Alejandro G. Iñárritu acaba de hacer historia en México

 

El director de 'Birdman' y 'El renacido' acaba de recibir uno de los mayores honores que puede recibir un ciudadano mexicano. Además, se ha convertido en el primero en una historia de 80 años. Acaba de ingresar en el Colegio Nacional de México. No es un nombramiento cualquiera, puesto que es el primer cineasta en ingresar en la institución desde que fue fundada hace más de 80 años. Aquí se agrupan los científicos, artistas y literatos más destacados de México, los que representan la sabiduría de la época. Los pintores Diego Rivera y José Clemente Orozco; los autores Alfonso Reyes Ochoa y Enrique González Martínez; y José Vasconcelos, que definió la educación del México moderno, son algunos del grupo de hombres que fundó la institución.

Alejandro González Iñárritu ha ganado cinco premios Oscar en diferentes categorías. En 2015 recibió la primera estatuilla por su labor en Birdman y volvió a repetir con El renacido al año siguiente. En 2018, además, recibió un Premio de la Academia por logros especiales por su instalación de realidad virtual Carne y arena. Nos hemos centrado en los Oscar por ser el reconocimiento más popular, pero el mexicano tiene muchos más logros. El último ha sido uno que le ha llenado de orgullo.

Ahora Iñárritu forma parte de ellos y, básicamente, le están diciendo que, de todos sus directores, él es el que más cosas tiene por compartir.

Le ha llenado de orgullo, pero en el acto de ingreso que tuvo lugar el pasado 26 de mayo también reconoció que durante mucho tiempo dudó si aceptar el ofrecimiento. "Su invitación para formar parte de este honorable Colegio Nacional no sólo me honra, me conmueve profundamente", ha declarado,

Su primer acto dentro del colegio ha sido una lección titulada La alucinación consensuada que, por supuesto, iba sobre cine, pero también sobre temas como la memoria, la migración o la experiencia humana.

En la conferencia ha definido el cine como un esfuerzo colectivo monumental que requiere "domesticar un huracán" y una "alucinación consensuada" que, al igual que el agua, es polimórfica y no puede encerrarse en dogmas.

Sobre los temas personales, habló acerca de la paternidad, la muerte y la migración. Asegura que "emigrar es morir un poco", explicando que vivir desarraigado junto a su familia ha marcado su perspectiva de la vida y el arte. Explora la conexión entre estos temas mediante el paralelo que existe entre Biutiful (la muerte del padre y la observación de los migrantes desde afuera) y Bardo (la migración vivida desde su perspectiva interior como creador y padre).

No faltó una mención a la inteligencia artificial. El director advirtió que, si bien la IA puede generar impresionantes pirotecnias visuales, detrás de esas imágenes "no hubo nadie que amara, nadie que sufriera, nadie que tuviera hijos".

Dead Poets Society, 1989

En estos días invernales estoy volviendo a ver determinadas películas que hicieron historia o aquellas de mi larga lista de favoritas. Así, en una búsqueda me encontré con “La Sociedad de los poetas muertos” de 1989. En Cuba se estrenó en el popular espacio de televisión “Toma 1” casi inmediatamente después de su estreno mundial.

La película sigue a un grupo de chicos de un internado recién cautivados y envalentonados por los métodos poco convencionales de su nuevo profesor de inglés, el Sr. Keating (Robin Williams). Los chicos —entre ellos Neil Perry (Robert Sean Leonard), un estudiante brillante emocionalmente agobiado por las grandes expectativas profesionales de sus padres; Knox Overstreet, un adolescente enamorado y lleno de ilusión; y Todd Anderson, un chico dolorosamente cohibido con el alma oculta de un artista— buscan inspiración en Keating y retoman las reuniones de la Sociedad de los Poetas Muertos del exalumno, una especie de secta literaria. A través de múltiples subtramas, los chicos se toman en serio el lema de Keating: "¡Carpe diem!", sermones y aprovechar el día persiguiendo sus pasiones y los deseos de sus corazones.

Conocemos al profesor Keating al final de un montaje de otros profesores mayores de Welton, incluyendo a un instructor de latín que incita a los alumnos a repetir mecánicamente una serie de conjugaciones, seguido de un profesor que insiste en la "precisión absoluta" requerida en trigonometría. Luego, vemos a los chicos esperando otra lección tediosa. Aparece Keating silbando la Obertura 1812 de Chaikovski. Su despreocupación contrasta notablemente con el estilo de enseñanza, por lo demás rígido, de Welton. Este tipo de yuxtaposición obvia y exagerada caracteriza y perjudica el guion de La sociedad de los poetas muertos. La película recurre a una hipérbole innecesaria y decepcionante para ensalzar el poder de una educación en humanidades.

En el ejemplo más flagrante de esta hipérbole, Keating le pide a un estudiante que lea la introducción de su libro de texto de poesía. El ensayo académico del Dr. J. Evans Pritchard detalla un enfoque metodológico de la poesía que implica representar gráficamente la importancia y la grandeza de un poema. Al volver a ver esta escena, puse los ojos en blanco cuando el ensayo instruyó a los estudiantes a calcular la integral de un poema, a calcular su área para determinar su valor. Keating, en un giro deliberadamente revolucionario, les pide vehementemente a los estudiantes que arranquen las páginas de la introducción del libro de texto. Claramente, esta acción pretende ser una demostración de la sabiduría creativa de Keating. Sin embargo, según este poeta, los criterios de Pritchard para evaluar la poesía son «cómicamente mecanicistas», y sería difícil encontrar a algún estudioso de la literatura inglesa que no se riera de las palabras de Pritchard. Las creencias de Keating no son tan novedosas como la película «La sociedad de los poetas muertos» quiere hacer creer al espectador.

Algunos espectadores podrían salir de El club de los poetas muertos pensando: «¡Guau! Ojalá hubiera tenido un profesor como Keating». Yo no fui uno de ellos. Si bien la mayoría de los profesores de Welton adaptan sus programas para sofocar cualquier atisbo de creatividad, admito que prefiero su estilo de enseñanza rígido al enfoque laissez-faire de Keating hacia el inglés. «Siéntate y relájate», dice Keating, «y la poesía hermosa y significativa simplemente fluirá de tus labios». En una escena, Keating invita al tímido Todd Anderson al frente del aula, le muestra una foto de Walt Whitman y le pide que grite las primeras palabras que le vengan a la mente. Con un poco de aliento, Anderson cierra los ojos y deja que la poesía fluya de él; incluso él parece sorprendido por sus propias palabras. Keating sonríe con aire de suficiencia, como si hubiera trabajado duro para moldear al artista recién consagrado que tiene delante. En realidad, lo único que ha hecho es decirles a sus alumnos que la poesía es "la esencia de la vida", sin explicarles en absoluto qué significa esta generalización.

Desafortunadamente para Keating, citar una estrofa de «A las vírgenes, aprovechen el tiempo» de Herrick y reducir su complejidad a un cliché ,¡aprovechen el día! no califica como «estudio profundo», y es improbable que sus estudiantes retuvieran mucho conocimiento literario al oírlo susurrar «Carpe diem» mientras miraban viejas fotos de exalumnos de Welton. Su enfoque frívolo de la poesía socava la validez del estudio del inglés en general y contradice directamente lo que pretende inculcar a sus estudiantes. La Sociedad de los Poetas Muertos pretende ser una carta de amor a las humanidades, un testimonio del poder del pensamiento crítico para cambiar el mundo. En cambio, Keating convierte en una caricatura la disciplina del inglés.

Todo esto no quiere decir que La sociedad de los poetas muertos no tenga mérito. A pesar de los defectos de su personaje, Robin Williams ofrece una actuación convincente (y retrospectivamente devastadora, considerando el destino de Neil) que le valió una merecida nominación al Oscar. A pesar de su historial de papeles cómicos, Williams demuestra su versatilidad actoral en un papel que guarda similitud con su interpretación del terapeuta Sean Maguire en El indomable Will Hunting casi diez años después: Williams parece brillar como un sabio mentor para adolescentes con problemas. Otros miembros del reparto reflejan la aptitud de Williams. En el primero de muchos papeles que definirían su carrera, Ethan Hawke encuentra su lugar como actor y le otorga una tímida inocencia a Todd, contrastando maravillosamente con la compostura de Robert Sean Leonard como Neil. Josh Charles luce un encanto juvenil como Knox Overstreet, añadiendo un toque de romance idealista a la película cuando corteja a una chica de una escuela vecina. Cinematográficamente, el hermoso paisaje otoñal del noreste que muestra Welton se presta a unas panorámicas impresionantes, y el espectador seguramente se verá atraído por esta visión romántica de un internado.

Estos elementos encantadores contribuyen a la representación "profundamente seductora" que hace El club de los poetas muertos de la educación en humanidades. Keating aporta a la enseñanza una pasión, inventiva y espontaneidad que resultan entrañables para el público en general. En todos los géneros cinematográficos, incluyendo películas como El cielo de octubre o las de la saga de Harry Potter, nos sentimos atraídos por la imagen de un profesor comprometido con sus alumnos. Visto desde la perspectiva actual de un sistema de educación pública deficiente y una enseñanza estandarizada, el estilo de enseñanza personalizado de Keating brilla con luz propia.

En una escena deliberadamente audaz, Keating salta sobre su escritorio, invitando a sus alumnos a hacer lo mismo. Exclama: «Me subo a mi escritorio para recordarles que debemos mirar las cosas constantemente desde una perspectiva diferente», una supuesta lección sobre el poder de la perspectiva. Fue precisamente así que sus alumnos lo despidieron del internado y constituyó una escena icónica del cine.

El filme estuvo nominado a 4 premios Oscar: Mejor película, director y actor y finalmente obtuvo el Oscar al Mejor Guion Original

Ficha Técnica:

Título original: Dead Poets Society

Año de estreno: 1989

País: Estados Unidos

Director: Peter Weir

Guion: Tom Schulman

Productores: Steven Haft, Paul Junger Witt, Tony Thomas

Música original: Maurice Jarre

Fotografía: John Seale

Reparto Principal

Robin Williams como el profesor John Keating

Robert Sean Leonard como Neil Perry

Ethan Hawke como Todd Anderson

Cerró el Festival de Cannes 2026.

Cristian Mungiu se alza con su segunda Palma de Oro en Cannes con Fjord

Al término de una competición cuyo nivel fue aumentando sin que surgiera un favorito indiscutible, el jurado principal (presidido por Park Chan-wook) de la 79.ª Festival de Cannes firmó un palmarés espléndido al premiar casi a la totalidad de las mejores películas de esta edición (repartiendo, en particular, el premio a la mejor dirección), al distinguir a dos dúos de intérpretes y, sobre todo, al otorgar la Palma de Oro a Fjord, del rumano Cristian Mungiu, que se convierte así en el décimo realizador en la historia de Cannes en haber ganado dos veces la Palma de Oro (junto a Francis F. Coppola, Shōhei Imamura, Bille August, Emir Kusturica, Jean-Pierre y Luc Dardenne, Michael Haneke, Ken Loach y Ruben Östlund).

El Gran Premio fue para Minotaur, del ruso en el exilio Andreï Zviaguintsev (ya ganador del premio al mejor guion en 2014 y del Premio del Jurado en 2017), que desde el escenario envió un mensaje a Vladimir Putin pidiéndole que pusiera fin a la carnicería de la guerra en Ucrania.

Se concedieron dos premios a la mejor dirección: el primero al dúo de cineastas españoles Javier Ambrossi y Javier Calvo por La bola negra (su segundo largometraje), y el segundo al polaco Pawel Pawlikowski por Fatherland (que conquista por segunda vez este galardón).

El Premio del Jurado distinguió The Dreamed Adventure, de la alemana Valeska Grisebach (su cuarto largo tras, entre otros, Western, que pasó por Un Certain Regard en 2017), una película rodada en Bulgaria y coproducida por Alemania, Francia, Austria y Bulgaria.

Los premios de interpretación llegaron por partida doble: en la categoría femenina los laureles fueron para la belga Virginie Efira y la japonesa Tao Okamoto por su dueto en Soudain, de Ryusuke Hamaguchi, mientras que en el apartado masculino sopló un aire de juventud con la victoria del belga Emmanuel Macchia (19 años) y del francés Valentin Campagne (21 años) por su interpretación en Coward, del belga Lukas Dhont.

Por último, el premio al guion puso el foco sobre el ascenso del francés Emmanuel Marre (que se dio a conocer en la Semana de la Crítica del 2021 con Generación Low Cost) por su segundo largo, la coproducción belgo-francesa Notre salut.

Cabe señalar también que la Cámara de Oro distinguió el potente Ben'Imana, de la ruandesa Marie-Clémentine Dusabejambo (presentado en Un Certain Regard, producido por Ruanda y Gabón, y coproducido por Francia y Noruega).

Por último, en el apartado de cortometrajes, la Palma de Oro fue para Para los contrincantes (For The Opponents), del argentino Federico Luis (producido por México, Chile y Francia).

Todas las premiadas en competición:

Palma de Oro

Fjörd - Cristian Mungiu (Rumanía/Francia/Noruega/Suecia/Dinamarca)

Gran Premio

Minotaur - Andrey Zvyagintsev (Francia/Letonia/Alemania)

Premio del Jurado

The Dreamed Adventure - Valeska Grisebach (Alemania/Francia/Bulgaria/Austria)

Mejor dirección

Javier Ambrossi, Javier Calvo - La bola negra (España)

Pawel Pawlikowski - Fatherland (Polonia/Italia/Alemania/Francia)

Mejor actriz

Virginie Efira, Tao Okamoto – Soudain (Francia/Japón/Alemania/Bélgica)

Mejor actor

Emmanuel Macchia, Valentin Campagne - Coward (Bélgica/Francia/Países Bajos)

Mejor guion

Notre salut - Emmanuel Marre (Francia/Bélgica)

Cámara de Oro

Ben'Imana - Marie-Clémentine Dusabejambo (Ruanda/Gabón/Francia/Noruega/Costa de Marfil)

Palma de Oro al cortometraje

Aux adversaires - Federico Luis (Chile/México/Francia)

Cine vs IA.

 La Inteligencia Artificial (IA) está transformando radicalmente la industria cinematográfica. En la producción, se utiliza para automatizar efectos visuales, corregir errores de rodaje, clonar voces y generar escenarios hiperrealistas. Aunque reduce costos, democratiza el acceso a la realización y mejora la calidad, también genera grandes debates sobre el futuro laboral de los actores y los derechos de autor.

La tecnología generativa y de aprendizaje automático ha acelerado y expandido las capacidades creativas de directores y estudios: 

• Efectos Visuales (VFX): Creación rápida de multitudes, mundos digitales y criaturas fantásticas.

• Postproducción: Corrección de color, mejora de nitidez en la imagen y limpieza de errores de continuidad.

• Doblaje y Sincronización: Herramientas como Flawless AI permiten doblar películas a múltiples idiomas modificando los labios de los actores digitalmente para que coincidan con la nueva voz.

• Rejuvenecimiento: Técnicas de "Deepfake" vistas en franquicias y grandes producciones para modificar la edad de los actores en pantalla.

La rápida evolución de la IA plantea dilemas fundamentales:

• Derechos de autor: Se cuestiona la legalidad de los modelos de IA que se entrenan utilizando bases de datos con trabajos artísticos protegidos.

• Reemplazo laboral: Existe una fuerte preocupación gremial por la digitalización de actores secundarios, extras y dobles de riesgo para su uso ilimitado en producciones.

• El toque humano: A pesar de los avances generativos, la intuición, las emociones genuinas y la identidad autoral siguen siendo consideradas irreemplazables por muchos cineastas y actores, quienes defienden un arte fundamentalmente humano. 

• Más allá de ser una herramienta de producción, la IA lleva décadas siendo protagonista en la pantalla grande. El cine ha explorado sus temores, posibilidades y la propia filosofía de la existencia a través de obras maestras. Desde clásicos como 2001: Odisea del espacio o Blade Runner, hasta enfoques más recientes, el séptimo arte utiliza estas máquinas para proyectar nuestros propios dilemas morales

Pero ya tenemos la primera película creada íntegramente con inteligencia artificial y llegó a Cannes donde abre un nuevo debate sobre el futuro del cine.

El filme se nombra ‘Hell Grind’ (2026) y es presentada en el festival de Cannes como “el primer largometraje creado íntegramente por IA”, con todo lo que esto implica, en apenas unas semanas con un presupuesto de medio millón de dólares. Su exhibición en el festival de cine pone sobre la mesa hasta qué punto esta tecnología puede transformar la manera en la que se producirán las películas en el futuro.

El Festival de Cannes lleva años consolidado como uno de los grandes escaparates de la industria cinematográfica a nivel mundial, pero la edición de 2026 ha reabierto el debate sobre qué depara al futuro del cine. En ediciones recientes, el avance imparable de la inteligencia artificial ha sido uno de los temas más comentados entre productores y artistas: desde su papel en el guion, montaje y efectos visuales hasta el impacto que puede tener sobre los empleos de carácter creativo. 

Tal y como adelanta, esta película ha sido desarrollada por la startup estadounidense Higgsfield AI: se trata de un largometraje de acción y fantasía de 95 minutos de duración que se centra en un grupo de ladrones atrapados en un conflicto sobrenatural. Sin embargo, no ha sido su trama lo que ha llamado la atención precisamente, sino su proceso de producción: una quincena de profesionales completó el proyecto en dos semanas con un presupuesto aproximado de 500.000 dólares, de los cuales unos 400.000 se destinaron exclusivamente a la potencia de cálculo requerida para la IA. Para mantener la coherencia visual entre personajes y escenas, el equipo usó miles de generaciones de vídeo y prompts (Los prompts son las instrucciones, comandos o preguntas que le das a una Inteligencia Artificial) complejos con miles de palabras para cada secuencia.

Aunque su llegada a Cannes no implica que el cine tradicional vaya a desaparecer de un día para otro, su participación en el festival legitima este tipo de proyectos y supone un nuevo punto de inflexión en un debate que, hasta hace poco, era meramente teórico. La cuestión ya no es si la IA puede participar en una producción audiovisual, sino hasta qué punto puede sustituir procesos completos y qué capacidad de decisión tendrán los directores, actores y técnicos de imagen y sonido en el futuro. Al mismo tiempo, sus responsables defienden que, hoy por hoy, estas herramientas necesitan tener detrás a alguien con criterio cinematográfico y conocimientos clásicos de lenguaje audiovisual para construir una obra coherente.

Paradójicamente, ‘Hell Grind’ deja otra conclusión menos futurista de lo esperado: aunque hacer películas 100% generadas por inteligencia artificial es posible, este proceso todavía está lejos de ser una tarea gratuita o automatizada. En lugar de cámaras, decorados, desplazamientos y los salarios de los actores, el coste se traslada a los centros de datos, iteraciones y capacidad de computación. Puede que el gran cambio del cine del futuro no sea que las películas desaparezcan tal y como las conocemos, sino que los presupuestos podrían comenzar a medirse tanto en días de rodaje como en tokens de IA y teraflops de GPUs.(Los Teraflops son una unidad que mide la potencia de cálculo teórico de una GPU, indicando cuántos billones de operaciones de coma flotante puede realizar por segundo)

Por lo pronto hoy por hoy ya vemos en las redes sociales pequeños videos hechos por aficionados que presentan una buena imagen digital con miles de seguidores. Veremos como se acomoda la IA y el mundo cinematográfico.

Ver el Trailer en  https://youtu.be/CVzfQuC0aMU.

1984

Hoy les presento la película 1984, basada en la magnífica obra de George Orwell. La vi por primera vez antes de 1990 en Cuba en una sesión del cine club, por supuesto, con permiso de los niveles superiores del partido porque la obra literaria estaba, y está, prohibida en Cuba. Hoy tengo más elementos porque leí el libro, muy bueno por cierto.

La adaptación cinematográfica es bastante fiel al libro aunque el resultado es una película forzada, lenta y excesivamente fría. Es una historia de decadencia y pesimismo donde las emociones no pueden salir a flote. Donde pensar es un crimen y todo el que comete esta injuria es vaporizado (ejecutado y eliminado de los libros de la historia). Aunque esto se refleja en el libro no se logra representar en la película

Año 1984, Winston Smith (John Hurt) vive en Oceanía, en una zona regida por un gobierno totalitario liderado por el Gran Hermano. Smith, un trabajador del Ministerio de la Verdad, se encarga de revisar las noticias y modificarlas para ser publicadas con la versión oficial del gobierno. Su vida transcurre como la de cualquier otro ciudadano en la dictadura, salvo por una vocación por la reflexión, lo cual no les está permitido, y esto despierta sospechas en el gobierno, cuando quiere controlar totalmente la vida de las personas.

Todos los habitantes de un gobierno totalitario, son vigilados constantemente por las autoridades, al mismo tiempo reciben mensajes sobre el desarrollo de la guerra en la que está inmersa Oceanía desde hace muchos años, ocultando que es una guerra de falsa bandera, los mensajes en las pantallas gigantes de publicidad del gobierno son de rebeldes arrepentidos y claman ser ejecutados, así como mensajes del Gran Hermano. Es famoso el lema: «LA GUERRA ES PAZ, LA LIBERTAD ES ESCLAVITUD, LA IGNORANCIA ES FUERZA».

Un día recibe un mensaje en clave de una chica en un comedor popular del trabajo, se llama Julia y es rebelde viviendo en la clandestinidad, para ocultarse del gobierno con un grupo de amigos, juntos sospechan de la guerra como una invención del gobierno totalitario para controlar a la población con el miedo y justificar una crisis económica permanente, ellos se encuentran y entablan una relación amorosa, dentro de lo posible ocultando su relación sentimental al gobierno autoritario, porque el régimen de dictadura tiene prohibido ese tipo de relaciones entre miembros del Partido interior, es decir entre los ciudadanos del gobierno de Oceanía por seguridad y para mantener ocultos los secretos del gobierno.

Winston durante ese período es llamado por un dirigente del Partido, le explica el objetivo del gobierno y sus planes para controlar a la población como la única manera de mantener el orden en la sociedad, cuando le proporciona "secretamente" material subversivo para su lectura. Winston siente factible la existencia de la resistencia oculta en la clandestinidad y el gobierno le miente a la población, incluso la guerra es falsa, entonces confía sus sentimientos como lo único que el gobierno no podrá arrebatarle, de ser arrestado, pero poco después Winston y Julia son arrestados en su habitación, porque los estaban vigilando con cámaras ocultas y micrófonos, todo era una trampa del gobierno para encontrar a otros rebeldes relacionados con ellos y descubrir el posible surgimiento de la conspiración contra el gobierno.

Winston es torturado con pruebas mentales, drogas y una jaula con ratas sobre su cabeza, deberá enfrentar sus peores temores. Durante el proceso surgen dudas sobre sus ideas acerca de la realidad como sus sentimientos hacia Julia, al final él es separado de Julia para siempre y otros rebeldes miembros de la conspiración contra el gobierno son capturados, ellos también son torturados y aceptan someterse al control mental del gobierno, para vivir controlados por el gobierno.

Cuenta con dos grandes titanes del mundo del cine, John Hurt y Richard Burton, cuyas interpretaciones, si la del primero mucho más destacable que la del segundo, tampoco son exprimidas lo suficiente. 

Hay que destacar además la ambientación, decorados y la fotografía. Conjuntamente te dan una fiel imagen de un país en guerra.

Les recomiendo leer la obra y posteriormente ver la película. Ya tengo por ver la otra obra de George Orwell, “Rebelión en la granja”. 

Ficha Técnica

Título original: Nineteen Eighty-Four

Año: 1984

País: Reino Unido

Dirección y Guion: Michael Radford (basado en la novela de George Orwell).

Producción: Simon Perry

Fotografía: Roger Deakins

Música original: Dominic Muldowney (con canciones destacadas de Eurythmics). 

Reparto Principal

• John Hurt como Winston Smith

• Richard Burton como O'Brien

• Suzanna Hamilton como Juli

El gran rubio con un zapato negro, 1972

 Años llevaba buscando películas europeas de los 70, 80 con calidad y subtituladas. En Cuba logré encontrar con algunos amigos muy pocas y recientemente un colega nuestro, fan al cine también y nuestro guía profesional en las Matemáticas, me regaló toda una colección de primera calidad. Las iré comentando de a poco porque nosotros, nuestra generación recibió con agrado en los cines cubanos esos filmes franceses, italianos y españoles. Recuerden que en los primeros años el cine norteamericano no entraba al país y suplimos el bache con esas películas que se convirtieron en clásicos. También se insertaron las películas japonesas y, por supuesto, las producciones soviéticas y del campo socialista. Mil gracias a Héctor Pijeira.

El rubio alto con zapato negro, así se nombró en Cuba en 1972, es una película de comedia, francesa de 1972 dirigida por Yves Robert y protagonizada por Pierre Richard, Bernard Blier y Jean Rochefort.

Dos facciones de los servicios secretos franceses implican a un músico de orquesta en su batalla, utilizándolo como un señuelo con el objetivo de extraer conclusiones de los datos que pueda obtener de la investigación para resolver su misión de forma satisfactoria. Se trata de François Perrin, una persona que da la sensación de ser alguien completamente normal y que se verá envuelto casi sin darse cuenta en un asunto de vital importancia para salvaguardar la protección de los habitantes de su nación.

Los acontecimientos se suceden según lo previsto y los agentes especiales, quienes se encuentran distribuidos por diferentes rincones de la región, no tardarán demasiado en tratar de sonsacar la mayor información posible al protagonista. Para ello, toman la decisión de enviar a Christine, una de sus empleadas más eficientes a la par que atractivas, con la finalidad de que sea capaz de encandilar a François. Mientras tanto, él tendrá que lidiar con sus propios problemas sentimentales porque aún permanece enredado en una relación amorosa con la mujer de su mejor amigo.

Ese es el argumento del filme que fue un éxito nacional. Sin embargo, cuando se estrenó en el ámbito internacional, esta película se volvió incluso un éxito mayor, lo que luego incrementó su éxito. Hizo famoso al actor principal de la película, Pierre Richard. También hizo famoso al guionista de la película Francis Veber. Finalmente causó una secuela en 1974 y una nueva versión en Hollywood 11 años más tarde con Tom Hanks como protagonista. 

En particular las películas de este actor y en general las películas francesas de esos años fueron bien recibidas por el público cubano. 

Título original: Le grand blond avec une chaussure noire

Año: 1972

País: Francia

Dirección: Yves Robert

Guion: Yves Robert y Francis Veber

Música: Vladimir Cosma

Fotografía: René Mathelin

Productora: Gaumont 

Reparto Principal

     Pierre Richard como François Perrin

    Bernard Blier como el Coronel Toulouse

    Jean Rochefort como el Coronel Milan

    Mireille Darc como Christine

   Jean Carmet como Maurice 

Filmografía

Década de 1970 (Consagración )

• El Distraido (1970): Ópera prima como director y protagonista, interpretando al despistado Pierre Malaquet.

• Las desgracias de Alfredo (1972): Comedia negra dirigida y protagonizada por él sobre un hombre con extrema mala suerte.

• El gran rubio con un zapato negro (1972): Su gran éxito internacional interpretando al músico François Perrin.

• Me estoy empezando a molestar (1974): Comedia de enredos junto a Jane Birkin en el rol de un profesor de escuela.

• El regreso del gran rubio (1974): Secuela directa del exitoso filme de espionaje cómico.

• El Juguete (1976): Un periodista en apuros económicos se convierte literalmente en el juguete de un niño rico.

• Soy tímido pero me defiendo (1978): Cinta dirigida por él que aborda la timidez enfermiza de su personaje

Década de 1980 (La Trilogía con Depardieu)

• El golpe del paraguas (1980): Un actor confunde un contrato mafioso con un guion cinematográfico.

• Más locos que una cabra / La Chèvre (1981): Primera colaboración mítica con Gérard Depardieu, rodada en México.

• Los Compadres (1983): Segunda película del icónico dúo dinámico bajo las órdenes de Francis Veber.

• Los fugitivos (1986) Cierre de la exitosa trilogía cómica junto a Depardieu.

Trabajos Posteriores y Cine Contemporáneo

• ¿Y si vivimos todos juntos? (2011): Comedia dramática sobre la vejez compartida junto a Jane Fonda y Geraldine Chaplin.

• En lugar del Sr. Stein (2017): Un viudo solitario aprende a usar internet y tiene un romance virtual.

• Mi Familia del Norte (2018): Comedia dirigida por Dany Boon sobre los prejuicios regionales franceses.

• Astérix y Obélix: El reino medio (2023): Interpretó al druida Panoramix en la superproducción de Guillaume Canet.

• Jeanne du Barry (2023): Drama de época dirigido por Maïwenn donde da vida al Duque de Richelieu.

• El sabor de las cosas simples (2023): Un chef francés de renombre viaja a Japón tras una experiencia cercana a la muerte. 

(Títulos traducidos al español)

Arrancó Festival de Cannes.

 

El Festival de Cannes 2026 promete ser una edición vibrante, marcada por la diversidad y la ausencia de los grandes estudios. Con propuestas que van desde el cine de autor europeo hasta nuevas voces de Asia y Latinoamérica, la Croisette se prepara para dos semanas de descubrimientos, debates y glamour.

Ya tiene lista oficial y, como cada año, la expectativa es enorme. Del 12 al 23 de mayo, el Palacio de Festivales se convierte en el epicentro del cine mundial, con dos semanas de proyecciones, alfombra roja y debates que marcan la agenda cultural.

La conferencia de prensa encabezada por Thierry Frémaux e Iris Knobloch reveló una selección que mezcla nombres consagrados con nuevas voces. Y sí, este año hay una ausencia notable: los grandes estudios de Hollywood decidieron no participar, dejando espacio para que el cine independiente brille con más fuerza.

España estará representada por tres largometrajes:

  Amarga Navidad de Pedro Almodóvar.

  El ser querido de Rodrigo Sorogoyen.

  La bola negra de Javier Calvo y Javier Ambrossi

Las películas competidoras por la Palma de Oro son:

• Andreï Zviagintsev – Minotaure

• Rodrigo Sorogoyen – El ser querido

• Ira Sachs – The Man I Love

• Paweł Pawlikowski – Fatherland

• László Nemes – Moulin

• Léa Mysius – Histoires de la nuit

• Cristian Mungiu – Fjord

• Emmanuel Marre – Notre Salut

• Marie Kreutzer – Gentle Monster

• Kōji Fukada – Unos días en Nagi

• Na Hong-jin – Hope

• Hirokazu Kore-eda – Sheep in the Box

• Jeanne Herry – Garance

• Arthur Harari – L’Inconnue

• Ryûsuke Hamaguchi – Soudain

• Valeska Grisebach – L’aventure rêvée

• Lukas Dhont – Coward

• Javier Ambrossi y Javier Calvo – La Boule noire

• Charline Bourgeois-Tacquet – La vie d’une femme

• Asghar Farhadi – Histoires parallèles

• Pedro Almodóvar – Autofiction

Adiós al actor Jack Taylor

Leyenda del terror en cine europeo y rostro icónico del cine fantástico. De nombre real George Brown Randall nació el  21 de octubre de 1926 en Oregón, USA y falleció en Madrid, España, 12 de mayo de 2026.Este actor estadounidense, conocido por su larga trayectoria en el cine de terror y fantástico en Europa y por su participación en producciones como Conan el bárbaro o La novena puerta, falleció a los 99 años en Madrid, donde residía desde hace décadas en el barrio de Chamberí.

La noticia fue confirmada por la Academia de Cine, que destacó la extensa carrera del intérprete estadounidense. Taylor construyó una trayectoria singular que lo llevó desde Hollywood hasta México y finalmente a España, país donde se instaló en los años 60 y desarrolló la mayor parte de su carrera artística. En Estados Unidos no logró consolidarse en la industria cinematográfica, lo que lo llevó a buscar nuevas oportunidades en el cine latinoamericano y posteriormente en la emergente producción europea de género.

En Madrid encontró su verdadero espacio creativo dentro del cine de terror, la serie B y el fantástico, especialmente en colaboraciones con el director Jesús Franco, con quien rodó múltiples películas de culto como Necronomicon, La isla de la muerte, El conde Drácula y Mil gritos tiene la noche, donde interpretó al recordado profesor Arthur Brown. Estas producciones, muchas veces limitadas por la censura de la época, han adquirido con el tiempo un estatus de culto entre los aficionados al género.

Su físico y su acento extranjero lo convirtieron en un intérprete habitual de villanos y personajes enigmáticos, un tipo de papel que él mismo reconocía disfrutar. En entrevistas llegó a afirmar que prefería interpretar al “malo”, ya que solían ser los personajes más recordados.

A lo largo de su carrera, Taylor también participó en grandes producciones internacionales. Apareció en Cleopatra (1963), junto a Elizabeth Taylor, en Conan el bárbaro con Arnold Schwarzenegger, en La novena puerta de Roman Polanski junto a Johnny Depp y en Los fantasmas de Goya de Milos Forman. Su versatilidad le permitió alternar entre superproducciones y cine independiente de culto.

En España, además de su vínculo con el cine de terror, trabajó con figuras del cine y la cultura como Rocío Jurado, Manolo Escobar, Amparo Soler o Javier Bardem. También participó en proyectos televisivos como Curro Jiménez, dirigido por Pilar Miró.

Residió durante décadas en el barrio madrileño de Chamberí, donde se convirtió en una figura habitual y cercana dentro del entorno cultural. Su carrera, marcada por más de medio siglo de trabajo, refleja la historia de un actor extranjero que encontró en España un hogar artístico y dejó una huella profunda en el cine de género.

Con su fallecimiento desaparece una figura clave del cine fantástico europeo, recordado tanto por su presencia en grandes producciones como por su legado en el cine de culto.

Fuentes: INFOBAE, Wikipedia

Donald Sutherland (1935–2024)

Donald Sutheeland fue un icónico actor canadiense, reconocido por su impresionante versatilidad y una trayectoria que abarcó más de sesenta años en el cine y la televisión. 

Nació el 17 de julio de 1935 en Saint John, New Brunswick, Canadá. Estudió ingeniería y arte dramático en la Universidad de Toronto antes de trasladarse a Londres para formarse en la Academia de Música y Arte Dramático de Londres (LAMDA).

Mientras estaba en esta academia, Sutherland comenzó a aparecer en producciones menores, actuó en el Perth Repertory Theatre de Escocia en 1960. A los trece años, participó en una cinta de terror italiana y luego como actor a principios de los años 1960 en pequeños papeles en películas y en la televisión, 

Más adelante conseguiría sus primeros éxitos con Doce del patíbulo (1967), pero donde alcanza la fama y el estrellato es como un médico militar estadounidense en Corea en la exitosa comedia M*A*S*H* (1970), dirigida por Robert Altman y coprotagonizada por Elliot Gould. Luego ese mismo año trabajó en otro exitoso filme: Los violentos de Kelly, junto a Clint Eastwood. (En Cuba se conoció como El Botín de los Valientes) 

Al año siguiente realizó dos de sus mejores papeles en Klute (1971) junto a Jane Fonda, y como Jesucristo en Johnny tomó su fusil (1971). 

A mediados de la década de los años 1970, Sutherlad adquirió relevancia en la industria, dotándole de importantes papeles, como en el thriller de terror psicológico Don't Look Now de 1973 (filmado en Venecia y considerado un clásico moderno) o la premiada The Eagle Has Landed (1976), donde compartió escenas con Robert Duvall y Michael Caine. 

En 1976 se puso bajo las órdenes del afamado director Federico Fellini para encarnar al histórico seductor italiano Giacomo Casanova en la película Il Casanova di Federico Fellini. Ese mismo año y aprovechando su estancia italiana, Sutherland actúa en la superproducción Novecento (o 1900), un largometraje épico acerca del fascismo italiano, dirigido por Bernardo Bertolucci, y donde recibió buenas críticas por su trabajo. 

En 1978 participó en la exitosa película de ciencia ficción Invasion of the Body Snatchers, una nueva versión del original homónimo de 1956, junto a Jeff Goldblum, Leonard Nimoy y su amigo Robert Duvall. También participó en la serie de televisión canadiense internacionalmente popular Witness to Yesterday, en el papel del histórico médico de Montreal, Norman Bethune, médico y humanitario, que habla en gran medida de las experiencias de Bethune en la China revolucionaria. 

Comenzando la década de 1980, fue aplaudida su interpretación de un padre destrozado por la pérdida de su hijo en la película Gente corriente/Gente como uno (1980), de Robert Redford, ganadora de cuatro premios Óscar. Ese mismo año, narró la película A War Story, de la directora Anne Wheeler. 

En 1985 trabaja en Revolution, junto a Al Pacino, aunque la película no tuvo éxito de taquilla ni de crítica. Además, participó en el video musical del sencillo de Kate Bush, "Cloudbusting" (1985), interpretando al visionario Wilhelm Reich. En 1989 fue premiado por su actuación en el drama Una árida estación blanca, que tomaba lugar durante el apartheid de Sudáfrica, compartiendo escenas con Marlon Brando y Susan Sarandon. Ese mismo año, también trabajó con Sylvester Stallone en la película Lock Up (1989). 

En estos años Sutherland empieza a aceptar papeles secundarios, aunque con importancia argumental, en varias producciones de éxito. En 1991 encarnó al maniático piromaníaco Ronald Bartel en la película Llamaradas donde los personajes de Robert De Niro, Kurt Russell y William Baldwin deben hacer lo imposible para detenerlo. Oliver Stone lo eligió para que participara en su filme JFK (1991), acerca de la vida de John F. Kennedy y su misterioso asesinato. El mismo contó con Kevin Costner como protagonista y la participación de Tommy Lee Jones, Kevin Bacon, Gary Oldman y Joe Pesci, entre otros reconocidos actores. En 1992, dio vida a Merrick en la película Buffy the Vampire Slayer, junto a Kristy Swanson. En 1993, protagonizó la exitosa Seis grados de separación, un largometraje donde trabajó junto a Will Smith hacia el comienzo de su carrera en el cine.

En 1995, interpretó el papel del Coronel Mayor Donald McClintock en el thriller Outbreak, donde un virus amenaza con borrar a la humanidad de la Tierra en poco menos de tres días. El resto del reparto estuvo compuesto por actores de la talla de Dustin Hoffman, Kevin Spacey, Rene Russo, Morgan Freeman y Cuba Gooding Jr. Al año siguiente, en 1996, tuvo la oportunidad de compartir pantalla con su hijo Kiefer en Tiempo de matar, donde participaron junto a un reparto de grandes actores como Matthew McConaughey, Sandra Bullock, Samuel L. Jackson, Kevin Spacey y Ashley Judd. Sutherland interpretó al General P.G.T. Beauregard en la película de 1999, The Hunley. 

Ya en el nuevo milenio, actuó en grandes producciones como Cold Mountain en 2003, junto a Nicole Kidman, Renée Zellweger, Natalie Portman y otros grandes actores. Ese mismo año también actuó en The Italian Job, una de las películas de robos de mayor éxito, donde hace de un mentor de ladrones profesionales, con la actuación de Mark Wahlberg, Charlize Theron, Edward Norton y Seth Green. Esta película fue una nueva versión de la original de 1969, protagonizada por Michael Caine. 

Desde entonces, trabajó en títulos como Maleficio, Land of the Blind, En algún lugar de la memoria, drama que tuvo a Adam Sandler y Don Cheadle entre sus protagonistas; The Mechanic, La legión del águila, Man on the Train además de las cintas Horrible Bosses, Sofia y Jock.

Entre 2007 y 2009 participó en la serie Dirty Sexy Money, en la que interpretó al carismático Tripp Darling, un poderoso magnate de los viñedos, implicado en más de tres escandalosos asesinatos. En 2008, interpretó a Nigel Honeycut en la película Fool's Gold (Como locos... a por el oro), con Kate Hudson y Matthew McConaughey. También fue, durante 2010, el Conde Bartholomew en la miniserie original de la cadena Starz The Pillars of the Earth. 

En mayo de 2011, Sutherland fue elegido para el papel antagonista del Presidente Snow, en la adaptación cinematográfica de Los juegos del hambre (2012). La película fue estrenada en cines el 23 de marzo de 2012. Siguiendo el éxito de la primera, Sutherland retomó su papel en las películas secuelas: Los juegos del hambre: en llamas (2013), Los juegos del hambre: sinsajo - Parte 1 (2014) y Los juegos del hambre: sinsajo - Parte 2 (2015).

En 2016, fue miembro de la competición oficial de la 69.ª edición del Festival de Cine de Cannes. En 2018, Sutherland interpretó al magnate petrolero J. Paul Getty en la serie dramática histórica FX Trust. En 2020, apareció en la serie limitada de HBO The Undoing (2020) junto a Hugh Grant y Nicole Kidman. Sutherland interpreta el papel del Sr. Harrigan en la película de Netflix de 2022 Mr. Harrigan's Phone escrita y dirigida por John Lee Hancock, basada en la novela corta del mismo nombre del libro If It leeds de Stephen King.

A pesar de ser uno de los actores más respetados, nunca recibió una nominación competitiva al Oscar, por lo que la Academia le otorgó un Óscar Honorífico en 2017 por su trayectoria.  Falleció en Miami el 20 de junio de 2024 a los 88 años de edad.

Peaky Blinders, 2013.

No soy de recomendar series extensas. hago esta excepción por una de las series mejor valoradas tanto por la crítica especializada como por el público,me refiero a Peaky Blinders, una serie de televisión inglesa de drama histórico, emitida por el canal BBC Two. La serie está protagonizada por Cillian Murphy y se centra en una familia de gánsteres de Birmingham, durante los años veinte y del ascenso de su jefe, Thomas Shelby, un mafioso que dominará toda Inglaterra, después de afrontar una terrible guerra. Shelby, pese a ser un criminal y un mafioso, tiene rasgos antiheroicos, pues es un personaje ambivalente que, pese a su brutalidad, en muchas ocasiones es la única esperanza para terminar con otros villanos que pueden considerarse más viles y mezquinos que él.

Los creadores de la serie se basaron en los Peaky Blinders, una banda criminal que existió en la ciudad de Birmingham en las primeras décadas del siglo XX. 

Está producida por BBC Studios, Caryn Mandabach Productions y Tiger Aspect Productions, comenzando su emisión en septiembre de 2013. En octubre de ese mismo año, la controladora de BBC Two, Janice Hadlow, anunció que Peaky Blinders había sido renovada para una segunda temporada, que se emitió en 2014. En septiembre de 2015 se inició el rodaje de la tercera temporada, que comenzó su emisión en mayo de 2016. Antes de terminar la temporada, la BBC anunció la renovación de la serie por una cuarta y quinta temporada. Esta cuarta se estrenó en el último trimestre de 2017, mientras que la quinta temporada se estrenó en agosto de 2019. En enero de 2021 se anunció que la sexta serie sería la última, seguida de una película derivada, se estrenó el 27 de febrero de 2022 y finalizó el 3 de abril de 2022.

Peaky Blinders ha logrado el reconocimiento unánime de la crítica especializada desde su estreno y ha sido elogiada por su cuidada ambientación, sus guiones y la actuación de su reparto. La serie ha logrado varios premios, entre ellos el de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión al Mejor Director y Mejor Fotografía; y el premio de la Academia Irlandesa de Cine y Televisión al Mejor Actor Principal.

Tiene en total 6 Temporadas con 36 episodios y está disponible en varias plataformas, Netflix entre ellas.

Ficha Técnica:

Título original: Peaky Blinders

País de origen: Reino Unido

Género: Drama histórico, crimen, neo-noir

Creador y guionista: Steven Knight

Productores: Caryn Mandabach Productions, Tiger Aspect Productions

Directores destacados: Otto Bathurst, Tom Harper, Colm McCarthy, Tim Mielants, David Caffrey, Anthony Byrne

Fotografía: George Steel, Simon Dennis, Laurie Rose, Si Bell 

Reparto Principal

• Cillian Murphy: Thomas "Tommy" Shelby

• Helen McCrory: Elizabeth "Polly" Gray

• Paul Anderson: Arthur Shelby

• Sophie Rundle: Ada Shelby

• Joe Cole: John Shelby

• Finn Cole: Michael Gray

• Tom Hardy: Alfie Solomon

40 Segundos.

 Una colaboración de Hamlet Araya González. Clik en los Enlaces de Interés

The Green Mile, 1999

Nuevamente vi anoche la conmomedora película La Milla Verde. Es de esas películas que uno disfruta cada vez que la ve. Milagros inesperados, 1999 (conocida en España como La milla verde y en  Latiniamérica como milagros inesperados), dirigida por Frank Darabont, es ampliamente considerada una de las películas más conmovedoras y memorables de la historia del cine. Basada en la novela de Stephen King, la obra combina el drama carcelario con elementos de fantasía y misterio.

Tanto la crítica como el público suelen describirla como una "obra maestra" que logra mantener el interés a pesar de sus tres horas de duración. Se destaca la habilidad de Darabont para narrar historias humanas en entornos carcelarios, tal como lo hizo en Sueño de Fuga (También conocida por Cadena Perpetua). La interpretación de Tom Hanks como el guardia Paul Edgecomb es muy valorada, pero es Michael Clarke Duncan quien se lleva gran parte de los elogios por su papel de John Coffey, un personaje cuya bondad y "don" sobrenatural contrastan con su imponente presencia física.  Es célebre por su capacidad para hacer llorar a la audiencia. Los espectadores suelen comentar cómo la película explora temas profundos como la injusticia, el sacrificio y la redención

La película critica duramente la maldad del hombre hacia sus semejantes y cómo los sistemas legales pueden fallar horriblemente al juzgar. Muchos análisis sugieren que John Coffey es una figura mesiánica, un "ángel" o representante divino que sufre por los pecados ajenos y desea la muerte para escapar del dolor del mundo. 

Críticas actuales de sitios como Common Sense Media señalan que la película no ha envejecido perfectamente en algunos aspectos, debido a que se apoya en el tropo cinematográfico del personaje negro cuyo único propósito es salvar o curar a los protagonistas blancos.

La Milla Verde, el título original hace referencia al pasillo que recorren los condenados a muerte, cubierto de linóleo verde, simbolizando el camino final hacia la ejecución. 

Que decir de este excelente trabajo del director, a mi particularmente me parece una de las mejores adaptaciones al cine de un trabajo literario (en este caso no novela), que llega a convencer a todos, crítica, público, e incluso, al autor del relato Stephen King, que se mostró muy satisfecho con el resultado.

Creo personalmente que el éxito de esta película, aparte de la estupenda factura técnica, se debe a la fuerza del guion y la composición de los personajes, teniendo en cuenta que todo trascurre en "el corredor de la muerte" es muy meritorio exprimir de los personajes todos los sentimientos que se despliegan a lo largo del  metraje, la humanización de los que, van a ser, en definitiva, asesinados (como ellos lo son) y la relación que tienen entre ellos, unos carceleros extraordinariamente sensibles y comprensivos, menos uno de ellos,  y como se edulcora las situaciones de un modo natural, sobre todo un sistema restrictivo y anticuado, sobre una institución siempre polémica, como es la pena de muerte, resulta en conjunto una sensible forma de narrar una historia (perfectamente hilada por otra parte).

El filme tiene como argumento a Paul Edgecomb, un anciano que vive en un centro de vida asistida se emociona un día mientras ven una película clásica en blanco y negro. Elaine, una anciana que vive allí y es su mejor amiga, cuestiona las emociones de Paul, quien explica que la película le recordó cuando trabajaba como guardia de prisión durante la Gran Depresión.

En 1935, Paul, de mediana edad, trabaja en el corredor de la muerte de la prisión estatal Cold Mountaín en Luisiana, en el peor momento de la segregación racial, junto con Brutus Howell, Dean Stanton, Harry Terwilliger y Percy Wetmore. Un día recibieron a un prisionero llamado John Coffey, un hombre alto de raza negra que ha sido condenado por violar y asesinar a dos niñas. A pesar de ser el autor de uno de los crímenes más atroces vistos en los últimos años, Coffey es un prisionero modelo, amable y obediente, con el intelecto y personalidad de un niño pequeño e inocente.

Paul padece una dolorosa infección urinaria hasta el día en que se acerca descuidadamente a John Coffey y este lo atrapa para curar su enfermedad tragando el mal que la provoca para después destruirlo al vomitarlo. Eduard Delacroix, otro condenado a muerte ha adoptado a un ratón al que llama Señor Jingles y Percy, que es sádico, cobarde, arrogante ya que alardea de tener impunidad de acción debido a que es sobrino de la esposa del gobernador, aplasta al ratón para burlarse de Delacroix, pero John lo salva antes de que muera. Al ver que John puede realizar milagros, Paul duda de que sea culpable de sus crímenes.

Paul y los otros guardias se enteran de que Melinda, la esposa de Hal Moores, el director de la prisión, tiene un tumor cerebral y ha sido desahuciada. Ya que se trata de una mujer noble y querida por todos, los guardias deciden sacar a John sin permiso una noche y llevarlo a casa de Hal. Para salir sin llamar la atención, encierran a Percy en la celda de confinamiento solitario fingiendo que es un castigo por lo que hizo a Delacroix y drogan a William para que no los vea salir; sin embargo, mientras John pasa frente a su celda, Wharton lo toca antes de caer dormido por los somníferos, lo que provoca un inexplicable pánico en John.

Una vez en casa de Hal, John cura a Melinda, pero se niega a vomitar el mal que extrajo de ella a pesar de que parece enfermarlo. De vuelta en prisión, cuando liberan a Percy, John lo atrapa y le traspasa lo que extrajo de Melinda dañando con ello su cordura; tras esto, Percy acribilla a William y queda en estado catatónico. John usa sus poderes para mostrar a Paul por medio de una visión que, al ser tocado por William, descubrió que era el verdadero asesino de las niñas confirmando también que él mismo realmente era inocente ya que solo intentó salvarlas cuando las encontró. 

Paul se muestra reacio a ejecutar a John y le ofrece dejarlo huir, pero John le explica que ve la ejecución como un acto de misericordia, ya que se vive en constante sufrimiento porque cada segundo siente en sí mismo el dolor que las personas de todo el mundo se infligen entre sí. Los guardias, como último deseo, dejan que John vea una película y coma una comida casera. Después de la película, John es ejecutado ante el dolor de los guardias que lo conocieron.

En la actualidad, el anciano Paul termina su historia mencionando que después de la ejecución de John, él y Brutus renunciaron a la prisión y tomaron un trabajo en el sistema juvenil. Elaine, rápidamente saca cuentas razonando que la historia no puede ser verdad ya que por las fechas implicaría que Paul tiene más de un siglo; ante esto Paul la lleva a un escondite donde mantiene oculto al Señor Jingles, señalando que tras la muerte de John lo encontró y lo ha cuidado. Paul explica que ambos recibieron la energía de John en más de una ocasión y eso parece haber extendido sus vidas de forma sobrenatural y durante décadas Paul ha debido ver envejecer y morir a todos los que ama llegando a comprender que su longevidad es un castigo de Dios por matar a uno de sus milagros.

Ficha Técnica

Título original: The Green Mile

Año: 1999

País: Estados Unidos

Director: Frank Darabont

Guion: Frank Darabont (basado en la obra de Stephen King)

Música: Thomas Newman

Fotografía: David Tattersall

Montaje: Richard Francis-Bruce

Reparto: Tom Hanks como Paul Edgecomb

Michael Clarke Duncan como John Coffey

                David Morse como Brutus "Brutal" Howell

                Bonnie Hunt como Jan Edgecomb

               James Cromwell como Hal Moores

La película obtuvo 4 nominaciones al Oscar aunque no obtuvo ninguno. Fue nominada en las categorias:

Mejor Película

Mejor Actor de Reparto. ( Michael Clarke Duncan quién falleció poco después, en 2012)

Mejor Guion Adaptado 

 Mejor Sonido.