España inicia su camino a los Oscar 2027.

La película La bola negra de Javier Calvo y Javier Ambrossi ('Los Javis'), que  en el Festival de Cannes de este año obtuvo el premio a la mejor dirección,  ha sido seleccionada por la Academia de Cine para representar a España en los Premios Óscar 2027 en la categoría de mejor película internacional. 

La película está basada en la obra inacabada de Federico García Lorca y la pieza teatral La piedra oscura de Alberto Conejero.

Cuenta con la actuación de Alvaro Lafuente Calvo (Conocido por Guitarricadelafuente), Carlos González, Milo Quifes, Miguel Bernardeau y Lola Dueñas, además de colaboraciones especiales de Penélope Cruz y Glenn Close. 

Dónde ver la película:

En cines de España): A partir del 25 de septiembre de 2026.

En streaming (España): Llegará en exclusiva a la plataforma Movistar Plus+ tras su paso por cines, aunque todavía no hay una fecha exacta de estreno en el catálogo. 

En Estados Unidos y Latinoamérica: Tendrá un estreno limitado en cines el 16 de octubre de 2026 y posteriormente estará disponible en Netflix.

Entregados los Premios Emmy.

 La 78.ª edición de los Premios Primetime Emmy 2026 se celebró el lunes 14 de septiembre en el Peacock Theater de Los Ángeles, con la conducción histórica de Mariska Hargitay.

Grandes Ganadores

• Mejor serie dramática: The Pitt

El personal del Centro Médico de Traumatología de Pittsburgh trabaja sin cesar para salvar vidas en un servicio de urgencias saturado y con escasos recursos. Consta de dos temporadas con 15 episodios cada una.

• Mejor serie de comedia: Widow's Bay (la gran ganadora de la noche con 14 estatuillas en total)

Mientras un alcalde intenta revitalizar el turismo en una isla de Nueva Inglaterra, las leyendas locales empiezan a hacerse realidad. Tiene una temporada de 10 capítulos

• Mejor actor en serie dramática: Noah Wyle por The Pitt

• Mejor actriz en serie dramática: Rhea Seehorn por Pluribus

• Mejor actor en serie de comedia: Matthew Rhys por Widow's Bay

• Mejor actriz en serie de comedia: Jean Smart por Hacks

• Mejor película para televisión: Remarkably Bright Creatures 

Culminó el Festival de Venecia 2026.

León de Oro para la cineasta danesa May el-Toukhy.

El jurado presidido por Maggie Gyllenhaal entrega el premio mayor del histórico festival italiano a ‘Kvinde Ukendt (Mujer Desconocida)’, la única película de la Competición Oficial dirigida en solitario por una mujer.

La 83ª edición de la Mostra de Venècia se abrió con unas suculentas declaraciones de la directora estadounidense Maggie Gyllenhaal, encargada este año de presidir el jurado oficial del histórico certamen italiano. En la rueda de prensa inaugural, la directora de ‘¡La novia!’ y ‘La hija oscura’ expresó su incomodidad por la escasa presencia de películas dirigidas por mujeres en la competición por el León de Oro. “Por fin hemos descubierto que las mujeres simplemente hacemos peores películas que los hombres”, espetó con una ironía sangrante la actriz y cineasta. Y hay que reconocer que, antes del inicio de la Mostra, el panorama era desolador.

De las veintidós películas de la Competición Oficial, solo dos tenían a una mujer a la cabeza, y ‘Kvinde Ukendt (Woman Unknown)’, de la cineasta danesa May el-Toukhy, era la única dirigida en solitario por una mujer –el otro caso era el documental ‘Naza’, codirigido por la israelí Rachel Szor junto a Yuval Abraham–. Pues bien, lo que empezó como un reclamo justo ha terminado como una reivindicación en toda regla, ya que el jurado presidido por Gyllenhaal ha decidido otorgar el León de Oro justamente a ‘Kvinde Ukendt (Woman Unknown)’, una película que retrata la dura odisea de una mujer que intenta reconstruir su vida en la Dinamarca golpeada por la memoria de la Segunda Guerra Mundial, un momento en el que la nación nórdica intentaba limpiar su imagen persiguiendo de forma brutal a aquellos que habían colaborado con el régimen nazi.

Sobre el escenario de la Sala Grande de la Mostra, May el-Toukhy –de madre danesa y padre egipcio– explicó que ‘Kvinde Ukendt’ trata sobre “la forma en la que el cuerpo femenino se ha convertido en un campo de batalla y ha sido tratado como un asunto público”. Planteada como una película de época plácida y un tanto académica en su superficie, pero agitada por fuertes corrientes subterráneas, ‘Kvinde Ukendt’ encuentra un equilibrio entre la defensa de la dignidad de su protagonista y la exposición de la violencia salvaje que sufrieron muchas mujeres que intimaron con el nazismo para sobrevivir. “Esta historia trata sobre unas mujeres que han sido invisibilizadas y silenciadas por la historia”, reclamó el-Toukhy con el León de Oro en las manos. Y, después, dirigiéndose a la presidenta del jurado, reivindicó una lucha feminista: “Gracias Maggie por verter luz sobre la falta de oportunidades para las mujeres en nuestra industria”

Junto a la recibida por May el-Toukhy, la otra gran ovación de la noche fue para la pareja de cineastas israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor, que se alzaron con el Premio Especial del Jurado. El público de la Sala Grande, incluido el director del festival Alberto Barbera, se puso de pie en reconocimiento al coraje de los directores de ‘Naza’, que en su nuevo documental –después de ‘No Other Land’– exponen la máquina de muerte puesta en marcha por el ejército israelí para cometer el genocidio de Gaza. “La dura realidad es que, en los diez días que ha durado este festival, seis niños han sido asesinados en Gaza”, afirmó Abraham. “Estos asesinatos forman parte de una maquinaria sistémica, que hemos podido conocer gracias al valor de muchos periodistas palestinos. 200 de ellos han muerto en Gaza, concluyó Abraham, que junto a Szor ha construido su impactante película con los espeluznantes testimonios de veinticuatro soldados y miembros de los servicios de inteligencia israelíes.

La fuerte carga política de la programación de la Mostra se ha dejado ver por todo el palmarés. El Gran Premio del Jurado ha sido para la producción de Netflix ‘Possible Love’, dirigida por el maestro surcoreano Lee Chang-dong. El film analiza la destrucción de la clase trabajadora a través del estudio de la relación entre dos matrimonios, uno obrero –golpeado por los despidos en una gran industria– y otro privilegiado, en el que la mujer quiere filmar un documental sobre la crisis laboral en el país asiàtico. Por su parte, el Premio a la Mejor Dirección ha sido para el disidente ruso Ilya Khrzhanovskiy, que en la monumental ‘DAU’, de 210 minutos, ofrece una aproximación libre a la figura del físico soviético y premio Nobel Lev Landáu, que participó en el proyecto de construcción de la bomba nuclear i que sufrió, según la visión de Khrzhanovskiy, la opresión y el autoritarismo del sistema soviético. La colección de reconocimientos a films de corte social culminó con el Premio al Mejor Guion para Stéphane Brizé, Coralie Amedeo y Olivier Gorce, responsables del texto de ‘Un bon petit soldat’, una obra que retrata la caída moral de la jefa de recursos humanos de una gran empresa de seguros.

Les Copas Volpi a los mejores intérpretes –que suelen verse como un posible impulso para la carrera por los Oscar– fueron para John Malkovich, que en ‘Wild Horse Nine’ exhibe su genio excéntrico dando vida a un agente de la CIA que arrastra cargos de conciencia, y para Mathilde Arcel F., que se revela como una fuerza de la naturaleza actoral encarnando a la protagonista de la ya mencionada ‘Kvinde Ukendt (Woman Unknown)’. Finalmente, el Premio Marcello Mastroianni a la Mejor Interpretación Joven ha sido para la francesa Malou Khebizi –vista en ‘Diamante en bruto’–, que encarna a una chica encerrada en una unidad de psiquiatría juvenil en la tempestuosa ‘15/18 (A Place to Heal)’ de Cédrick Kahn.

Los Ganadores.

No todos los galardones de Venecia pertenecen a la misma competencia durante el Festival de Cine de Venecia. Venecia 83 es la selección principal: de ahí sale el León de Oro a Mejor Película, acompañado por los Leones de Plata, las Copas Volpi de actuación y los premios a dirección, guion y talento joven, además del Premio Especial del Jurado. En pocas palabras, es el bloque donde compiten los títulos que aspiran a los mayores reconocimientos del festival. Paralelamente están los premios de Orizzonti que funcionan como una competencia independiente con su propio jurado y premios para película, dirección, actuaciones, guion y cortometraje. Este año reunió 19 largometrajes y 13 cortos. A ello se suman otros apartados: el León del Futuro, destinado a reconocer una ópera prima; Venice Spotlight, cuyo ganador es decidido por los espectadores; Venice Classics, dedicado a películas restauradas, y Venice Immersive, que lleva el festival hacia la realidad virtual, realidad mixta y otras experiencias XR.

Ganadores de Venecia 83:

• León de Oro a Mejor Película — Woman Unknown, May el Toukhy  Dinamarca, Suecia y Letonia.

• León de Plata – Gran Premio del Jurado — Possible Love (Ga-neung-han Sa-rang) — Lee Chang-dong — Corea del Sur.

• León de Plata a Mejor Dirección — DAU — Ilya Khrzhanovsky — Alemania, Francia y Suecia.

• Copa Volpi a Mejor Actriz — Woman Unknown — Mathilde Arcel — Dinamarca, Suecia y Letonia.

• Copa Volpi a Mejor Actor — Wild Horse Nine — John Malkovich — Reino Unido, Estados Unidos y Chile.

• Mejor Guion — Un bon petit soldat (A Good Little Soldier) — Stéphane Brizé, Coralie Amédéo y Olivier Gorce — Francia.

• Premio Especial del Jurado — NAZA — Yuval Abraham y Rachel Szor — Reino Unido.

• Premio Marcello Mastroianni a Mejor Actor o Actriz Joven — 15/18 (A Place to Heal) — Malou Khebizi — Francia.

Ganadores de Orizzonti:

• Mejor Película — Un détour par Diane (Diane in the Loop) — Ann Sirot y Raphaël Balboni — Bélgica y Francia.

• Mejor Dirección — Mia mera sti zoi tis Tzo: Kefalaio Faidra (A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra) — Jacqueline Lentzou — Grecia, Alemania y Francia.

• Premio Especial del Jurado  y León del Futuro— La maison du vent (House of the Wind) — Auguste Bernard Kouemo Yanghu — Camerún, Francia, Bélgica, Benín, Arabia Saudita y Qatar.

• Mejor Actriz — Moragheb (Falling House) — Laleh Marzban — Irán, Estados Unidos y Alemania.

• Mejor Actor — I figli della scimmia (The Children of the Monkey) — Riccardo Scamarcio — Italia.

• Mejor Guion — I figli della scimmia (The Children of the Monkey) — Tommaso Landucci y Damiano Femfert — Italia.

• Mejor Cortometraje — Quelques instants de bonheur (A Few Moments of Happiness) — Shaden Safieddine Tazi — Francia, Reino Unido y Líbano.

El premio que decide el público: Venice Spotlight

Aquí cambia por completo la dinámica. En Venice Spotlight no es un jurado internacional quien escoge al ganador: los espectadores califican las ocho películas de la sección después de sus proyecciones oficiales y el título con el promedio más alto recibe el Armani Beauty Audience Award.

• Premio del Público Armani Beauty — Eu Contez (I Matter) — Alina Șerban — Rumania, Alemania y Bélgica.

Reconocimientos Especiales.

George Clooney y Ellen Burstyn fueron galardonados con el León de Oro a la Trayectoria. 

Invitados Especiales:

Javier Bardem, Penélope Cruz, Orlando Bloom, Kendall Jenner, Jonathan Baile Jonathan Bailey, Nicholas Galitzine, Ricky Martin, J Balvin, Claire Foy, Kate Mara y los hermanos Liam y Noel Gallagher

Falleció el actor Tim Curry.

 El famoso actor británico Tim Curry falleció este martes a altas horas de la noche en su domicilio de Los Ángeles, a los 80 años. La Policía local verificó el hecho al acudir a su casa cerca de la medianoche. No se sospecha de ningún delito. Se informa que Curry padecía graves problemas de salud desde hace más de una década.

En 2012, el actor sufrió un derrame cerebral que requirió de una intervención quirúrgica. El año pasado, al publicar sus memorias, indicó que aún no podía caminar.

Tim Curry era conocido por su papel protagónico como Pennywise en 'Eso, el payaso asesino'. También se destacó por sus interpretaciones como el Dr. Frank-N-Furter en 'The Rocky Horror Picture Show', Héctor, el conserje del hotel en 'Mi pobre angelito 2: perdido en Nueva York', y por sus participaciones en 'Annie', 'La caza del Octubre Rojo', 'Los Muppets en la isla del tesoro', 'La familia Addams: la reunión' y 'Scary Movie 2'.

En lo que a actores se refiere, pocos son tan memorables como Tim Curry. Nacido en Inglaterra en 1946, comenzó su carrera en la producción original del West End de Hair en 1968, y desde entonces lo único que hizo fue conquistar al público.

Ya sea interpretando al héroe (algo muy poco frecuente) o al villano, esta leyenda de la actuación siempre aportó una maldad deliciosa y un toque de extravagancia a todas sus interpretaciones, convirtiéndolas en clásicos instantáneos. Aunque fue The Rocky Horror Picture Show la película que supuso un antes y un después –junto con Solo en casa 2, Legend o Los teleñecos en la isla del tesoro–, estos tres trabajos definen a la perfección su carrera.

En la comedia de misterio El juego de la sospecha (Cluedo) de 1985, basada en el juego de mesa del mismo nombre, seis personas son invitadas a una mansión, y su anfitrión utiliza sus secretos para chantajearlas. Cuando el anfitrión es asesinado, los invitados y el personal colaboran para descubrir quién es el asesino. Curry está perfecto en el papel del mayordomo Wadsworth, y es difícil imaginar a otro actor interpretando al personaje, en parte por su impávida actuación mientras explica a los invitados el motivo de su visita y profundiza en su pasado.

En It, (1990) un grupo de preadolescentes marginados de los años 60 lucha contra un demonio maligno capaz de adoptar la forma de los peores miedos de una persona (generalmente, la de un payaso). Treinta años después, cuando regresa a su pueblo, el grupo vuelve a enfrentarse a él.

Times Square, 1980, uno de los primeros papeles que catapultó a la fama a Curry, demostró a muchos espectadores que no era un actor de un solo registro y que podía desenvolverse con eficacia en papeles dramáticos conmovedores. La película narra la historia de dos adolescentes, una proveniente de la pobreza y la otra de una familia adinerada, que forjan un vínculo inesperado debido a sus experiencias compartidas en un hospital psiquiátrico. Pronto, las dos jóvenes huyen de sus familias para vivir sus propias aventuras en el corazón de Nueva York.

Curry interpreta a Johnny LaGuardia en la película, un locutor de radio neoyorquino que transmite su exitoso programa desde un ático con vistas a la inmensa Times Square. Pronto se ve envuelto en un inesperado conflicto con las niñas desaparecidas, al descubrir que una de ellas le escribía y era fan de su programa. La brillante interpretación de Curry da vida al personaje y es uno de los aspectos más importantes del filme, elevando la historia más allá de su simple premisa.

Muere Sam Neill a los 78 años:

Muere Sam Neill a los 78 años: el inolvidable protagonista de “Jurassic Park” fallece de forma repentina

El actor, nacido en Irlanda del Norte el 14 de septiembre de 1947, célebre por dar vida al paleontólogo Alan Grant en la saga Parque Jurásico, murió en Sydney rodeado de su familia. Su entorno confirmó que el fallecimiento fue repentino e inesperado y que se encontraba libre de cáncer tras años de tratamiento por un agresivo linfoma. 

Neill había atravesado en los últimos años una dura batalla contra un cáncer de sangre. En el 2023 el  actor reveló públicamente la enfermedad mientras promocionaba sus memorias Did I Ever Tell You This?. Tras someterse a quimioterapia y posteriormente a un tratamiento experimental de inmunoterapia, anunció en abril de 2026 que las pruebas médicas no detectaban cáncer en su organismo.

Nacido en Omagh en 1947 y criado en Nueva Zelanda, Sam Neill construyó una trayectoria de más de cinco décadas y cerca de un centenar de películas. Su salto a la fama internacional llegó con My Brilliant Career, aunque el reconocimiento mundial lo obtuvo en 1993 con Jurassic Park y El Piano.

Además de compartir pantalla con figuras como Laura Dern, Jeff Goldblum y Meryl Streep, dejó una destacada huella en televisión con la serie Peaky Blinders y protagonizó en 2024 Apples Never Fall.

Fuera de los focos, Neill era también un reconocido viticultor y propietario de la bodega Two Paddocks. En una de sus últimas entrevistas confesó sentirse agradecido por cada día vivido tras superar la enfermedad y aseguró que quería volver a rodar una película. Su fallecimiento pone fin a una carrera marcada por la elegancia, la versatilidad y un personaje, el doctor Alan Grant, que quedará para siempre en la historia del cine.

Películas más importantes

Sleeping Dogs (1977): Su primer gran papel protagónico en el cine, clave para el despegue de la industria en Nueva Zelanda.

My Brilliant Career (1979): El drama romántico australiano que lo dio a conocer a nivel internacional.

        Omen III: The Final Conflict (1981): Interpretó al temible Damien Thorn adulto en la clásica saga de terror.

        Possession (1981): Una aclamada y perturbadora cinta de culto de terror psicológico dirigida por Andrzej Żuławski.

        Dead Calm (1989): Un tenso thriller psicológico marítimo junto a Nicole Kidman y Billy Zane.

        La caza del Octubre Rojo (1990): Interpretó al capitán de fragata Vasily Borodin en este icónico thriller de la Guerra Fría junto a Sean Connery.

        Jurassic Park (1993): Su papel más famoso a nivel mundial, encarnando al paleontólogo Dr. Alan Grant en la obra de Steven Spielberg.

        El piano (1993): Drama ganador de la Palma de Oro de Cannes en el que interpretó al complejo Alisdair Stewart.

        En la boca del miedo (1994): Película de terror metafísico de John Carpenter donde interpretó a John Trent.

        Event Horizon (1997): Clásico de culto de ciencia ficción y horror espacial en el papel del Dr. William Weir.

         El hombre que susurraba a los caballos (1998): Drama dirigido por Robert Redford.  

        El hombre bicentenario (1999): Coprotagonizó este emotivo relato de ciencia ficción junto a Robin Williams.

         The Dish (2000): Comedia dramática australiana muy elogiada sobre la llegada del hombre a la Luna.

         Jurassic Park III (2001): Su primer regreso oficial a la franquicia de los dinosaurios.

         Wimbledon (2004): Comedia romántica ambientada en el prestigioso torneo de tenis.

         Daybreakers (2009): Película de acción y vampiros futuristas junto a Ethan Hawke.

        Hunt for the Wilderpeople (2016): Aclamada comedia de aventuras neozelandesa dirigida por Taika Waititi.

         Peter Rabbit (2018): Interpretó al Sr. McGregor y prestó su voz para Tommy Brock.

         Jurassic World Dominion (2022): Su última aparición como el Dr. Alan Grant, reuniendo al elenco original de la saga.

        Thor: Love and Thunder (2022): Divertido cameo interpretando a un actor asgardiano que hace de Odín.

        The Portable Door (2023): Película de fantasía donde interpreta a Dennis Tanner

Series de televisión destacadas

• Reilly: Ace of Spies (1983): Miniserie británica que le otorgó gran notoriedad en la televisión europea.

• Los Tudor (2007): Interpretó de forma magistral al influyente Cardenal Thomas Wolsey.

• Peaky Blinders (2013-2014): Encarnó al implacable Mayor Chester Campbell, uno de los antagonistas más memorables del show.

• The Twelve (2022-2025): Serie dramática judicial australiana en la que participó activamente en sus últimas temporadas.

• Apples Never Fall (2024): Miniserie de misterio basada en la novela de Liane Moriarty junto a Annette Bening. [1, 2, 3, 4, 5]

Premios Emmy:

Nominado a Mejor Actor en una Miniserie o Película por: Merlín (1998)

Globos de Oro:

Nominado a Mejor Interpretación Masculina en una Miniserie o Película para Televisión por: Merlín (1998)

Nominado a Mejor Interpretación Masculina en una Miniserie o Película para Televisión por: One Against the Wind

Nominado a Mejor Interpretación Masculina en una Miniserie o Película para Televisión por: Reilly: Ace of Spies (1983)

Palma de Oro en el Festival de Cannes

Ganador por su trabajo junto a Holly Hunter en la película de Jane Campion El Piano (1993). 

Alejandro G. Iñárritu acaba de hacer historia en México

 

El director de 'Birdman' y 'El renacido' acaba de recibir uno de los mayores honores que puede recibir un ciudadano mexicano. Además, se ha convertido en el primero en una historia de 80 años. Acaba de ingresar en el Colegio Nacional de México. No es un nombramiento cualquiera, puesto que es el primer cineasta en ingresar en la institución desde que fue fundada hace más de 80 años. Aquí se agrupan los científicos, artistas y literatos más destacados de México, los que representan la sabiduría de la época. Los pintores Diego Rivera y José Clemente Orozco; los autores Alfonso Reyes Ochoa y Enrique González Martínez; y José Vasconcelos, que definió la educación del México moderno, son algunos del grupo de hombres que fundó la institución.

Alejandro González Iñárritu ha ganado cinco premios Oscar en diferentes categorías. En 2015 recibió la primera estatuilla por su labor en Birdman y volvió a repetir con El renacido al año siguiente. En 2018, además, recibió un Premio de la Academia por logros especiales por su instalación de realidad virtual Carne y arena. Nos hemos centrado en los Oscar por ser el reconocimiento más popular, pero el mexicano tiene muchos más logros. El último ha sido uno que le ha llenado de orgullo.

Ahora Iñárritu forma parte de ellos y, básicamente, le están diciendo que, de todos sus directores, él es el que más cosas tiene por compartir.

Le ha llenado de orgullo, pero en el acto de ingreso que tuvo lugar el pasado 26 de mayo también reconoció que durante mucho tiempo dudó si aceptar el ofrecimiento. "Su invitación para formar parte de este honorable Colegio Nacional no sólo me honra, me conmueve profundamente", ha declarado,

Su primer acto dentro del colegio ha sido una lección titulada La alucinación consensuada que, por supuesto, iba sobre cine, pero también sobre temas como la memoria, la migración o la experiencia humana.

En la conferencia ha definido el cine como un esfuerzo colectivo monumental que requiere "domesticar un huracán" y una "alucinación consensuada" que, al igual que el agua, es polimórfica y no puede encerrarse en dogmas.

Sobre los temas personales, habló acerca de la paternidad, la muerte y la migración. Asegura que "emigrar es morir un poco", explicando que vivir desarraigado junto a su familia ha marcado su perspectiva de la vida y el arte. Explora la conexión entre estos temas mediante el paralelo que existe entre Biutiful (la muerte del padre y la observación de los migrantes desde afuera) y Bardo (la migración vivida desde su perspectiva interior como creador y padre).

No faltó una mención a la inteligencia artificial. El director advirtió que, si bien la IA puede generar impresionantes pirotecnias visuales, detrás de esas imágenes "no hubo nadie que amara, nadie que sufriera, nadie que tuviera hijos".

Cerró el Festival de Cannes 2026.

Cristian Mungiu se alza con su segunda Palma de Oro en Cannes con Fjord

Al término de una competición cuyo nivel fue aumentando sin que surgiera un favorito indiscutible, el jurado principal (presidido por Park Chan-wook) de la 79.ª Festival de Cannes firmó un palmarés espléndido al premiar casi a la totalidad de las mejores películas de esta edición (repartiendo, en particular, el premio a la mejor dirección), al distinguir a dos dúos de intérpretes y, sobre todo, al otorgar la Palma de Oro a Fjord, del rumano Cristian Mungiu, que se convierte así en el décimo realizador en la historia de Cannes en haber ganado dos veces la Palma de Oro (junto a Francis F. Coppola, Shōhei Imamura, Bille August, Emir Kusturica, Jean-Pierre y Luc Dardenne, Michael Haneke, Ken Loach y Ruben Östlund).

El Gran Premio fue para Minotaur, del ruso en el exilio Andreï Zviaguintsev (ya ganador del premio al mejor guion en 2014 y del Premio del Jurado en 2017), que desde el escenario envió un mensaje a Vladimir Putin pidiéndole que pusiera fin a la carnicería de la guerra en Ucrania.

Se concedieron dos premios a la mejor dirección: el primero al dúo de cineastas españoles Javier Ambrossi y Javier Calvo por La bola negra (su segundo largometraje), y el segundo al polaco Pawel Pawlikowski por Fatherland (que conquista por segunda vez este galardón).

El Premio del Jurado distinguió The Dreamed Adventure, de la alemana Valeska Grisebach (su cuarto largo tras, entre otros, Western, que pasó por Un Certain Regard en 2017), una película rodada en Bulgaria y coproducida por Alemania, Francia, Austria y Bulgaria.

Los premios de interpretación llegaron por partida doble: en la categoría femenina los laureles fueron para la belga Virginie Efira y la japonesa Tao Okamoto por su dueto en Soudain, de Ryusuke Hamaguchi, mientras que en el apartado masculino sopló un aire de juventud con la victoria del belga Emmanuel Macchia (19 años) y del francés Valentin Campagne (21 años) por su interpretación en Coward, del belga Lukas Dhont.

Por último, el premio al guion puso el foco sobre el ascenso del francés Emmanuel Marre (que se dio a conocer en la Semana de la Crítica del 2021 con Generación Low Cost) por su segundo largo, la coproducción belgo-francesa Notre salut.

Cabe señalar también que la Cámara de Oro distinguió el potente Ben'Imana, de la ruandesa Marie-Clémentine Dusabejambo (presentado en Un Certain Regard, producido por Ruanda y Gabón, y coproducido por Francia y Noruega).

Por último, en el apartado de cortometrajes, la Palma de Oro fue para Para los contrincantes (For The Opponents), del argentino Federico Luis (producido por México, Chile y Francia).

Todas las premiadas en competición:

Palma de Oro

Fjörd - Cristian Mungiu (Rumanía/Francia/Noruega/Suecia/Dinamarca)

Gran Premio

Minotaur - Andrey Zvyagintsev (Francia/Letonia/Alemania)

Premio del Jurado

The Dreamed Adventure - Valeska Grisebach (Alemania/Francia/Bulgaria/Austria)

Mejor dirección

Javier Ambrossi, Javier Calvo - La bola negra (España)

Pawel Pawlikowski - Fatherland (Polonia/Italia/Alemania/Francia)

Mejor actriz

Virginie Efira, Tao Okamoto – Soudain (Francia/Japón/Alemania/Bélgica)

Mejor actor

Emmanuel Macchia, Valentin Campagne - Coward (Bélgica/Francia/Países Bajos)

Mejor guion

Notre salut - Emmanuel Marre (Francia/Bélgica)

Cámara de Oro

Ben'Imana - Marie-Clémentine Dusabejambo (Ruanda/Gabón/Francia/Noruega/Costa de Marfil)

Palma de Oro al cortometraje

Aux adversaires - Federico Luis (Chile/México/Francia)

Cine vs IA.

 La Inteligencia Artificial (IA) está transformando radicalmente la industria cinematográfica. En la producción, se utiliza para automatizar efectos visuales, corregir errores de rodaje, clonar voces y generar escenarios hiperrealistas. Aunque reduce costos, democratiza el acceso a la realización y mejora la calidad, también genera grandes debates sobre el futuro laboral de los actores y los derechos de autor.

La tecnología generativa y de aprendizaje automático ha acelerado y expandido las capacidades creativas de directores y estudios: 

• Efectos Visuales (VFX): Creación rápida de multitudes, mundos digitales y criaturas fantásticas.

• Postproducción: Corrección de color, mejora de nitidez en la imagen y limpieza de errores de continuidad.

• Doblaje y Sincronización: Herramientas como Flawless AI permiten doblar películas a múltiples idiomas modificando los labios de los actores digitalmente para que coincidan con la nueva voz.

• Rejuvenecimiento: Técnicas de "Deepfake" vistas en franquicias y grandes producciones para modificar la edad de los actores en pantalla.

La rápida evolución de la IA plantea dilemas fundamentales:

• Derechos de autor: Se cuestiona la legalidad de los modelos de IA que se entrenan utilizando bases de datos con trabajos artísticos protegidos.

• Reemplazo laboral: Existe una fuerte preocupación gremial por la digitalización de actores secundarios, extras y dobles de riesgo para su uso ilimitado en producciones.

• El toque humano: A pesar de los avances generativos, la intuición, las emociones genuinas y la identidad autoral siguen siendo consideradas irreemplazables por muchos cineastas y actores, quienes defienden un arte fundamentalmente humano. 

• Más allá de ser una herramienta de producción, la IA lleva décadas siendo protagonista en la pantalla grande. El cine ha explorado sus temores, posibilidades y la propia filosofía de la existencia a través de obras maestras. Desde clásicos como 2001: Odisea del espacio o Blade Runner, hasta enfoques más recientes, el séptimo arte utiliza estas máquinas para proyectar nuestros propios dilemas morales

Pero ya tenemos la primera película creada íntegramente con inteligencia artificial y llegó a Cannes donde abre un nuevo debate sobre el futuro del cine.

El filme se nombra ‘Hell Grind’ (2026) y es presentada en el festival de Cannes como “el primer largometraje creado íntegramente por IA”, con todo lo que esto implica, en apenas unas semanas con un presupuesto de medio millón de dólares. Su exhibición en el festival de cine pone sobre la mesa hasta qué punto esta tecnología puede transformar la manera en la que se producirán las películas en el futuro.

El Festival de Cannes lleva años consolidado como uno de los grandes escaparates de la industria cinematográfica a nivel mundial, pero la edición de 2026 ha reabierto el debate sobre qué depara al futuro del cine. En ediciones recientes, el avance imparable de la inteligencia artificial ha sido uno de los temas más comentados entre productores y artistas: desde su papel en el guion, montaje y efectos visuales hasta el impacto que puede tener sobre los empleos de carácter creativo. 

Tal y como adelanta, esta película ha sido desarrollada por la startup estadounidense Higgsfield AI: se trata de un largometraje de acción y fantasía de 95 minutos de duración que se centra en un grupo de ladrones atrapados en un conflicto sobrenatural. Sin embargo, no ha sido su trama lo que ha llamado la atención precisamente, sino su proceso de producción: una quincena de profesionales completó el proyecto en dos semanas con un presupuesto aproximado de 500.000 dólares, de los cuales unos 400.000 se destinaron exclusivamente a la potencia de cálculo requerida para la IA. Para mantener la coherencia visual entre personajes y escenas, el equipo usó miles de generaciones de vídeo y prompts (Los prompts son las instrucciones, comandos o preguntas que le das a una Inteligencia Artificial) complejos con miles de palabras para cada secuencia.

Aunque su llegada a Cannes no implica que el cine tradicional vaya a desaparecer de un día para otro, su participación en el festival legitima este tipo de proyectos y supone un nuevo punto de inflexión en un debate que, hasta hace poco, era meramente teórico. La cuestión ya no es si la IA puede participar en una producción audiovisual, sino hasta qué punto puede sustituir procesos completos y qué capacidad de decisión tendrán los directores, actores y técnicos de imagen y sonido en el futuro. Al mismo tiempo, sus responsables defienden que, hoy por hoy, estas herramientas necesitan tener detrás a alguien con criterio cinematográfico y conocimientos clásicos de lenguaje audiovisual para construir una obra coherente.

Paradójicamente, ‘Hell Grind’ deja otra conclusión menos futurista de lo esperado: aunque hacer películas 100% generadas por inteligencia artificial es posible, este proceso todavía está lejos de ser una tarea gratuita o automatizada. En lugar de cámaras, decorados, desplazamientos y los salarios de los actores, el coste se traslada a los centros de datos, iteraciones y capacidad de computación. Puede que el gran cambio del cine del futuro no sea que las películas desaparezcan tal y como las conocemos, sino que los presupuestos podrían comenzar a medirse tanto en días de rodaje como en tokens de IA y teraflops de GPUs.(Los Teraflops son una unidad que mide la potencia de cálculo teórico de una GPU, indicando cuántos billones de operaciones de coma flotante puede realizar por segundo)

Por lo pronto hoy por hoy ya vemos en las redes sociales pequeños videos hechos por aficionados que presentan una buena imagen digital con miles de seguidores. Veremos como se acomoda la IA y el mundo cinematográfico.

Ver el Trailer en  https://youtu.be/CVzfQuC0aMU.

Arrancó Festival de Cannes.

 

El Festival de Cannes 2026 promete ser una edición vibrante, marcada por la diversidad y la ausencia de los grandes estudios. Con propuestas que van desde el cine de autor europeo hasta nuevas voces de Asia y Latinoamérica, la Croisette se prepara para dos semanas de descubrimientos, debates y glamour.

Ya tiene lista oficial y, como cada año, la expectativa es enorme. Del 12 al 23 de mayo, el Palacio de Festivales se convierte en el epicentro del cine mundial, con dos semanas de proyecciones, alfombra roja y debates que marcan la agenda cultural.

La conferencia de prensa encabezada por Thierry Frémaux e Iris Knobloch reveló una selección que mezcla nombres consagrados con nuevas voces. Y sí, este año hay una ausencia notable: los grandes estudios de Hollywood decidieron no participar, dejando espacio para que el cine independiente brille con más fuerza.

España estará representada por tres largometrajes:

  Amarga Navidad de Pedro Almodóvar.

  El ser querido de Rodrigo Sorogoyen.

  La bola negra de Javier Calvo y Javier Ambrossi

Las películas competidoras por la Palma de Oro son:

• Andreï Zviagintsev – Minotaure

• Rodrigo Sorogoyen – El ser querido

• Ira Sachs – The Man I Love

• Paweł Pawlikowski – Fatherland

• László Nemes – Moulin

• Léa Mysius – Histoires de la nuit

• Cristian Mungiu – Fjord

• Emmanuel Marre – Notre Salut

• Marie Kreutzer – Gentle Monster

• Kōji Fukada – Unos días en Nagi

• Na Hong-jin – Hope

• Hirokazu Kore-eda – Sheep in the Box

• Jeanne Herry – Garance

• Arthur Harari – L’Inconnue

• Ryûsuke Hamaguchi – Soudain

• Valeska Grisebach – L’aventure rêvée

• Lukas Dhont – Coward

• Javier Ambrossi y Javier Calvo – La Boule noire

• Charline Bourgeois-Tacquet – La vie d’une femme

• Asghar Farhadi – Histoires parallèles

• Pedro Almodóvar – Autofiction

Adiós al actor Jack Taylor

Leyenda del terror en cine europeo y rostro icónico del cine fantástico. De nombre real George Brown Randall nació el  21 de octubre de 1926 en Oregón, USA y falleció en Madrid, España, 12 de mayo de 2026.Este actor estadounidense, conocido por su larga trayectoria en el cine de terror y fantástico en Europa y por su participación en producciones como Conan el bárbaro o La novena puerta, falleció a los 99 años en Madrid, donde residía desde hace décadas en el barrio de Chamberí.

La noticia fue confirmada por la Academia de Cine, que destacó la extensa carrera del intérprete estadounidense. Taylor construyó una trayectoria singular que lo llevó desde Hollywood hasta México y finalmente a España, país donde se instaló en los años 60 y desarrolló la mayor parte de su carrera artística. En Estados Unidos no logró consolidarse en la industria cinematográfica, lo que lo llevó a buscar nuevas oportunidades en el cine latinoamericano y posteriormente en la emergente producción europea de género.

En Madrid encontró su verdadero espacio creativo dentro del cine de terror, la serie B y el fantástico, especialmente en colaboraciones con el director Jesús Franco, con quien rodó múltiples películas de culto como Necronomicon, La isla de la muerte, El conde Drácula y Mil gritos tiene la noche, donde interpretó al recordado profesor Arthur Brown. Estas producciones, muchas veces limitadas por la censura de la época, han adquirido con el tiempo un estatus de culto entre los aficionados al género.

Su físico y su acento extranjero lo convirtieron en un intérprete habitual de villanos y personajes enigmáticos, un tipo de papel que él mismo reconocía disfrutar. En entrevistas llegó a afirmar que prefería interpretar al “malo”, ya que solían ser los personajes más recordados.

A lo largo de su carrera, Taylor también participó en grandes producciones internacionales. Apareció en Cleopatra (1963), junto a Elizabeth Taylor, en Conan el bárbaro con Arnold Schwarzenegger, en La novena puerta de Roman Polanski junto a Johnny Depp y en Los fantasmas de Goya de Milos Forman. Su versatilidad le permitió alternar entre superproducciones y cine independiente de culto.

En España, además de su vínculo con el cine de terror, trabajó con figuras del cine y la cultura como Rocío Jurado, Manolo Escobar, Amparo Soler o Javier Bardem. También participó en proyectos televisivos como Curro Jiménez, dirigido por Pilar Miró.

Residió durante décadas en el barrio madrileño de Chamberí, donde se convirtió en una figura habitual y cercana dentro del entorno cultural. Su carrera, marcada por más de medio siglo de trabajo, refleja la historia de un actor extranjero que encontró en España un hogar artístico y dejó una huella profunda en el cine de género.

Con su fallecimiento desaparece una figura clave del cine fantástico europeo, recordado tanto por su presencia en grandes producciones como por su legado en el cine de culto.

Fuentes: INFOBAE, Wikipedia

Fallecidos Aristarain, Puenzo y Brandoni en una semana. Tres golpes de estado de ánimo

Un fuerte golpe recibe el Cine Latinoamericano. Los argentinos Luis Brandoni, Luis Puenzo y Adolfo Aristarain: en una semana murieron tres figuras trascendentales  y  con ellos se fue un pedazo de historia

Dejan, cada uno desde su lugar, joyas imprescindibles como "La Patagonia rebelde", "La historia oficial" y "Tiempo de revancha". La seguidilla nos dejó un poco huérfanos de clásicos. En seis días se murieron tres figuras que tienen que ver con un temperamento en el cine y en la vida. El lunes partió el actor Luis Brandoni con 86 años recién cumplidos, el martes el cineasta Luis Puenzo a los 80 y este domingo el director Adolfo Aristarain, con 82. Lo de Brandoni sonó repentino. Un día estaba actuando (en la obra ¿Quién es quién?, junto a Soledad Silveyra) y a los pocos días estaba internado en terapia intensiva por una caída doméstica que le provocó un hematoma cerebral. Y no pudo recuperarse.

Luis Puenzo se fue en el medio de ambos, un poco eclipsado por el adiós al Capitán Beto, pero siempre eterno por La historia oficial, la primera película argentina en ganar un premio Oscar.

Brandoni funcionaba como ejemplo de algo que uno no sabría muy bien cómo explicar. Podía ser ejemplo de permanencia: trabajaba activamente de su profesión desde hacía más de 60 años. Entre sus enormes trabajos, se destaca el de La patagonia rebelde, donde era un joven actor: se filmó hace más de medio siglo. Opinión, debate, convicciones. No era poco para una sola persona. Brandoni funcionaba como ejemplo de algo que uno no sabría muy bien cómo explicar. Podía ser ejemplo de permanencia: trabajaba activamente de su profesión desde hacía más de 60 años. Entre sus enormes trabajos, se destaca el de La patagonia rebelde, donde era un joven actor, se filmó hace más de medio siglo. Opinión, debate, convicciones. No era poco para una sola persona.

Lo curioso era su manera de mantener la vigencia en un país acostumbrado a tratar mal a sus viejos. La vida era eso que le iba pasando entre una película y otra. Su insistente producción de contenido para las cámaras lo habían vuelto el gran actor nacional.

Brandoni tuvo un recorrido que se interrumpió en la dictadura, cuando al volver de su exilio estuvo prohibido. Amenazado por la Triple A, dirigió la otra triple A (Asociación Argentina de Actores), se exilió y volvió al país. “El actor no tiene seguridad, no tiene un trabajo estable”, dijo este hombre repleto de interpretación.

“La peor época mía fue durante la dictadura, donde no podíamos hacer esto que estamos haciendo ahora: no se podían hacer reportajes, no se nos podía nombrar en los diarios, salvo en las críticas; no podíamos salir por radio, no podíamos hacer televisión (...) Creían que era comunista. Yo participaba activamente del gremio de Actores”.

Una generación asociada a descubrir el misterio en las sombras. En siete días se fueron tres tipos que dejaron títulos inolvidables como La Patagonia rebelde (1974), La historia oficial (1985) y Tiempo de revancha (1981).

Lo abrumador es que se fue parte de nuestra idiosincrasia. Adolfo Aristarain murió a los 82 años. Todos confesaban haber vivido. Dirigió películas que son una educación sentimental: La parte del león y Los últimos días de la víctima. Un lugar en el mundo, Martín (Hache), Roma. Él y Luis Puenzo fueron directores humanistas.

La última clase magistral del viejo profesor en Lugares comunes: “Deben despertar en sus alumnos el dolor de la lucidez”. El próximo 30 de julio Tiempo de revancha cumplirá 45 años de su estreno. Se lo considera uno de los mejores filmes del cine argentino de todos los tiempos.

Puenzo tenía 80 años. El 24 de marzo de 1986 recibió la estatuilla de la Academia de Hollywood. No hubo mejor propaganda para nuestra democracia. Lo suyo fueron solamente seis largometrajes, pero el impacto de La historia oficial -obra con halo de legado- lo catapultó a la escena mundial. El otro día fue despedido por Abuelas de Plaza de Mayo.

"Con Brandoni -dijo Diego Peretti- se fue el último representante de una generación de actores brillantes. El último de los mohicanos de una generación dorada. Tuve la suerte enorme de trabajar con él, era un actor impresionante y muy buen compañero en escena".

Luis Brandoni.

Películas más destacadas

• Clásicos e Inicios (1970 - 1990)

o La Patagonia rebelde (1974): Drama histórico fundamental sobre las huelgas de obreros patagónicos.

o Juan que reía (1976): Una de sus interpretaciones más recordadas en la comedia dramática.

o Esperando la carroza (1985): Su rol como "Antonio Musicardi" en esta sátira de culto es considerado un hito de la cultura argentina.

o Made in Argentina (1987): Relato sobre el exilio y el regreso, una película central de la posdictadura.

o Un lugar en el mundo (1992): Drama aclamado internacionalmente dirigido por Adolfo Aristarain.

• Cine Contemporáneo (2000 - 2026)

o No sos vos, soy yo (2004): Comedia romántica sobre las relaciones modernas.

o Mi obra maestra (2018): Interpretó a Renzo, un pintor decadente, en dupla con Guillermo Francella.

o El cuento de las comadrejas (2019): Dirigida por Juan José Campanella, una comedia negra sobre el viejo Hollywood criollo.

o La odisea de los giles (2019): Historia sobre un grupo de vecinos que busca recuperar sus ahorros tras el corralito de 2001.

o Parque Lezama (2026): Su última película cinematográfica, basada en la exitosa obra teatral homónima. 

Trabajo en Series y Televisión

Brandoni también tuvo un impacto masivo en plataformas de streaming y televisión abierta con producciones como:

• Nada (2023): Miniserie de Disney+ donde interpreta a un crítico gastronómico porteño junto a Robert De Niro.

• El encargado (2022): Participó en esta exitosa serie de Star+ junto a Guillermo Francella.

• Un gallo para Esculapio (2017): Interpretó al "Chelo" Esculapio en este drama criminal.

• El hombre de tu vida (2011): Serie dirigida por Campanella donde interpretó al Padre Francisco. 

Luis Puenzo.

Su filmografía como director incluye los siguientes largometrajes y proyectos destacados:

• Luces de mis zapatos (1973): Su ópera prima, una película musical e infantil protagonizada por Pipo Pescador.

• Las sorpresas (1975): Codirigida con Carlos Galettini y Alberto Fischerman; Puenzo dirigió el segmento titulado "Cinco años de vida", basado en cuentos de Mario Benedetti.

• La historia oficial (1985): Su obra cumbre sobre los desaparecidos durante la dictadura militar argentina, protagonizada por Norma Aleandro y Héctor Alterio.

• Gringo viejo (1989): Producción estadounidense-mexicana basada en la novela de Carlos Fuentes, con Gregory Peck y Jane Fonda.

• La peste (1992): Adaptación de la novela de Albert Camus, con un elenco internacional que incluyó a William Hurt y Robert Duvall.

• Broken Silence (2002): Participación en esta miniserie documental sobre el Holocausto producida por Steven Spielberg (episodio "Some Who Lived").

• La puta y la ballena (2004): Drama filmado entre Argentina y España que narra la historia de una escritora que viaja a la Patagonia

Adolfo Aristarain.

Etapa inicial (Años 70-80)

En sus comienzos, Aristarain incursionó en el género policial y en comedias musicales comerciales antes de definir su estilo más personal. 

• La parte del león (1978): Su ópera prima, un thriller que ya mostraba su pericia técnica.

• La playa del amor (1979): Una comedia musical de corte comercial.

• La discoteca del amor (1980): Otra producción de género musical/romántico.

• Tiempo de revancha (1981): Película fundamental del cine político argentino, disfrazada de thriller industrial.

• Últimos días de la víctima (1982): Un sólido policial negro basado en la novela de José Pablo Feinmann. 

Consagración internacional (Años 90)

Durante esta etapa, sus películas alcanzaron gran reconocimiento crítico y premios internacionales como el Goya. 

• Un lugar en el mundo (1992): Nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera y ganadora del Goya a la Mejor Película Extranjera de Habla Hispana.

• La ley de la frontera (1995): Una cinta de aventuras y forajidos rodada en España.

• Martín (Hache) (1997): Uno de sus trabajos más icónicos, centrado en las relaciones familiares y el exilio, protagonizado por Cecilia Roth y Federico Luppi. 

Obras finales (Años 2000)

• Lugares comunes (2002): Un drama profundo sobre la madurez y la integridad, que le valió el Goya al Mejor Guion Adaptado.

• Roma (2004): Su último largometraje, una obra nostálgica y semiautobiográfica

Exhiben en el Vaticano la nueva película de Martin Scorsese dedicada al papa Francisco.

El director estadounidense Martin Scorsese presentó este martes —en una función privada en el Vaticano— su nueva película, “Aldeas: The Final Dream of Pope Francis”, como parte de los eventos conmemorativos por el primer aniversario de la muerte del papa Francisco.

La película es un documental dirigido por Scorsese junto con Johnny Shipley y Clare Tavernor, y muestra las últimas entrevistas en profundidad que concedió el pontífice antes de su fallecimiento.

Filmada en Italia, Indonesia, Gambia y la Ciudad del Vaticano, la película se centra en Scholas Occurrentes, una fundación creada por el papa Francisco cuyo objetivo es unir a las comunidades para que produzcan y difundan sus propias historias a través del cine. “Aldeas…” muestra, por ejemplo, al propio Scorsese visitando el pueblo de su abuelo en Sicilia, donde ayuda a jóvenes locales a hacer su propia película.

Scorsese es un director que ha abordado el tema de la fe y el catolicismo en películas como “Silence”, en 2016, y “The Last Temptation of Christ”, en 1988. Y labró una relación de amistad con el papa Francisco, con quien se reunió en varias oportunidades y a quien le regaló en 2024 un libro de fotografías de su película “Killers of the Flower Moon” (2023).

El director, ganador del premio Oscar por “The Departed” en 2007, también asistió en 2023 a la conferencia Global Aesthetics of the Catholic Imagination, organizada por el pontífice en el Vaticano, que reunió a cientos de artistas de todo el mundo para debatir la relación de la fe católica romana con el arte.

Fue el propio papa Francisco quien le pidió a Scosese que supervisara la producción de la película “Aldeas…”.

“Esta película es un homenaje al santo padre. Honra su memoria al encarnar el espíritu de su ministerio y su sueño de crear una cultura cada vez más humana. En este momento de la historia, creo que eso no es solo un sueño, sino una necesidad”, dijo Scorsese en una declaración recogida por el sitio web Deadline.

En el comunicado de prensa de la película se recogen las palabras del papa Francisco al inicio de la producción: “(Es) un proyecto extraordinariamente poético y profundamente transformador, porque llega a la raíz misma de la vida humana: nuestra sociabilidad, nuestros conflictos y la esencia misma del recorrido de la vida” ( Tomado de CNN en español )

Bruce Willis resurge en Netflix

Consigue el número 1 de Netflix en 14 países con esta película de hace 33 años: Persecución Mortal      ( en Latinoamérica Zona de Impacto )

Bruce Willis lleva varios años retirado del mundo del cine por culpa de la afasia que padece. Sus fans ya nos hemos resignado a que nunca estrenará otra película, pero siempre nos quedarán todas las que hizo en el pasado. De hecho, ahora hay una que ha dado la campanada en Netflix y ha conseguido alcanzar el número 1 de la plataforma en 14 países por mucho que se trate de un largometraje de hace ya 33 años.

La película protagonizada por Willis que ha resurgido de la nada es 'Persecución mortal', el único largometraje que el actor estrenó en 1993. Su historia gira alrededor de Tom Hardy, un policía al que sus compañeros desprecian desde que encarceló a su compañero (y primo) por uso de fuerza excesiva. Por ello, Hardy encontrará aún más dificultades en su intento de atrapar a un peligroso psicópata que encima él cree que forma parte del cuerpo...

Sorprende mucho es que la película de Willis que ha conseguido una segunda vida sea precisamente una que el actor odiaba. Él mismo confesó sobre 'Persecución mortal' que "era malísima, era realmente patética". Hasta su director Rowdy Herrington renegó de ella y luego la crítica la destrozó sin contemplaciones, logrando apenas un 20% de valoraciones positivas en Rotten Tomatoes.

Pese a todos los problemas que hubo durante la producción de la película y a las malas críticas, 'Persecución mortal' logra recaudar lo suficiente como para que nunca podamos considerarla como un fracaso comercial: 77 millones de ingresos mundiales frente a un presupuesto de 30.

A priori, 'Persecución mortal' había quedado totalmente olvidada, ya que en ningún caso se puede incluir entre las mejores películas de Willis -aunque su presencia ayuda a que su visionado sea más llevadero-, pero ya no podemos decir que sea el caso. No obstante, cuesta no coquetear con la idea de que precisamente nadie se acordaba ya de ella y por ella se la han puesto al verla en el catálogo de Netflix.

Ficha Técnica

Dirección: Rowdy Herrington

Guion: Rowdy Herrington y Marty Kaplan

Producción: Marty Kaplan y Arnon Milchan (Columbia Pictures)

Música: Brad Fiedel

Fotografía: Mac Ahlberg

Año: 1993

Reparto Principal

Bruce Willis: Det. Tom Hardy

Sarah Jessica Parker: Jo Christman

Dennis Farina: Capt. Nick Detillo

Falleció el actor Michael Patrick.

El actor irlandés de "Game of Thrones" Michael Patrick murió a los 35 años y luchaba contra una dura enfermedad desde hacía un año. Su esposa lo despidió con un desgarrador mensaje en las redes sociales: "Un gigante pelirrojo".

El mundo del espectáculo internacional se encuentra de luto tras confirmarse una triste noticia. Michael Patrick, reconocido por su participación en la exitosa serie de HBO "Game of Thrones", falleció este miércoles a los 35 años. El actor, nacido en Irlanda, venía enfrentando una durísima batalla contra la Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA), una enfermedad neurodegenerativa que le habían diagnosticado en 2023.

La confirmación del deceso llegó a través de su esposa, Naomi Sheehan, quien utilizó las redes sociales para comunicar la triste partida y agradecer el apoyo recibido durante este tiempo. "Anoche, Mick falleció tristemente en el Hospicio de Irlanda del Norte", escribió con profundo dolor, dejando en claro que el desenlace ocurrió de manera pacífica.

Desde que recibió el diagnóstico de ELA, Patrick se convirtió en un ejemplo de entereza para sus allegados. La enfermedad, que afecta las neuronas motoras y provoca una pérdida progresiva del control muscular, avanzó de forma agresiva en el último año. Según detalló su esposa, el actor pasó sus últimos momentos rodeado de familiares y amigos íntimos, quienes lo acompañaron hasta el final.

"Falleció en paz. No hay palabras para describir nuestro profundo dolor", expresó Sheehan en un comunicado que rápidamente se volvió viral. En su despedida, no solo resaltó su faceta profesional, sino también su calidad humana: "Vivió una vida tan plena como cualquier ser humano puede vivir. Alegría, vitalidad, risa contagiosa. Un gigante pelirrojo".

Aunque su carrera fue corta debido a su temprana partida, Michael Patrick logró dejar una marca en la industria televisiva británica e internacional. Su participación en "Game of Thrones" fue uno de los puntos más altos de su trayectoria, permitiéndole formar parte del fenómeno cultural más grande de la última década.

Sin embargo, su talento no se limitó al universo de George R.R. Martin. Patrick también se destacó en otras producciones de renombre como: "Blue Lights", un drama policial que cosechó excelentes críticas, "Soft Border Patrol", donde demostró su versatilidad para la comedia y el sarcasmo, y "My Left Nut", una miniserie que aborda temas sensibles con un toque de humor negro.

La muerte de Michael Patrick vuelve a poner en el centro del debate la necesidad de mayor investigación para combatir la ELA, una enfermedad que, hasta el día de hoy, no tiene cura y afecta a personas de todas las edades. 

Películas Cubanas Premiadas

Las películas cubanas más premiadas internacionalmente destacan por su crítica social y calidad artística, con Fresa y Chocolate (1993) a la cabeza, siendo la única nominada al Óscar y ganadora del Goya. Otros títulos fundamentales galardonados incluyen Memorias del subdesarrollo, La bella del Alhambra, Conducta (máxima ganadora en Premios Platino) y La muerte de un burócrata. 

Estas son las 10 pelícuklas cubanas más reconocidas internacionalmente.

Fresa y Chocolate (1993): Ganadora del Goya a Mejor Película Iberoamericana, Oso de Plata en Berlín y nominada al Óscar. Directores: Tomás Gutiérrez Alea, Juan Carlos Tabío

Conducta (2014): Aclamada internacionalmente y con múltiples nominaciones y premios en los Premios Platino y festivales de La Habana. Director: Ernesto Daranas.

La bella del Alhambra (1989): Ganadora del Goya a Mejor Película Iberoamericana y múltiples premios internacionales. Director: Enrique Pineda Barnet

Memorias del subdesarrollo (1968): Frecuentemente citada como una de las mejores películas latinoamericanas de la historia, premiada en diversos festivales. Director: Tomás Gutiérrez Alea

La muerte de un burócrata (1966): Clásico satírico reconocido por su humor y crítica social. Director: Tomás Gutiérrez Alea

Juan de los Muertos (2011): Ganadora del Goya a la Mejor Película Iberoamericana, destacando en el género de comedia/zombie.  Director: Alejandro Brugués.

La vida es silbar (1998): Ganadora del Goya a Mejor Película Iberoamericana y otros reconocimientos internacionales. Director: Fernando Pérez.

Vampiros en La Habana (1987): Clásico de animación con gran éxito y reconocimiento internacional. Director: Juan Padrón.

Habana Blues (2005): Producción con participación cubana, premiada internacionalmente. Director: Benito Zambrano

Clandestinos (1987): Reconocida en festivales de cine latinoamericano. Director: Fernando Pérez

Fallecio Chuck Norris.

Murió ayer el actor estadounidense Chuck Norris a los 86 años. Estaba internado en Hawái, su lugar de residencia, tras sufrir una “emergencia médica”. La noticia fue confirmada por su cuenta de Instagram personal.

“Con profunda tristeza, nuestra familia comparte el repentino fallecimiento de nuestro querido Chuck Norris ayer jueves. Si bien deseamos mantener la privacidad de las circunstancias, les informamos que estaba rodeado de su familia y descansaba en paz. Para el mundo, fue un artista marcial, actor y un símbolo de fuerza”, introduce el comunicado publicado este viernes por la mañana.

Tras ello, agrega: “Para nosotros, fue un esposo devoto, un padre y abuelo amoroso, un hermano increíble y el corazón de nuestra familia. Vivió su vida con fe, propósito y un compromiso inquebrantable con las personas que amaba. A través de su trabajo, disciplina y bondad, inspiró a millones de personas en todo el mundo y dejó una huella imborrable en muchas vidas”.

“Aunque nuestros corazones están destrozados, estamos profundamente agradecidos por la vida que vivió y por los momentos inolvidables que tuvimos la dicha de compartir con él. El amor y el apoyo que recibió de sus fans en todo el mundo significaron mucho para él y nuestra familia está profundamente agradecida por ello. Para él, no eran solo fans, eran sus amigos”, publicó su entorno.

“Sabemos que muchos de ustedes se enteraron de su reciente hospitalización; estamos profundamente agradecidos por las oraciones y el apoyo que le enviaron. En estos momentos de profundo dolor, les pedimos amablemente que respeten la privacidad de nuestra familia. Gracias por compartir su amor con nosotros”.

El pasado 10 de marzo, con motivo de su cumpleaños número 86, el protagonista de Desaparecido en acción (1984) y Fuerza Delta (1986) había hecho gala de su vitalidad al compartir con sus casi 3 millones de seguidores en Instagram las imágenes de una sesión de entrenamiento junto a su preparador físico.

“No envejezco. Subo de nivel. ¡Hoy cumplo 86! Nada como un poco de diversión en un día soleado para sentirse joven. Agradezco un año más, buena salud y la oportunidad de seguir haciendo lo que me apasiona. Gracias a todos por ser los mejores fans del mundo. Su apoyo a lo largo de los años ha significado más para mí de lo que jamás podrán imaginar. Que Dios los bendiga", dijo entonces. Luego, en la misma publicación, agradeció a sus fans por “todos por los maravillosos deseos de cumpleaños”.

En 2017, año en el que sufrió dos infartos, Norris había anunciado su decisión de abandonar la actuación para dedicarse a tiempo completo a cuidar de su mujer, Gena O’Kelley, que estaba muy enferma. “Acabo de ponerle un punto final a mi carrera como actor. Dedicaré mi vida entera a mantener viva a Gena, mi mujer, eso es lo más importante, que ella continúe con nosotros”, expresó entonces en una entrevista concedida a la revista Good Health.

Carlos Ray Norris nació en Ryan, Oklahoma, en 1940. Al graduarse del secundario, se alistó en la Fuerza Aérea y, mientras estuvo destinado en Corea del Sur, aprendió karate, disciplina que no le resultó para nada fácil, según explicó en 1980 a la revista People. A fuerza de perseverancia y largos entrenamientos diarios logró desarrollar la habilidad que lo llevaría a convertirse en campeón mundial en seis ocasiones y, posteriormente, en estrella de Hollywood.

Fue de la mano de Bruce Lee, a quien conoció durante una competencia y se volvió un entrañable amigo, que debutó en cine en la película El regreso del dragón (1972), que lo lanzó al estrellato. La década del 80 lo vio brillar en películas de acción como McQuade, el lobo solitario (1983), Desaparecido en acción (1984), Código de silencio (1985) y Fuerza Delta (1986).

En 1993 llegó Walker, Texas Ranger, una serie que atrapó a los televidentes durante ocho temporadas y se convirtió en un programa de culto hasta el día de hoy.

Chuck Norris fue el encargado de ponerse en la piel de Cordell Walker, un sheriff de la ciudad de Dallas que impartía justicia y atrapaba a los malvados gracias a sus habilidades en karate y a la ayuda de un equipo que lo respaldaba en todas sus andanzas. “Cuando me llegó este proyecto me gustó la idea de interpretar una historia basada en la cultura del western. Tenía la acción y el humor que yo quería, por lo que era una combinación perfecta de cosas que podían hacerla funcionar”, aseguró el actor sobre el rol que lo hizo triunfar en la pantalla chica.

Sus últimos trabajos en cine fueron Los indestructibles 2 (2012) y Agent Recon (2024), además de la película australiana Zombie Plane, aún sin estrenar, que hizo junto al rapero Vanilla Ice.

Idris Elba nombrado Caballero del Reino Unido.

El conocido actor británico Idris Elba fue nombrado caballero, un honor otorgado por la monarquía del Reino Unido pasando a ser conocido como Sir Idris Elba. Según noticias recientes de marzo de 2026 el actor planea retirarse de la actuación para enfocarse en la dirección, presentando su segundo cortometraje, "Dust to Dreams", mientras mantiene su campaña social "Don't Stop Your Future" en el Reino Unido. 

Reconocido en la lista de Honores de Año Nuevo del Reino Unido por su destacada carrera en cine, televisión y contribuciones sociales.

Los cuatro actores mejor pagados de Hollywood en 2025

La revista Forbes publicó este viernes la lista de los actores de Hollywood mejor pagados en el año 2025. Entre los cuatro mejores solo hay una actriz: Scarlett Johansson.

Adam Sandler: 48 millones de dólares.

Tom Cruise: 46 millones

Mark Wahlberg: 44 millones

Scarlett Johansson: 43 millones

Le siguen en la lista:

Brad Pitt: 41 millones

Denzel Washington: 38 millones

Jack Black: 28 millones

Jason Momoa: 28 millones

Daniel Craig: 27 millones

Millie Bobby Brown:  26 millones. (La actriz más joven que figura en esta lista de Forbes).

Más abajo están John Cena (26 millones), Reese Witherspoon (26 millones), George Clooney (25 millones), Leonardo DiCaprio (25 millones), Rob Mac (23 millones), Chris Pratt (22 millones), Tom Hardy (21 millones), Jennifer Aniston (20 millones), Cameron Diaz (20 millones) y Jason Bateman (19 millones).

Jim Carrey en los Premios César.

Un homenaje a su legado cinematográfico coincidió con una ola de especulaciones en redes sobre cirugías y “rejuvenecimiento facial”

La reaparición pública de Jim Carrey en la 51ª edición de los Premios César terminó eclipsando, al menos en redes sociales, el motivo central de la noche: el homenaje a su trayectoria. El actor canadiense-estadounidense de 64 años recibió un César Honorífico el 26 de febrero en París; sin embargo, la apariencia de su rostro desató una ola de especulaciones y teorías conspirativas en plataformas digitales.

La gala tuvo lugar en el histórico teatro L’Olympia y abrió con un sketch especial realizado por el actor francés Benjamin Lavernhe, que repasó algunos de los papeles más emblemáticos de Carrey, entre ellos La máscara. Según informó France 24, el homenaje buscó reconocer la carrera ecléctica de una de las grandes figuras de la comedia contemporánea, a menudo comparado con Jerry Lewis por su expresividad física y su impacto cultural.

El protagonista de El show de Truman subió al escenario para aceptar el César Honorífico y sorprendió al público con un discurso íntegramente en francés. “¿Cómo estuvo mi francés? Casi mediocre, ¿verdad?”, bromeó al inicio, antes de recordar sus raíces familiares en Francia, que —según dijo— se remontan a unos 300 años atrás. El auditorio respondió con una prolongada ovación de pie, incluso antes de que el actor comenzara a hablar.

Durante su intervención, el comediante dedicó palabras especialmente emotivas a su padre fallecido, Percy Carrey, y agradeció el apoyo de su familia y de sus colaboradores. La introducción estuvo a cargo del director Michel Gondry, con quien Carrey trabajó en Eternal Sunshine of the Spotless Mind.

Harrison Ford recibió el Premio a la Trayectoria en los Actor Awards 2026

El legendario actor, de 83 años, emocionó al público en Los Ángeles con un discurso cargado de humor y gratitud, con la mirada en su familia y colegas. Además, destacó la importancia de abrir oportunidades para las nuevas generaciones dentro de la industria cinematográfica

Un instante cargado de emoción marcó la 32.ª edición anual de los Premios del Actor 2026 (Actor Awards 2026) cuando Harrison Ford fue reconocido por su Trayectoria, en el Shrine Auditorium de Los Ángeles. A sus 83 años, el actor no pudo evitar las lágrimas al agradecer públicamente a su esposa Calista Flockhart y a su

familia, subrayando cuánto han influido en su vida y carrera.

Durante la ceremonia, Harrison Ford dedicó palabras de gratitud a figuras fundamentales en su trayectoria, resaltando el papel de George Lucas y Steven Spielberg, responsables de dos de sus personajes centrales.

Mencionó la influencia del director de casting Fred Roos y de su ex mánager Patricia McQueeny en los inicios de su carrera, recordando las dificultades para los jóvenes actores y la importancia de apoyarlos. Reconoció que, aunque es difícil ingresar a la industria del cine, en su caso “ha sido difícil salir de él”, agradeciendo la posibilidad de seguir activo.

Expresó un agradecimiento especial a su esposa, a quien definió como “extraordinaria y hermosa”, y a su familia por el amor y coraje brindados en estos años. Afirmó que el éxito conlleva la responsabilidad de apoyar a los demás y mantener la puerta abierta a quienes buscan su lugar en el mundo artístico.

Reconocimientos y trayectoria.

La carrera de Harrison Ford comenzó en la década de 1960. Su salto a la fama llegó con American Graffiti en 1973, seguido por sus roles como Han Solo en Star Wars y Indiana Jones en la saga dirigida por Steven Spielberg. A lo largo de los años, Ford ha recibido muchas distinciones, incluyendo el Premio de la Crítica a la Trayectoria en 2024 y la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2023.

El Premio a la Trayectoria del sindicato de actores de Estados Unidos SAG-AFTRA se otorga cada año a intérpretes que promueven los ideales más elevados de la actuación. El comunicado oficial destaca la capacidad de Ford para “cautivar al público mundial con actuaciones que definen el género”, así como su contribución a causas humanitarias y ambientales. Este galardón lo ubica junto a figuras como Jane Fonda, Barbra Streisand y Robert De Niro, entre otros premiados en ediciones anteriores.

A lo largo de su filmografía, Harrison Ford ha dado vida a personajes que son referentes de la cultura popular y que han marcado a generaciones de artistas en todo el mundo. Entre sus películas más destacadas se cuentan Blade Runner, Witness, The Conversation, Apocalypse Now, Working Girl, Sabrina, Morning Glory y The Age of Adeline. En televisión, debutó en producciones como Gunsmoke y The FBI, y regresó con la serie 1923 junto a Helen Mirren.

En la actualidad, Ford protagoniza la serie de la plataforma de streaming Apple TV+Shrinking, interpretando al Dr. Paul Rhodes, un terapeuta que enfrenta la enfermedad de Parkinson. Pese a la edad, Ford ha declarado: “Necesitan personas mayores para interpretar papeles de personas mayores”. Su continuidad en la actuación se evidencia en los proyectos actuales y en el reconocimiento recibido en los Premios del Actor 2026.