieron la experiencia como "horrible" y dijeron que no volverían a trabajar con él.  Exarchopoulos comentó posteriormente sobre la ruptura: "Fue real, pero no tan grave como parece. Para mí, un rodaje es una aventura humana, y en toda aventura hay algún conflicto". En una entrevista de enero de 2014, Seydoux dijo: "Sigo muy contento con esta película. Fue difícil filmarla y quizá piensen que me quejé y que me estaban mimando, pero no es así. Solo dije que fue difícil. La verdad es que fue extremadamente difícil, pero no importa. No me importa que fuera difícil. Me gusta que me pongan a prueba. La vida es mucho más difícil. Es un director muy honesto y me encanta su cine. Me gusta mucho como director. ¿Cómo nos trata? ¡Y qué!" 

Significado del color azul

El azul es el color más cálido se caracteriza por su simbolismo visual.  El color azul se usa ampliamente a lo largo de la película, desde la iluminación del club gay que Adèle visita hasta el vestido que usa en la última escena, y sobre todo en el cabello y los ojos de Emma. Para Adèle, el azul representa la intensidad emocional, la curiosidad, el amor y la tristeza. Adèle también hace referencia a Pablo Picasso , quien, como es bien sabido, atravesó un melancólico Periodo Azul . A medida que Emma deja atrás su relación con Adèle y su pasión se desvanece, se quita el azul del cabello y adopta un peinado más natural y conservador. 

El estreno mundial de "El azul es el color más cálido" tuvo lugar en el 66.º Festival de Cine de Cannes el 23 de mayo de 2013. Recibió una ovación de pie y se posicionó entre las más valoradas por la crítica del festival. En agosto de 2013, la película se estrenó en Norteamérica en el Festival de Cine de Telluride de 2013. También se proyectó en la sección de Presentación Especial del Festival Internacional de Cine de Toronto de 2013 el 5 de septiembre de 2013.  

La película se proyectó en más de 131 territorios  y se estrenó comercialmente el 9 de octubre de 2013 en Francia por Wild Bunch con una clasificación "12" . En Estados Unidos, recibió una clasificación NC-17 de la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos (MPAA) por "contenido sexual explícito". Tuvo un estreno limitado en cuatro cines de Nueva York y Los Ángeles el 25 de octubre de 2013, y se expandió gradualmente en las semanas posteriores. La película se estrenó el 15 de noviembre de 2013 en el Reino Unido  y el 13 de febrero de 2014 en Australia y Nueva Zelanda.  

"Azul es el color más cálido" recaudó un total mundial de 19.492.879 dólares.  Durante su estreno en Francia el 9 de octubre de 2013, la película debutó con un total de 2,3 millones de dólares en 285 pantallas, con un promedio de 8.200 dólares por pantalla. Ocupó el cuarto puesto en su primer fin de semana, lo que se consideró un "desempeño notablemente bueno debido a su duración de casi tres horas". 

En el sitio web de recopilación de reseñas Rotten Tomatoes , el 89% de 204 críticos le han dado a la película una reseña positiva, con una puntuación media de 8,20/10. El consenso de la crítica del sitio es: «Cruda, honesta, con actuaciones impactantes y deliciosamente intensa, Blue Is the Warmest Colour ofrece uno de los dramas más elegantemente compuestos y emocionalmente absorbentes del cine moderno».  

En Cannes, la película impactó a algunos críticos con sus largas y explícitas escenas de sexo (aunque se usaron genitales falsos), lo que los llevó a especular que podría requerir edición antes de su proyección en cines. Varios críticos consideraron la película como la favorita para ganar la Palma de Oro . El jurado, que incluía a Steven Spielberg , Ang Lee y Nicole Kidman , tomó una decisión sin precedentes al otorgar la Palma de Oro a las dos actrices principales de la película junto con el director. El presidente del jurado, Spielberg, explicó: “La película es una gran historia de amor que nos hizo sentir privilegiados de ser una mosca en la pared, de ver cómo esta historia de profundo amor y profundo desamor evolucionaba desde el principio”. 

La película ganó finalmente la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2013. En Cannes también ganó el Premio de la Federación Internacional de Críticos de Cine.  Esta fue también la primera película adaptada de una novela gráfica o un cómic en ganar la Palma de Oro. En diciembre de 2013, recibió el Premio Louis Delluc a la mejor película francesa.  

En la 39ª edición de los Premios César , la película recibió ocho nominaciones, y Exarchopoulos ganó el Premio César a la Actriz Más Revelación . 

Otras películas destacadas de Exarchopoulos son:

• Corazones rotos (L'Amour ouf) (2024): Drama romántico musical sobre un amor marcado por el destino.

• Del revés 2 (Inside Out 2) (2024).

• Ladronas (Voleuses) (2023): Película de acción de Netflix donde interpreta a una experta delincuente.

• Passages (2023): Drama sobre un triángulo amoroso.

• El reino animal (2023): Película de ciencia ficción y aventuras.

• Mandíbulas (2020): Una comedia surrealista sobre dos amigos y una mosca gigante.

• El reflejo de Sibyl (2019): Drama psicológico sobre una terapeuta y su paciente.

• Le Fidèle (Perseguidos por el destino) (2017): Historia de amor entre un gánster y una piloto.

• The Last Face (Diré tu nombre) (2016): Dirigida por Sean Penn

Nominaciones 2026.

Las nominaciones a los Oscar 2026 (correspondientes a la 98.ª edición) se anunciaron a finales de enero de 2026, destacando títulos fuertes en streaming como Frankenstein (Netflix), F1 (Apple TV+), y Elio (Disney+). Las películas nominadas se pueden ver principalmente en Netflix, Disney+, HBO Max, Apple TV+ y en cines. 

Aquí está dónde ver las principales nominadas al Oscar 2026:

• Netflix: Frankenstein, Train Dreams (Sueños de trenes), Las guerreras del K-pop.

• Apple TV+: F1, A través del fuego, The Lost Bus, Del cielo al infierno.

• HBO Max (Max): Sinners (Pecadores), Weapons, Una batalla tras otra.

• Disney+: Elio (animación), Avatar: Fire and Ash, Zootopia 2.

¿Dónde ver la ceremonia?

La gala de los Oscar 2026 se podrá seguir en directo a través de los canales oficiales de la Academia, así como en plataformas de streaming que tengan los derechos de transmisión en tu región (usualmente ABC en EE.UU. y plataformas locales como Movistar+ en España, u otras cadenas en Latinoamérica. 

La ceremonia será el 15 de Marzo en Los Angeles

Lista de las principales nominaciones:

Mejor Película

• 'Bugonia'

• 'F1: La película'

• 'Frankenstein'

• 'Hamnet'

• 'Marty Supreme'

• 'Una batalla tras otra'

• 'El agente secreto'

• 'Valor sentimental'

• 'Los pecadores'

• 'Sueños de trenes'

Mejor Dirección

• Chloé Zhao, por 'Hamnet'

• Josh Safdie, por 'Marty Supreme'

• Paul Thomas Anderson, por 'Una batalla tras otra'

• Joachim Trier, por 'Valor sentimental'

• Ryan Coogler, por 'Los pecadores'

Mejor Actriz Protagonista

• Jessie Buckley, por 'Hamnet'

• Rose Byrne, por 'Si pudiera, te daría una patada'

• Kate Hudson, por 'Song Song Blue'

• Renate Reinsve, por 'Valor sentimental'

• Emma Stone, por 'Bugonia'

Mejor Actor Protagonista

• Timothée Chalamet, por 'Marty Supreme'

• Leonardo DiCaprio, por 'Una batalla tras otra'

• Ethan Hawke, por 'Blue Moon'

• Michael B. Jordan, por 'Los pecadores'

• Wagner Moura, por 'El agente secreto'

Mejor Actriz de Reparto

• Elle Fanning, por 'Valor sentimental'

• Inga Ibsdotter Lilleaas, por 'Valor sentimental'

• Amy Madigan, por 'Weapons'

• Wunmi Mosaku, por 'Los pecadores'

• Teyana Taylor, por 'Una batalla tras otra'

Mejor Actor de Reparto

• Benicio del toro, por 'Una batalla tras de otra'

• Jacob Elordi, 'Frankenstein'

• Delroy Lindo, 'Los pecadores'

• Sean Penn, por 'Una batalla tras de otra'

• Stellan Skarsgard, por 'Valor sentimental'

Por otro lado, las películas con mayor número de nominaciones son:

• 'Los pecadores': 16 nominaciones

• 'Una batalla tras otra': 13 nominaciones

• 'Marty Supreme': 9 nominaciones

• 'Frankenstein': 9 nominaciones

• 'Valor sentimental': 9 nominaciones

• 'Hamnet': 8 nominaciones

 

The Queen's Gambit, 2020 (Miniserie)

 

Gambito de dama es una serie de 7 capítulos basada en una novela de Walter Tevis. Tratándose de una serie que tiene como trasfondo el juego de ajedrez, que nunca ha tenido, y menos en estos tiempos, una gran popularidad, la pregunta es ¿Porqué la serie ha tenido tanto éxito? 

En primer lugar porque trata del éxito y de la competitividad, dos cosas que siempre son bien recibidas por el público. Hay cientos de producciones que tienen ese hilo conductor, ya sea en la contienda política, en el triunfo deportivo o en los ascensos de estatus social. El sustrato común de estos argumentos no depende tanto del género como del talento con que se dosifican los logros de los protagonistas y de la historia humana que los enmarca.

De manera que aunque el tema de fondo en Gambito de Dama sea el ajedrez, en realidad no trata sobre el ajedrez, sino sobre la historia de una joven con una aptitud extraordinaria para ese juego, que lucha contra viento y marea para conseguir sobresalir en esa actividad. Dicho esto, añado que el productor corría un peligro al situar el trasfondo de su relato en un juego que, como ya he dicho, está a años luz de ser muy comercial, por no decir que está acaparado por ciertas élites y por el género masculino.

Pero hay que reconocer que el tratamiento que el director le ha dado es sobresaliente: evita la lentitud que acompaña al juego en sí y a sus complejidades técnicas y se centra en los rituales, la personalidad de los jugadores, los aspectos que rodean al juego y los ambientes. El ajedrez sale bien parado y me atrevería a decir que la serie puede despertar en algunos espectadores el interés por este juego. No estaría mal sustituir un poquito las consolas por el ajedrez.

El segundo punto a destacar de la serie es la fantástica actuación de la protagonista, Beth Harmon en la ficción, encarnada por la actriz Anya Taylor-Joy. El personaje de Harmon debe tener singularidades porque de una figura singular se trata, y Anya Taylor aporta un completo registro de actriz de calidad.

Argumento de Gambito de Dama

Gambito de dama nos presenta a Beth Harmon, una joven que arrastra un pasado difícil puesto que su historia comienza en un orfanato para niñas que tiene como objetivo formarlas para que puedan ser adoptadas. La adopción va acompañada por un cheque mensual para la familia de acogida, por lo que se juntan el altruismo con el interés.

Esa es la cruda realidad para la niña. Anya Taylor dota a su personaje, ya en la madurez, de un carácter hermético unas veces y de fuerte personalidad y convicciones en otras. Parca en sonrisas, poco expresiva, busca el aislamiento en algunas ocasiones y en otras integrarse en un mundo más trivial. Por encima de todo vive obsesionada con progresar en la técnica del juego para conseguir escapar de una situación económica difícil.

A pesar de esta personalidad un tanto peculiar y esquiva, consigue, poco a poco, y en un cien por cien, la empatía con el espectador. Beth Harmon sufre las consecuencias de provenir de una familia desestructurada, lleva a flor de piel su vulnerabilidad y su inseguridad y eso la conduce a la tentación de sus adicciones contra las que debe luchar permanentemente.

La serie mantiene el mismo alto nivel durante todos los episodios. Quizá habría que destacar el capítulo final, con un cierre pausado y sin estridencias y con ese momento de grandeza que nos saca esa sonrisa sincera. Personalmente, me han gustado especialmente las escenas del orfanato, muy bien ambientadas; escenas que se reparten entre el principio y el final de la serie.

A Anya Taylor-Joy le acompaña el estupendo Bill Camp (el conserje del orfanato) tan eficaz como siempre y la actriz Marielle Heller en el papel de madre adoptiva, un papel difícil porque también tiene circunstancias personales extremas. En la relación madre-hija se mantiene un espacio de equilibrio entre la distancia y el cariño muy bien escenificado por ambas actrices. Personalmente es una de las cosas que más me han llamado la atención.

Y finalmente, otro punto a destacar es el de la ambientación. La acción de la serie se desarrolla entre los años 50 y 60 en Estados Unidos y es una época con encanto que se refleja muy bien en los decorados, vestimenta y planos de exteriores muy cuidados.

¿A quién recomendar Gambito de dama?

Gambito de dama es una serie que va dirigida a casi todo el mundo. No es necesario, como decía, ser un entusiasta del ajedrez, no. La serie tiene unos ingredientes que han sido dosificados de manera magistral por Scott Frank, dando una mayor importancia a la competitividad, las relaciones entre los personajes y a los sentimientos, sobre todo a los de su protagonista.

Parecía complicado, a priori, que lográramos empatizar con una protagonista así y sin embargo hemos sonreído y sufrido con ella con pasmosa facilidad, desde el primer minuto. Puede esto deberse también a la maravillosa banda sonora que acompaña a los fotogramas más importantes. Hay muchos momentos en los que con la única ayuda de un piano, las escenas se nos hacen reales, sobrecogedoras. Y todo esto se ha logrado sin que nos demos apenas cuenta; notas y silencio en perfecta armonía.

Lanzada en Netflix el 23 de octubre de 2020, se convirtió en la miniserie con guion más vista de Netflix, lo que la convirtió en el programa principal de Netflix en 63 países.  La serie recibió elogios de la crítica, con elogios especiales por la actuación de Taylor-Joy, la cinematografía y los valores de producción. También recibió una respuesta positiva de la comunidad del ajedrez por sus descripciones, a menudo precisas, del ajedrez de alto nivel, y los datos sugieren que aumentó el interés del público en el juego.  

The Queen's Gambit ganó once premios Emmy, incluida la Mejor Serie Limitada o de Antología, convirtiéndose en el primer programa de un servicio de streaming en ganar la categoría. La serie recibió dos premios Globo de Oro: mejor miniserie  y mejor actriz para Taylor-Joy,  quien también fue nominada al premio de la Crítica Televisiva a la mejor actriz en miniserie y al premio del Sindicato de Actores a la mejor actriz de televisión - miniserie 

Falleció Actor Eric Dane.

Eric Dane, reconocido por sus papeles en Grey's Anatomy y Euphoria, murió el jueves a los 53 años. En el último tramo de su vida se había convertido en un activo defensor de la concienciación sobre la esclerosis lateral amiotrófica (ELA).

Dane, de 53 años, había anunciado su diagnóstico apenas 10 meses atrás. Desde entonces, se había convertido en un apasionado defensor de quienes investigan o sufren esa condición.

Sus representantes informaron que falleció a causa de ELA —también conocida como la enfermedad de Lou Gehrig—, menos de un año después de hacer público su diagnóstico.

“Pasó sus últimos días rodeado de amigos cercanos, de su devota esposa y de sus dos hijas, Billie y Georgia, que eran el centro de su vida”, señaló un comunicado que pidió respeto por la privacidad de la familia. “Durante su recorrido con la ELA, Eric se transformó en un defensor apasionado de la concienciación y la investigación, con la determinación de aportar a quienes enfrentan la misma lucha. Lo extrañaremos profundamente y lo recordaremos siempre con cariño. Eric amaba a sus fans y estará eternamente agradecido por las muestras de amor y apoyo recibidas”.

Dane nació el 9 de noviembre de 1972 y creció en California. Su padre, marino, murió por un disparo cuando él tenía 7 años. Tras terminar la preparatoria se instaló en Los Ángeles para dedicarse a la actuación y comenzó con participaciones como invitado en series como Saved by the Bell, Married... with Children y Charmed, además de intervenir en la película X-Men: The Last Stand y protagonizar una temporada del drama médico Gideon's Crossing.

Su salto a la fama llegó a mediados de los 2000, cuando fue elegido para encarnar al doctor Mark Sloan —apodado “McSteamy”— en Grey's Anatomy. Interpretó al personaje entre 2006 y 2012, con una reaparición en 2021. En 2019 dio un giro a su carrera al asumir el papel de Cal Jacobs en Euphoria, el drama de HBO en el que trabajó hasta sus últimos meses.

También fue Tom Chandler, capitán de un destructor naval en un mundo devastado por una pandemia global, en The Last Ship. En 2017, la producción se interrumpió temporalmente mientras el actor atravesaba un cuadro de depresión.

En abril de 2025 anunció que le habían diagnosticado esclerosis lateral amiotrófica (ELA), una enfermedad neurodegenerativa progresiva que afecta las neuronas motoras encargadas de controlar los músculos.

La ELA deteriora de forma gradual la capacidad de caminar, hablar y respirar. La mayoría de los pacientes fallece entre tres y cinco años después del diagnóstico.

En los últimos meses, Dane se había convertido en una de las voces públicas más visibles en la concienciación sobre la esclerosis lateral amiotrófica (ELA). En junio de 2025 participó en una conferencia de prensa en Washington dedicada a la autorización previa de los seguros médicos, donde habló desde su experiencia personal. “Algunos de ustedes quizá me conozcan por series como Grey’s Anatomy, donde interpreto a un médico. Pero hoy estoy aquí para hablar como paciente que lucha contra la ELA”, afirmó.

En setiembre de ese mismo año, la ALS Network lo distinguió como Defensor del Año, en reconocimiento a su compromiso con la visibilización de la enfermedad y el acompañamiento a quienes la padecen.

Además, estaba previsto que Dane publicara sus memorias en 2026. Book of Days: A Memoir in Moments será editado por The Open Field, perteneciente a Penguin Random House. Según la editorial, el libro recorre momentos clave de su vida, desde su primer día en Grey’s Anatomy hasta el nacimiento de sus dos hijas y el anuncio de su diagnóstico.

“Quiero capturar los momentos que me formaron: los días hermosos, los difíciles, los que nunca di por sentado, para que quienes lo lean recuerden lo que significa vivir con el corazón”, expresó Dane en el comunicado de presentación. “Si compartir esto ayuda a alguien a encontrar sentido a sus propios días, entonces mi historia merece ser contada”.

Reestreno de The Revenat, 2016

 

Diez años después de ser una de las mejores películas de ese año, 20th Century Fox ha confirmado el reestreno en cines de El renacido (The Revenant). Será de nuevo proyectada en cines seleccionados el sábado 28 de febrero y el domingo 1 de marzo. También se estrenará a nivel internacional en el Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, Estados Unidos, Australia, Nueva Zelanda y México. 'El Renacido' es uno de los mejores trabajos de Alejandro González Iñárritu.

La primera vez que Leonardo DiCaprio fue nominado al Oscar tenía tan solo 20 años. Corría el año 1994 y ya había comenzado a hacerse notar en Hollywood: por un lado había ganado popularidad con su fichaje por la exitosa sitcom familiar Los problemas crecen y, por otro, había empezado a obtener algunos papeles interesantes en películas como Vida de este chico, que le permitió trabajar con estrellas de la talla de Robert De Niro.

Su excepcional interpretación como el hermano pequeño con discapacidad del personaje de Johnny Depp en ¿A quién ama Gilbert Grape? terminó de perfilarle como uno de los más prometedores actores del momento. Levantó pasiones con Romeo y Julieta y Titanic y luego se las apañó para dejar atrás su imagen de ídolo adolescente y demostrar que estábamos ante uno de los mejores actores de Hollywood de la mano de películas como Atrápame si puedes, El aviador, Infiltrados, Django desencadenado, El lobo de Wall Street y otras.

Tras su primera nominación, Leonardo DiCaprio fue nominado al Oscar en cuatro ocasiones más, pero el premio siempre fue a parar a otros actores hasta que lo consiguió en su quinta nominación con El Renacido en 2016. Una brillante película y epítome de su trayectoria interpretativa que ahora regresa a las salas de cine.

Dirigida por Alejandro González Iñárritu, El Renacido es adaptación de la novela homónima de Michael Punke sobre las hazañas de Hugh Glass, un cazador y explorador estadounidense de principios de siglo XIX. Ambientada en la década de 1820, en El Renacido es Leonardo DiCaprio quien da vida a Glass, quien en su recorrido por las vastas extensiones de Estados Unidos acaba uniéndose a una expedición liderada por el capitán Andrew Henry (Domhnall Gleeson) para explorar el río Misuri.

En la expedición, Glass es atacado por un enorme oso grizzly y, como sus compañeros no creen que pueda sobrevivir al ataque, le despojan de sus armas y su equipo y lo abandonan gravemente herido. Pero, sorprendentemente, Glass sobrevive y jura vengarse de todos aquellos que lo abandonaron. Buscándolos, el aventurero herido avanza penosamente por las montañas heladas.

"Alejandro G. Iñárritu se siente cómodo mostrando el lado más oscuro del alma humana" "En El renacido existe ese corpus brutal, donde el sufrimiento extremo es el leit-motiv básico sobre el que gira la cinta. El protagonista, Hugh Glass, una especie de guía en el infierno nevado, deberá sobreponerse a las terribles heridas sufridas cuando es embestido por un oso -una secuencia de violencia mayestática que pasará a los anales del cine- para así tratar de regresar al fuerte y dar rienda suelta a su venganza sobre los compañeros que le dejaron atrás. Cada paso que da, es ya no solo una muestra de tenacidad infinita, sino un nuevo latigazo en su continuo padecimiento. El western vira hacia el cine de aventuras, siendo esta entendida como un acto de supervivencia en el límite de la vida y la muerte".

Tras ganar el Oscar con El Renacido, DiCaprio sería nominado en dos ocasiones más: en 2020 por Érase una vez en... Hollywood y este 2026 por Una batalla tras otra, la película que le ha permitido cumplir su sueño de trabajar con Paul Thomas Anderson.

Chernóbil, 2019 (Miniserie)

Esta excelente miniserie de televisión creada y escrita por Craig Mazin y dirigida por Johan Renck. La serie gira en torno al desastre nuclear de Chernóbil de abril de 1986 y los esfuerzos de limpieza sin precedentes que siguieron. Cuenta con un reparto encabezado por Jared Harris, Stellan Skarsgård y Emily Watson. Chernóbil es una coproducción entre los canales HBO de los Estados Unidos y Sky del Reino Unido, se estrenó en los Estados Unidos el 6 de mayo de 2019 y en el Reino Unido al día siguiente. La serie ha cosechado un éxito abrumador de la crítica especializada. En la 71.ª edición de los Premios Emmy recibió diecinueve nominaciones y ganó la categoría de mejor Miniserie, mejor Dirección y mejor Guion, mientras que Harris, Skarsgård y Watson recibieron nominaciones por su actuación. La miniserie se basa en gran parte en los recuerdos locales de Prípiat, contados por la ganadora del Premio Nobel, la bielorrusa Svetlana Aleksiévich, en su libro Voces de Chernóbil.

El desastre de Chernóbil se ha convertido en uno de los episodios más estudiados y simbólicos de finales del siglo XX a causa de su dimensión técnica, y de las implicaciones políticas y humanas que tuvo. Tuvo el acierto de acercar al gran público las complejas cuestiones científicas que rodean el caso, así como las tensiones burocráticas, los silencios institucionales y los dilemas éticos que marcaron la gestión de la catástrofe. 

Sin embargo, su dramatización adopta licencias narrativas que reinterpretan algunos hechos clave para dotar la trama de una mayor intensidad emocional. Tres de los pasajes más significativos que son puramente de ficción fueron:

EL PERSONAJE QUE NO EXISTIÓ

Uno de los personajes principales de esta miniserie es Ulana Khomyuk, una física nuclear de Minsk que se erige como la conciencia científica de la trama. Ella es quien descubre las anomalías, quien presiona a Legásov para que cuente la verdad y quien viaja para entrevistarse con técnicos y supervivientes con el fin de recabar testimonios que respalden sus tesis. Además, la tenacidad de Khomyuk le lleva a enfrentarse al aparato burocrático soviético, exigiendo responsabilidades ante un sistema que guarda silencio.

Sin embargo, Ulana Khomyuk jamás existió históricamente, y la construcción de su personaje condensa a multitud de científicos reales, como ingenieros nucleares, matemáticos o físicos, que sí tomaron parte realmente en el desastre. Las conclusiones que la ficción televisiva atribuye a Khomyuk nacieron en realidad de las discusiones técnicas y el trabajo colectivo llevado a cabo por numerosos equipos de expertos.

EL ACCIDENTE DE HELICÓPTERO

Otra de las secuencias más visualmente potentes que muestran la serie es la del accidente de helicóptero. Pocas horas después del accidente, unos funcionarios soviéticos sobrevuelan la central para esparcir boro y arena en el reactor. Pero el piloto pierde la estabilidad del vehículo a causa de las turbulencias generadas a raíz de la radiación y del calor que desprende el núcleo, desembocando en un aparatoso y trágico accidente.

Efectivamente, el accidente de helicóptero tuvo lugar realmente, pero no en los términos en los que se narra en la miniserie. Para empezar, el trágico accidente no tuvo lugar unas horas después del desastre nuclear, sino algunos meses más tarde, cuando se encontraban construyendo la estructura de contención conocida como sarcófago. Además, el accidente no estuvo propiciado por la enorme radiactividad, sino que en realidad el vehículo se enganchó con un cable de acero que colgaba de una grúa, y esto fue lo que propició que el vehículo se desestabilizara y cayera, provocando la muerte de todos los pasajeros.

EL SUICIDIO DE LEGÁSOV

La miniserie aborda la muerte del científico Valeri Legásov con una fuerte carga simbólica. El primer episodio de la serie, titulado ‘1:23:45’, marca la hora exacta en la que tuvo lugar la explosión del reactor 4 de la central de Chernóbil. La ficción televisiva muestra de manera explícita cómo el científico decide acabar con su vida justo dos años después del desastre, a la misma hora exacta en la que comenzó todo, uniendo de esta manera su destino al trágico accidente nuclear.

En realidad, Legásov se suicidó el 27 de abril de 1988, un día después de que se cumpliera el segundo aniversario del desastre nuclear, por lo que su muerte no tiene la sincronización poética que la serie sugiere. Además, el motivo de su suicidio no estuvo solamente relacionado con un irremediable sentimiento de culpabilidad por lo sucedido, sino que también tuvieron un papel importante en su decisión las tremendas tensiones políticas, su pérdida de prestigio profesional, y las intensas luchas internas dentro de la comunidad científica soviética que terminaron por menoscabar su propia dignidad.

No obstante, sin lugar a dudas, la miniserie muestra un resultado aterrador sobre el costo de la ineptitud burocrática, la pirámide de mando en la sociedad soviética de los años 80 donde no había posibilidad real de opinar diferente, aunque fuera en términos científicos.

Tiene en su haber excelente ambientación de época que se logra en muchos detalles que, incluso, los que estuvieron en esa época en la URSS se dan cuenta de su veracidad:

- El hecho de que la mayoría de los personajes son fumadores, las marcas de cigarrillos, los ceniceros, la forma de apagarlos y la fuma en cualquier lugar.

- Los autos, camiones, ómnibus y otros medios empleados

- El vestuario, calzado incluido.

- Los ambientes elegidos reflejan claramente la época y el lugar. Un ejemplo es la escenografía utilizada en los pequeños apartamentos que se utilizaron como referencia.

- La prepotencia de altos dirigentes y su cadena de mando, por momentos exagerada, pero no dejan de dar una idea real del problema.

La serie está brillantemente estructurada en 5 capítulos, con muy buenas actuaciones y una escenografía impactante del área del desastre y sus alrededores

Premios

Globos de Oro: Mejor miniserie y actor secundario (Skarsgard). 4 nominaciones

Premios BAFTA TV: 9 premios incluyendo mejor miniserie de TV y dirección

Emmy: 10 premios, incluyendo Mejor miniserie y guion. 19 nominaciones

American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores Programas de TV del año

Sindicato de Productores (PGA): Mejor miniserie

Sindicato de Directores (DGA): Mejor director de miniserie

A Beautiful Mind, 2001

Hay películas que dejan huellas, que son recordadas con cariño, que uno puede ver repetidas veces porque siempre hay en ellas nuevos descubrimientos, emociones renovadas, vivencias inesperadas y preguntas que inquietan y que nunca se acaban de responder. 

Mis colegas de Matemáticas, a los cuales dedico este artículo, inquietos por el conocimiento, las ciencias y las artes, no dejan pasar este filme sobre John Nash, matemático y premio Nobel de economía que se atrevió a proponer un esquema revolucionario para plantear los funcionamientos idealizados de las relaciones humanas en cuanto cuáles son sus puntos óptimos de comportamiento. La historia comienza en los primeros años de vida de un joven prodigio que comienza a desarrollar una esquizofrenia paranoide y a sufrir delirios, mientras ve penosamente cómo esto afecta a su condición física, a sus relaciones familiares y amistosas.

A Beautiful Mind, 2001, (Una mente maravillosa) es un filme basado en una polémica biografía de Sylvia Nashar sobre el matemático y premio Nobel de Economía John Forbes Nash. El film de Ron Howard tampoco es fiel absolutamente al relato de Nashar. Y vistos los comentarios, lo mejor es ver la película como una historia independiente, sin preocuparse de su lazo con la realidad. Con este punto de partida, el film enarbola valores como la lucha por la superación o el amor fiel, bajo un guion sólido y, al mismo tiempo, sembrado de lógicas -en un film de vocación comercial- concesiones a los sentimientos. No obstante, el trabajo de Howard es inteligente: no cae en un sentimentalismo insultante y tampoco nos golpea con muestras desgarradoras de esta enfermedad, que muchas veces son una estrategia publicitaria.

En la línea narrativa, también ofrece escenas brillantes que explican con viveza y verosimilitud el carácter de Nash y la pesadilla de la esquizofrenia. Sin estridencias y llenas de matices; así son las interpretaciones que han ayudado en mucho al éxito comercial y artístico de Una mente maravillosa

La historia se desliza en buena parte por los recintos sagrados de las prestigiosas universidades norteamericanas, concretamente por Princeton, el venerable centro en uno de cuyos institutos enseñó Einstein. Es un ambiente en el cual compiten los mejores, en medio de edificios de aspecto medieval, jardines y prados bellamente cuidados, elegantes salas de estudio y bibliotecas de corte tradicional; pero también de bares estudiantiles, de bromas pesadas y de conversaciones en las que se mezclan la inteligencia aguda y la banalidad superficial y ligera. Podríamos decir que es un ambiente de ensayo y error, en el cual dominan la actuación y el teatro de tal manera que es muy posible que lo que se diga y lo que se experimente, tengan doble sentido.

Este es un mundo desafiante, a la vez perfecto e imperfecto, para la mente brillante de Nash, magistralmente interpretado por Russell Crowe, que personifica las dudas, los temblores nerviosos y las dificultades del joven y brillante estudiante, distinto a todos en todo, siempre rompiendo esquemas, pero en medio de la dualidad, oscilando entre una manifiesta inseguridad y ocasionales momentos de brillo en los cuales todo se ve claro, evidente y diferente.

Entonces ocurre la instancia absolutamente teatral en la vida del ya afamado matemático: la creación ilusoria de un mundo nuevo, con personajes y escenarios de realismo absoluto que solo son vistos por él mismo y que lo van llevando hacia la locura esquizofrénica. A partir de estas experiencias extrañas se va tejiendo la vida profesional y familiar del personaje, como una mezcla de genialidad y tontería que nos podría desesperar si supiéramos lo que está pasando. Pero la realidad es que tardamos en enterarnos del juego teatral que es la existencia del protagonista y nos dejamos llevar, como él, por las peripecias de su doble vida: la de hombre de hogar, enamorado y lleno de esperanzas, y la de espía internacional, atrapado por juegos de guerra y conspiraciones, atormentado y fatalista.

Ego real en el cual no se cree y alter ego imaginario que se vuelve real. Entre estas contradicciones se mueven la película y el personaje, hasta que asume el protagonismo decididamente, en ambas situaciones, su dulce esposa, personificada por Jennifer Connelly. Dispuesta a resolverlas y convencida de la inteligencia y de la cordura esenciales de su pareja, ella va descubriendo la trama que subyace en su mente perturbada y se la va narrando a él mismo, en escenas impactantes, hasta generar, a base de ensayos y de errores, una salida posible para escapar al manicomio y al abandono.

Es así como se cierra el círculo de una vida que pudo ser miserable y triste, pero en cambio se logró convertir en ejemplo de superación y de triunfo personal, académico, científico y familiar. En el fondo, ¿qué fue lo que pasó? Nos lo dice el personaje, cuando en medio de aplausos recibe el Premio Nobel de Economía en 1994 por sus aportes a la teoría de juegos y los procesos de negociación. Nos da a entender que una mente realmente poderosa es aquella que se abre a la más brillante y maravillosa de las ideas, que es la de la aceptación de la presencia y la importancia del amor como posibilidad real, que vale la pena experimentar. Como decía su esposa en algún momento memorable, invitándolo a que le tocara su cara: esto es lo real, la presencia cercana del que ama es lo real, es lo que es capaz de tornar la locura perturbadora en sanación, en vida que vale la pena vivir.

La película se estrenó en los cines de Estados Unidos el 21 de diciembre de 2001, recaudando más de 313 millones de dólares estadounidenses a nivel mundial. Además, ganó cuatro Premios Óscar: mejor película, mejor director, mejor actriz de reparto y mejor guion adaptado, siendo, asimismo, candidata en las categorías de mejor actor, mejor banda sonora, mejor montaje y mejor maquillaje. Igualmente, recibió 28 premios más y fue candidata a otros 51.

A Beautiful Mind fue favorablemente acogida por buena parte de los críticos, pero también negativamente por otros debido a algunos datos erróneos de la vida de Nash que se muestran en la película. Este es el punto en que hay que ver la película desde el punto de vista artístico y valorarla, disfrutarla. Desde el punto de vista biográfico debemos remitirnos a su biografía, a sus estudios y aportes a la matemática.

Ficha Técnica

Título Original: A Beautiful Mind  

País: EUA. 2001

Dirección: Ron Howard

Guion: Akiva Goldsman (Basada en A Beautiful Mind de Sylvia Nasar)

Producción: Brian Grazer, Ron Howard

Fotografía: Roger Deakins

Música: James Horner

Reparto: Russell Crowe, Ed Harris, Jennifer Connelly, Christopher Plummer, 

              Paul Bettany, Adam Goldberg, Josh Lucas

The Kid, 1921

Si le preguntas a un fan de Chaplin qué película considera su obra maestra, suele responder que "Luces de la ciudad". A veces hay un empate entre esta y "Tiempos Modernos", "El Gran Dictador" y "La quimera del oro". Y, sin embargo, hay otra maravillosa película de Chaplin que quizá reciba menos atención que sus películas posteriores a la década de 1920. Un viejo amigo, H.Pijeira, hace apenas días me dijo que para él la obra maestra de Chaplin era “El Chico”. He visto a algunos describirla como "absolutamente disfrutable" y "memorable", y comentar que "resiste a la perfección.

De todas sus primeras comedias, El Chico representa la máxima expresión del talento creativo de Chaplin. Verla hoy en día sigue siendo una de las experiencias más emotivas del cine. La historia es bastante simple: una madre soltera desesperada deja a su bebé en el coche de un hombre adinerado con una nota que dice: «Por favor, cuida y ama a este niño huérfano». Dos ladrones roban el coche y abandonan al bebé en un callejón. El Vagabundo lo encuentra y, tras cierta reticencia inicial, decide criarlo como a su propio hijo. A pesar de su cariño, la sociedad interviene, empeñada en internar al Niño en un orfanato…

El Chico, en cierto sentido, surgió de una tragedia. El 7 de julio de 1919, Chaplin y su primera esposa, Mildred Harris, tuvieron a su primer hijo, Norman Spencer (Mildred lo apodó "El Ratoncito"). Lamentablemente, Norman nació con una deformidad intestinal y solo vivió tres días. Más adelante, Mildred comentó sobre el dolor de Chaplin: "Eso es lo único que recuerdo de Charlie... que lloró cuando murió el bebé".

Los tristes detalles de esa infancia son bien conocidos. El padre alcohólico de Chaplin abandonó a la familia a temprana edad, y su madre, aspirante a cantante, luchaba por alimentar a Charlie y a su hermano Sydney. Cuando ella sufrió una enfermedad mental, los niños quedaron solos. Chaplin nunca olvidó la miseria de aquellos días, y no es difícil trazar una línea que los une hasta llegar a El Niño.

En la película, tenemos a la madre de Edna Purviance, quien con dificultades se convierte en una cantante de éxito, una vida que Chaplin hubiera deseado para su madre. Tenemos al talentoso personaje de Jackie Coogan, quien quizás sustituyó al hijo que perdió. Tenemos al Vagabundo, el padre leal y heroico que Chaplin nunca tuvo. Tenemos la pequeña buhardilla, muy similar a la que la familia Chaplin ocupaba en el número 3 de Pownall Terrance.

Puedo decir con toda honestidad que esta película me ha conmovido más que cualquier otra de Chaplin; sí, incluso más que Luces de la ciudad. Cualquiera puede comprender la soledad o el maltrato generalizado de su vagabundo, como en La quimera del oro y Luces de la ciudad, pero hay elementos de El chico que pueden llegar mucho más cerca. 

Muchas otras películas de Chaplin abordarían temas generales: La quimera del oro explora tanto el hambre como el desamor, Tiempos modernos critica la industrialización, El gran dictador examina la propia hermandad humana. Pero El chico se centra en la relación entre padre e hijo —con la familia—, algo no solo igualmente universal, sino, de nuevo, profundamente personal.

En cierto sentido, esto potencia la comedia, dándole un toque de dulzura. El chico es irresistible, lleno de detalles, como cuando prueba los panqueques que está cocinando y luego asiente con satisfacción como un chef meticuloso, o le da un beso furtivo en la oreja al vagabundo, para su disgusto, demasiado varonil para esa tontería.

Luego hay escenas más amplias, como aquella en la que el Vagabundo coquetea alegremente con una mujer que resulta ser la esposa de un policía, y un poco de la clásica irreverencia del Vagabundo en el turbio negocio de reemplazo de cristales que dirige con la ayuda del Niño. Y me encantan las enormes montañas de comida que el Vagabundo llena sus platos, y las dos pilas de panqueques que se asegura cuidadosamente de que sean exactamente del mismo tamaño (¡nadie podría decir que no se aseguró de que el Niño estuviera bien alimentado!).

Todo este drama y humor se combinan en una historia con un ritmo perfecto, que me transporta constantemente a su mundo de principios del siglo XX. El momento emotivo del Vagabundo rescatando al Niño de las autoridades del manicomio me deja hecho un mar de lágrimas. Siempre que la gente se queja de lo "demasiado sentimental" que Chaplin supuestamente puede ser, solo puedo rezar para que no hayan visto aún a El Niño, porque ¿qué clase de corazón de piedra no se conmovería con El Niño?

Un aspecto poco comentado es la estética de la película. Está llena de texturas, propias de ese mundo “preplástico”: ladrillos desgastados, madera vieja, ropa polvorienta, paredes manchadas, arenilla dispersa y trozos de yeso. Está llena de detalles humildes: las sillas rotas y desechadas que amueblan el desván del Vagabundo, el gran cuenco usado como tapa de olla, una herradura oxidada clavada sobre la puerta. Estos detalles fueron muy deliberados por parte de Chaplin, inspirados en las calles pobres en las que creció. También reflejaban los barrios bajos donde aún vivía mucha gente de clase baja en aquella época. Toda la película posee una belleza áspera y cruda. Es un Tiempo y un Lugar preservados para nosotros en celuloide.

El Chico es importante para la historia del cine no solo por ser una obra maestra, sino por ser la obra maestra que consolidó la reputación de Chaplin. Aunque era mundialmente famoso desde aproximadamente 1914, sus películas no eran inmunes a la crítica, que no dudaba en criticar si su último trabajo no era lo suficientemente divertido o creativo (Un día de placer y Sunnyside fueron consideradas decepcionantes). Pero El chico lo cambió todo. Si antes de eso existía alguna duda sobre la condición de Chaplin como "artista", esta formaría parte permanente de su identidad después de El chico.

Me encanta El Chico. Es una de mis películas favoritas de la era del cine mudo. En opinión de mi amigo Pi, es la mejor obra de Chaplin. Para mí está incluida entre las cinco obras de Chaplin que merecen ser llamadas Clásicas. Si tuviera que hacerlo, incluso la incluiría en una lista de las 10 mejores películas mudas. 

Chaplin esperaba ser recordado por La quimera del oro. Pero, si acaso, merece ser recordado por El Chico. La imagen del pequeño Jackie Coogan con su gorra de adulto y sus pantalones anchos, de la mano del Vagabundo, resuena tanto ahora como debió de resonar para los espectadores de 1921. Y creo que es seguro decir que siempre lo será.

Jackie Coogan tuvo un éxito rotundo como El Niño, no solo por su talento, sino porque era el símbolo de todos los niños huérfanos que quedaron tras la Primera Guerra Mundial. En 1924, ayudó a recaudar más de un millón de dólares para la Ayuda al Cercano Oriente y tuvo una audiencia especial con el Papa. Lamentablemente, tras la muerte de su padre, su madre y su padrastro intentaron apropiarse de la fortuna que había amasado como estrella infantil, lo que desencadenó litigios que le arrebataron la mayor parte del dinero. La Ley Coogan se aprobó para evitar que esto les sucediera a otros niños actores. Más adelante, Coogan interpretaría al tío Fétido en La Familia Addams.

En el 2011, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su conservación en el National Film Registry.

Ficha Técnica

Título: The Kid

Año: 1921

Director, productor, guion, música: Charles Chaplin

Fotografía: Roland Totheroh

Interpretes: Charles Chaplin, Edna Purviance

                   Jackie Coogan, Henry Bergman

Fallece Robert Duvall

 

Robert Duvall (5 de enero de 1931- 16 de febrero de 2026) fue un actor y director de cine estadounidense, ganador de un Premio Óscar al mejor actor en 1984, un Premio Emmy y cuatro premios Globo de Oro, además de otros importantes premios. Se le considera como uno de los mejores actores de la historia de Hollywood.

Su debut en el mundo de cine fue en el papel de Boo Radley en la famosa película To Kill a Mockingbird (1962), protagonizada por Gregory Peck. En los años siguientes participó en otras películas ya clásicas, como La jauría humana y Bullitt, pero su verdadero salto a la fama fue cuando interpretó al personaje de Tom Hagen en El padrino (1972) y El padrino II (1974).

A partir de los años 90, Duvall mantuvo una actividad frenética en la que en algunos años llegó a aparecer en tres o cuatro películas el mismo año. Ha rodado películas también como director. De esta década destacan el de jefe de equipo en Días de trueno (Days of Thunder) de Tony Scott (1990), polícia retirado en Un día de furia (Falling Down) de Joel Schumacher (1993), un barbero hispano en Vaya par de amigos (Wrestling Ernest Hemingway) de Randa Haines (1993), el editor de un periódico de Nueva York en The Paper de Ron Howard (1994), un doctor rural en Phenomenon de Jon Turteltaub (1996), un padre que es dueño de una granja de caballos de salto en Algo de qué hablar (Something to Talk About) de Lasse Hallström (1995), un padre abusador en El otro lado de la vida (Sling Blade) de Billy Bob Thornton, astronauta en Deep Impact de Mimi Leder (1998), mecánico en 60 segundos (Gone in 60 Seconds) de Dominic Sena (2000), entrenador de fútbol americano en Camino hacia la gloria (A Shot at Glory) y científico en El sexto día (The 6th Day) (2000).[31]

En 1997, ejerció las funciones de guionista, director y productor (tuvo que poner cinco millones de su patrimonio después de que muchas productoras rechazaran el proyecto) con The Apostle, película que narra la historia del predicador evangélico Euliss "Sonny" Dewey que huye de la ley. Esta actuación le valió una nominación al Óscar al mejor actor. Al año siguiente, recibiría otra nominación, en esta ocasión como mejor actor de reparto con A Civil Action (1998).

Falleció en la madrugada de hoy 16 de febrero a la edad de 95 años. Nuestro respeto y admiración a su obra cinematográfica.

Green Book, 2018

El film "Green Book" del director Peter Farrelly, se estrenó el 16 de noviembre de 2018 en los Estados Unidos.

La película trata sobre un viaje real al "Viejo Sur" estadounidense que realizó en 1962 el pianista afronorteamericano Don Shirley (interpretado por Mahershala Ali) junto a Tony Vallelonga (Viggo Mortensen), mejor conocido como Tony Lip, quien además le sirvió como conductor y guardaespaldas. Este viaje los adentra en un territorio y una época subyugados al racismo. A lo largo del viaje, desarrollan una amistad inquebrantable a pesar de sus diferencias culturales y sociales.

El guion fue escrito por Nick Vallelonga (el hijo de Tony Vallelonga), Farrelly y Brian Hayes Currie. El título del film viene de "The Negro Motorist Green Book", una guía turística para viajeros afronorteamericanos, escrita por Víctor Hugo Green.

"Green Book " obtuvo tres premios Óscar, incluyendo el de mejor película, mejor guion original y mejor actor de Reparto para Mahershala Ali

La película ha sido elogiada por las actuaciones de sus protagonistas y su capacidad para abordar el racismo a través de una historia de amistad. 

La historia inicia con el cierre temporal del “Copa”, el lugar de trabajo de Tony. Este hecho le lleva a realizar una entrevista de trabajo donde conoce al Doctor Shirley, el cual, para su sorpresa, es un hombre de color que le ofrece acompañarle de chófer durante su gira. Aunque moderado en sus palabras, Tony evidencia prejuicios sobre las personas de color, los cuales le llevan a rechazar la oferta que finalmente aceptará. De este modo, y gracias “al talento manejando problemas” de Tony, arrancan 2 meses de gira por el sur profundo.

En el inicio de este viaje ambos chocan por tener estilos diferentes a la hora de relacionarse, Tony hablador y Donald callado, Tony descuidado y Donald meticuloso. Esto hace que ambos se muestran reacios a las formas y consejos del otro, pero, poco a poco, abren una puerta desde el compartir donde sus mundos internos comienzan a valorar posibilidades que nunca antes habían contemplado. Así, Tony aprende sobre dicción o escritura de cartas y Donald se atreve a comer pollo con las manos e incluso tirar los huesos por la ventana.

Es un dulce aprendizaje el que el personaje de Tony nos muestra en relación al racismo pasando por diferentes fases: parte del rechazo a los negros donde si usan un vaso para beber hay que tirarlo, continúa con expresión de sorpresa por tener que usar una guía especial para negros, niega la relevancia de que le impidan usar el urinario consintiendo un trato racista y prosigue con una actitud empática al reconocer el dolor que debe sentir por vivir solo y necesitar una botella de alcohol cada noche.

Esto, no sólo queda en un proceso reflexivo interno, sino que avanza con muestras de cariño humano: se interesa por su historia familiar o aconseja pensando en su bienestar sobre la relación con su hermano. Y de la expresión verbal también da paso a la acción dando la cara por él en el restaurante cuando le niegan una mesa para cenar por ser negro respondiendo con la cancelación de la actuación, a pesar de que esto conlleva la consecuente pérdida económica de parte de su sueldo.

Por otro lado, Doc, como le llama Tony, inicia tratándole como un niño al que educar, le enseña modales, le pone límites y ejerce autoridad sobre él.

Tony tiene un estilo confrontador, no entiende cómo Donald puede tratar con amabilidad a gente que le ha infravalorado por su color de piel y Doc no entiende que Tony recurra al soborno para conseguir lo que quiere. Sus estrategias para manejar el racismo no tienen nada que ver, pero ambas resultan válidas para sobrevivir.

Resaltaría la escena en la que Tony confronta a Donald diciéndole “soy más negro que usted…no sabe nada de su pueblo… mi mundo es más negro que el suyo” y este se rompe gritando por no sentirse ser “lo suficientemente negro, ni blanco, ni hombre”. La intensidad emocional de la película diría que alcanza su máximo aquí. El Donald siempre contenido, en su sitio, con saber estar que hemos visto, se desgarra de dolor reconociendo su herida más profunda: no encajar ni ser aceptado en una sociedad donde parece ser que cumplir el estereotipo es imprescindible para ser parte de algo.

Acaban su viaje, ambos exhaustos, llegando justos para la cena de Navidad y Tony le invita a compartirla con su familia. Tras un rechazo inicial, asiste después recogiendo una calurosa acogida y creando una reparadora escena donde la aceptación incondicional de la persona, independientemente de su color de piel, prima plenamente. Todo esto queda marcado por el shock familiar al descubrir el cambio que Tony ha tenido sobre el trato a las personas de color cuando este les pide que no le llamen “el negro”.

En resumen, podría decirse que esta película es un viaje hacia la ruptura de prejuicios y racismo donde se da una lucha por los derechos, la igualdad y el reconocimiento de las personas de color. Es un grito a la amistad sin distención de razas.

Ficha Técnica:

Dirección: Peter Farrelly.

Guion: Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Vallelonga.

Música: Kris Bowers.

Fotografía: Sean Porter.

Reparto: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Iqbal Theba, Linda Cardellini

País: Estados Unidos.

Año: 2018.

Productora y distribución: Universal Pictures / Participant Media / DreamWorks SKG / Innisfree Pictures / Wessler Entertainment. Distribuida por Universal Pictures.