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3 de mayo de 2026

The Green Mile, 1999

Nuevamente vi anoche la conmomedora película La Milla Verde. Es de esas películas que uno disfruta cada vez que la ve. Milagros inesperados, 1999 (conocida en España como La milla verde y en  Latiniamérica como milagros inesperados), dirigida por Frank Darabont, es ampliamente considerada una de las películas más conmovedoras y memorables de la historia del cine. Basada en la novela de Stephen King, la obra combina el drama carcelario con elementos de fantasía y misterio.

Tanto la crítica como el público suelen describirla como una "obra maestra" que logra mantener el interés a pesar de sus tres horas de duración. Se destaca la habilidad de Darabont para narrar historias humanas en entornos carcelarios, tal como lo hizo en Sueño de Fuga (También conocida por Cadena Perpetua). La interpretación de Tom Hanks como el guardia Paul Edgecomb es muy valorada, pero es Michael Clarke Duncan quien se lleva gran parte de los elogios por su papel de John Coffey, un personaje cuya bondad y "don" sobrenatural contrastan con su imponente presencia física.  Es célebre por su capacidad para hacer llorar a la audiencia. Los espectadores suelen comentar cómo la película explora temas profundos como la injusticia, el sacrificio y la redención

La película critica duramente la maldad del hombre hacia sus semejantes y cómo los sistemas legales pueden fallar horriblemente al juzgar. Muchos análisis sugieren que John Coffey es una figura mesiánica, un "ángel" o representante divino que sufre por los pecados ajenos y desea la muerte para escapar del dolor del mundo. 

Críticas actuales de sitios como Common Sense Media señalan que la película no ha envejecido perfectamente en algunos aspectos, debido a que se apoya en el tropo cinematográfico del personaje negro cuyo único propósito es salvar o curar a los protagonistas blancos.

La Milla Verde, el título original hace referencia al pasillo que recorren los condenados a muerte, cubierto de linóleo verde, simbolizando el camino final hacia la ejecución. 

Que decir de este excelente trabajo del director, a mi particularmente me parece una de las mejores adaptaciones al cine de un trabajo literario (en este caso no novela), que llega a convencer a todos, crítica, público, e incluso, al autor del relato Stephen King, que se mostró muy satisfecho con el resultado.

Creo personalmente que el éxito de esta película, aparte de la estupenda factura técnica, se debe a la fuerza del guion y la composición de los personajes, teniendo en cuenta que todo trascurre en "el corredor de la muerte" es muy meritorio exprimir de los personajes todos los sentimientos que se despliegan a lo largo del  metraje, la humanización de los que, van a ser, en definitiva, asesinados (como ellos lo son) y la relación que tienen entre ellos, unos carceleros extraordinariamente sensibles y comprensivos, menos uno de ellos,  y como se edulcora las situaciones de un modo natural, sobre todo un sistema restrictivo y anticuado, sobre una institución siempre polémica, como es la pena de muerte, resulta en conjunto una sensible forma de narrar una historia (perfectamente hilada por otra parte).

El filme tiene como argumento a Paul Edgecomb, un anciano que vive en un centro de vida asistida se emociona un día mientras ven una película clásica en blanco y negro. Elaine, una anciana que vive allí y es su mejor amiga, cuestiona las emociones de Paul, quien explica que la película le recordó cuando trabajaba como guardia de prisión durante la Gran Depresión.

En 1935, Paul, de mediana edad, trabaja en el corredor de la muerte de la prisión estatal Cold Mountaín en Luisiana, en el peor momento de la segregación racial, junto con Brutus Howell, Dean Stanton, Harry Terwilliger y Percy Wetmore. Un día recibieron a un prisionero llamado John Coffey, un hombre alto de raza negra que ha sido condenado por violar y asesinar a dos niñas. A pesar de ser el autor de uno de los crímenes más atroces vistos en los últimos años, Coffey es un prisionero modelo, amable y obediente, con el intelecto y personalidad de un niño pequeño e inocente.

Paul padece una dolorosa infección urinaria hasta el día en que se acerca descuidadamente a John Coffey y este lo atrapa para curar su enfermedad tragando el mal que la provoca para después destruirlo al vomitarlo. Eduard Delacroix, otro condenado a muerte ha adoptado a un ratón al que llama Señor Jingles y Percy, que es sádico, cobarde, arrogante ya que alardea de tener impunidad de acción debido a que es sobrino de la esposa del gobernador, aplasta al ratón para burlarse de Delacroix, pero John lo salva antes de que muera. Al ver que John puede realizar milagros, Paul duda de que sea culpable de sus crímenes.

Paul y los otros guardias se enteran de que Melinda, la esposa de Hal Moores, el director de la prisión, tiene un tumor cerebral y ha sido desahuciada. Ya que se trata de una mujer noble y querida por todos, los guardias deciden sacar a John sin permiso una noche y llevarlo a casa de Hal. Para salir sin llamar la atención, encierran a Percy en la celda de confinamiento solitario fingiendo que es un castigo por lo que hizo a Delacroix y drogan a William para que no los vea salir; sin embargo, mientras John pasa frente a su celda, Wharton lo toca antes de caer dormido por los somníferos, lo que provoca un inexplicable pánico en John.

Una vez en casa de Hal, John cura a Melinda, pero se niega a vomitar el mal que extrajo de ella a pesar de que parece enfermarlo. De vuelta en prisión, cuando liberan a Percy, John lo atrapa y le traspasa lo que extrajo de Melinda dañando con ello su cordura; tras esto, Percy acribilla a William y queda en estado catatónico. John usa sus poderes para mostrar a Paul por medio de una visión que, al ser tocado por William, descubrió que era el verdadero asesino de las niñas confirmando también que él mismo realmente era inocente ya que solo intentó salvarlas cuando las encontró. 

Paul se muestra reacio a ejecutar a John y le ofrece dejarlo huir, pero John le explica que ve la ejecución como un acto de misericordia, ya que se vive en constante sufrimiento porque cada segundo siente en sí mismo el dolor que las personas de todo el mundo se infligen entre sí. Los guardias, como último deseo, dejan que John vea una película y coma una comida casera. Después de la película, John es ejecutado ante el dolor de los guardias que lo conocieron.

En la actualidad, el anciano Paul termina su historia mencionando que después de la ejecución de John, él y Brutus renunciaron a la prisión y tomaron un trabajo en el sistema juvenil. Elaine, rápidamente saca cuentas razonando que la historia no puede ser verdad ya que por las fechas implicaría que Paul tiene más de un siglo; ante esto Paul la lleva a un escondite donde mantiene oculto al Señor Jingles, señalando que tras la muerte de John lo encontró y lo ha cuidado. Paul explica que ambos recibieron la energía de John en más de una ocasión y eso parece haber extendido sus vidas de forma sobrenatural y durante décadas Paul ha debido ver envejecer y morir a todos los que ama llegando a comprender que su longevidad es un castigo de Dios por matar a uno de sus milagros.

Ficha Técnica

Título original: The Green Mile

Año: 1999

País: Estados Unidos

Director: Frank Darabont

Guion: Frank Darabont (basado en la obra de Stephen King)

Música: Thomas Newman

Fotografía: David Tattersall

Montaje: Richard Francis-Bruce

Reparto: Tom Hanks como Paul Edgecomb

Michael Clarke Duncan como John Coffey

                David Morse como Brutus "Brutal" Howell

                Bonnie Hunt como Jan Edgecomb

               James Cromwell como Hal Moores

La película obtuvo 4 nominaciones al Oscar aunque no obtuvo ninguno. Fue nominada en las categorias:

Mejor Película

Mejor Actor de Reparto. ( Michael Clarke Duncan quién falleció poco después, en 2012)

Mejor Guion Adaptado 

 Mejor Sonido. 

28 de abril de 2026

Michael, 2026

El pasado fin de semana fui a la sala oscura a ver el estreno de Michael basada en la  vida del rey del pop y figura controvertida del espectáculo. Me quede con los deseos de un buen cine. 

Michael es una película biográfica de drama musical estadounidense sobre el cantante Michael Jackson. Estrenada en 2026. Dirigida por Antoine Fuqua y  escrita por John Logan. La historia abarca desde la participación de Michael en los Jackson 5 en los años 60 hasta el tour Bad World Tour en la década de 1980. Jackson es interpretado por su sobrino Jaafar Jackson y, de niño, por Juliano Krue Valdi, ambos en su debut cinematográfico. El elenco secundario incluye a Nia Long, KeiLyn Durrel Jones, Laura Harrier, Jessica Sula, Mike Myers, Miles Teller y Colman Domingo.

El desarrollo comenzó en noviembre de 2019, cuando se informó que el productor Graham King había adquirido los derechos para producir una película sobre Jackson, con Logan como guionista. Lionsgate Films anunció la película en febrero de 2022. Fuqua fue anunciado como director en enero de 2023, y el casting comenzó ese mismo mes con la elección de Jaafar; el resto del casting se llevó a cabo entre enero y abril de 2024.

Tras los retrasos ocasionados por la Huelga SAG-AFTRA de 2023, el rodaje tuvo lugar entre enero y mayo de 2024. Tras descubrirse una cláusula en un acuerdo legal, se eliminaron las referencias a las acusaciones de abuso sexual infantil contra Jackson en 1993, se revisó el tercer acto y se volvieron a filmar escenas en junio de 2025. Estudios como Industrial Light & Magic se encargaron de los efectos visuales.

El primer tráiler, lanzado en noviembre de 2025, se convirtió en el más visto de cualquier película biográfica musical o de concierto. Michael se estrenó en Berlín el 10 de abril de 2026 y fue estrenada el 24 de abril por Lionsgate en Estados Unidos y por Universal Pictures en otras partes del mundo. Recibió críticas generalmente negativas; los críticos elogiaron la actuación de Jaafar Jackson pero criticaron la historia por estar "edulcorada". Ha recaudado, hasta el momento, 217 millones de dólares.

En 1966, el obrero siderúrgico Joseph Jackson reunió a sus cinco hijos en la banda musical Jackson 5, con el menor, Michael, como vocalista principal. Tras meses de agotadores ensayos, que incluyeron medidas disciplinarias por parte de Joseph, los Jackson 5 comenzaron a actuar hasta que firmaron con Motown. Sus álbumes alcanzaron la cima de las listas y agotaron las entradas de sus conciertos en todo Estados Unidos, lo que les permitió mudarse de Gary, Indiana, a una mansión en Encino, California. El fundador de Motown, Berry Gordy, creía que Michael tenía más potencial como estrella en solitario.

En 1978, Michael firma con Epic Records para su primer álbum en solitario, Off the Wall, producido por Quincy Jones. A pesar de su éxito, Joseph lo frena, creyendo que es el único responsable de la fortuna de sus hijos. Tras una discusión con Joseph, Michael sigue el consejo de su guardaespaldas y amigo íntimo, Bill Bray, y forja su propio camino. En 1981, contrata a John Branca como su abogado y le pide que despida a Joseph por fax. Sintiendo inseguridad sobre su apariencia, Michael se somete a una rinoplastia para reducir el tamaño de su nariz.

Además de visitar hospitales infantiles, Michael experimenta con ideas para su próximo álbum, cuyo lanzamiento está previsto para 1982. Tras ver un reportaje sobre la guerra de pandillas entre los Crips y los Bloods, compone "Beat It". Michael y Jones tienen dificultades para ponerle nombre al álbum, pero después de ver películas de terror en la televisión, Michael se decide por el título Thriller. Con el álbum batiendo récords de ventas, Michael y Branca viajan a Nueva York para pedirle al presidente de CBS Records, Walter Yetnikoff, que consiga que MTV emita los vídeos musicales de Michael. MTV accede a darle tiempo en antena a pesar de que Yetnikoff pretende retirar el catálogo de CBS Records de la cadena. Con esto, Michael logra convertir su música en un éxito global, se presenta en El especial del 25 aniversario de Motown para mostrar su coreografía de su canción Billie Jean, y con ella su nuevo paso de baile, el Moonwalk.

Mientras Michael disfruta de su éxito, Joseph se reúne con el promotor de boxeo Don King para hablar sobre una posible gira de reunión de los Jackson en 1984. King le ofrece a Joseph un contrato de patrocinio con PepsiCo, con la condición de que Michael salga de gira con los Jackson. Durante la grabación de un anuncio de Pepsi, una chispa de los fuegos artificiales prende fuego al cabello de Michael, causándole quemaduras de tercer grado y daños nerviosos. Él y Branca demandan a Pepsi por los daños, y la indemnización se destina al centro de quemados donde fue tratado.

Durante su estancia en el hospital, Michael se convence de que quizás su verdadero propósito de vida es ayudar y sanar el mundo, por eso decide que el dinero que recauden debe estar destinado a donaciones. Una vez recuperado, Michael sale de gira con sus hermanos. Durante el último concierto en el Dodger Stadium, Michael anuncia que es la última vez que los Jackson actuarán juntos, rompiendo así su relación con Joseph. Michael actúa en el estadio de Wembley durante la gira Bad en 1988, interpretando dicha canción.

En general se disfruta de la película solamente la banda sonora y la fotografía. Lo demás queda por debajo de la expectativa. Las actuaciones dejan mucho que desear, en particular la del padre de los Jackson, casi una caricatura. Veremos si la insinuada segunda parte mejora.

Ficha Técnica

Título Original: Michael

Año: 2026

Dirección: Antoine Fuqua

Guion: John Logan

Protagonista: Jaafar Jackson (como Michael Jackson)

Reparto Destacado: Colman Domingo (Joe Jackson), Nia Long (Katherine Jackson), Miles Teller

Género: Biográfica, Drama, Música

24 de abril de 2026

Cónclave, 2024

 

La película, dirigida por Edward Berger y protagonizada por Ralph Fiennes, es aclamada como un thriller político tenso y entretenido, ambientado en el Vaticano. La crítica destaca su impecable factura técnica, fotografía y actuaciones, señalando que equilibra la tradición y la modernidad con un giro final impactante. 

"Cónclave"  nos sumerge en la compleja y hermética elección del nuevo Papa tras la muerte del Santo Padre. Un thriller político con actuaciones estelares encabezadas por Ralph Fiennes, que combina religión, poder y traición dentro del Vaticano. Ofrece una perspectiva íntima y cargada de tensión sobre la elección de un nuevo Papa.

 Esta producción anglo-alemana, incluye en su elenco, además de Fiennes, a Stanley Tucci, Sergio Castellitto e Isabella Rossellini, se centra en los oscuros pasillos del Vaticano, donde más de cien cardenales se enfrentan a tensiones políticas y religiosas para definir el futuro de la Iglesia católica.

La trama de Cónclave no solo se enfoca en la elección de un líder espiritual, sino también en las intrigas políticas y los secretos que se ocultan tras las majestuosas paredes del Vaticano. Ralph Fiennes, en el papel del Cardenal Lawrence, lidera el cónclave mientras lidia con la tensión creciente entre los distintos sectores de la Iglesia. La película destaca por su capacidad de mantener al espectador al borde del asiento con giros inesperados y revelaciones que aumentan el suspenso. La elección papal se convierte en un juego de poder que, más allá de lo religioso, revela ambiciones personales y luchas internas.

El elenco ofrece interpretaciones excepcionales, con diálogos que fluyen de manera natural en italiano y latín, transportando al público directamente a las ceremonias más solemnes del Vaticano. Los actores secundarios, como Stanley Tucci y Isabella Rossellini, enriquecen la narrativa con personajes que esconden ambiciones ocultas y deseos de poder.

La recreación de la Capilla Sixtina y los detallados escenarios refuerzan la inmersión en el universo vaticano. La dirección artística se luce en cada rincón, desde las vestiduras papales hasta los ornamentos que decoran los salones del Vaticano, lo que añade profundidad a la atmósfera tensa y envolvente que caracteriza a Cónclave.

El director Edward Berger logra un delicado balance entre la tensión política y los momentos de distensión, aportando un sutil toque de humor que aligera el peso de las conspiraciones en algunos momentos. A medida que avanza la película, el suspenso crece, culminando en un desenlace que deja al espectador reflexionando sobre las profundas implicaciones del poder y la fe. La capacidad de Berger para dirigir con precisión tanto los momentos de alta tensión como las escenas más íntimas y silenciosas es lo que eleva a Cónclave por encima de otros thrillers religiosos.

Principales Comentarios y Críticas:

Actuaciones y Dirección: La actuación de Ralph Fiennes como el cardenal Thomas Lawrence es ampliamente elogiada por su matizada interpretación del sentido del deber y la crisis de fe. El elenco internacional, que incluye a Stanley Tucci e Isabella Rossellini, también ha recibido elogios por su calidad.

Trama y Ritmo: Se describe como una película clásica y concisa, más entretenida de lo esperado, que logra generar suspenso a través de las votaciones y los juegos de poder.

Aspectos Visuales: La película es elogiada por su cinematografía y diseño de producción, que evocan el arte renacentista.

Recibió 8 nominaciones al Oscar del 2025 obteniendo en la categoría de Mejor Guion Adaptado de Peter Straughan.

En los Premios BAFTA del 2025 Fue una de las grandes triunfadoras de la academia británica, obteniendo 4 premios: Mejor Película, Mejor Película Británica, Mejor Guion Adaptado y Mejor Diseño de Producción.

El Guion Adaptado de Straughan obtuvo además el Globo de Oro.

Ficha Técnica.

Título original: Cónclave

Dirección: Edward Berger

Guion: Peter Straughan (basado en la novela de Robert Harris)

Música: Volker Bertelmann

Fotografía: Stéphane Fontaine

Reparto Principal:

o Ralph Fiennes como el Cardenal Lawrence

o Stanley Tucci como el Cardenal Bellini

o John Lithgow como el Cardenal Tremblay

o Isabella Rossellini como la Hermana Agnes

o Sergio Castellitto como el Cardenal Tedesco


23 de abril de 2026

Nurumberg, 2026

Les recomiendo la película “Nuremberg” que llegó a los cines en el mes de marzo de este año, sumando una nueva propuesta al panorama cinematográfico con su retrato de los juicios históricos contra el liderazgo nazi tras la Segunda Guerra Mundial. El filme, dirigido por James Vanderbilt y protagonizado por Russell Crowe en el rol de Hermann Göring y Rami Malek como el psiquiatra militar Douglas Kelley, plantea una mirada centrada en la tensión moral y psicológica detrás de uno de los procesos judiciales más influyentes del siglo XX.

Crowe subrayó que la producción de “Nuremberg” demandó cinco años de investigación y un estricto proceso de documentación para asegurar una representación fiel de los hechos y personajes involucrados, según explicó en una entrevista reciente con The Rake.

El proyecto apostó por un casting y un guion enfocados en destacar la complejidad de la condición humana y las consecuencias de la responsabilidad individual en contextos de poder extremo. Crowe precisó que la vigencia política y moral de Nuremberg persiste, ya que el drama examina cómo sistemas aparentemente sólidos pueden corromperse y cómo las sociedades afrontan —o evitan— el aprendizaje de sus capítulos más oscuros. La película se basa en el libro El nazi y el psiquiatra de Jack El-Hai y traslada a la pantalla preguntas clave sobre el origen del mal y las motivaciones ordinarias detrás de decisiones históricas, aspectos que el actor consideró esenciales para evitar simplificaciones en la interpretación de figuras históricas controvertidas.

En su diálogo con The Rake, Crowe detalló la metodología de rodaje y el rigor ético requeridos para interpretar a Göring. Explicó que, para capturar la dualidad del personaje, decidió evitar un retrato unívoco del villano y enfocarse en las contradicciones biográficas y psicológicas del mariscal nazi, desde su desempeño académico militar hasta la creación de la Gestapo y la firma de las órdenes que habilitaron la “Solución Final”. Según Crowe, la “música [del personaje] es de acordes grandes y desordenados, ambas manos sobre el teclado”; un trabajo de matices que, en su opinión, demanda el género y el contexto histórico de la obra.

La gestación de Nuremberg, en términos industriales, implicó superar múltiples crisis financieras y un proceso de desarrollo que se prolongó trece años, desde las primeras investigaciones de Vanderbilt hasta su llegada a la gran pantalla, según recogió The Washington Post. Vanderbilt sostuvo la preproducción pese a los retrocesos en la obtención de fondos, impulsado por la densidad del guion y por el objetivo de que la película funcionara tanto como documento didáctico como relato dramático.

Una de las metodologías clave durante el rodaje consistió en mantener a los actores sin acceso previo a imágenes originales del Holocausto para las escenas principales del juicio. Vanderbilt instaló cámaras adicionales en el set para registrar las reacciones espontáneas del elenco al exponerse al material histórico, buscando así priorizar la autenticidad emocional y ética de la representación.

El reparto de Nuremberg incluye a Michael Shannon, John Slattery y Richard E. Grant, conformando un elenco que, según Crowe, funcionó como “un salón del Viejo Oeste”, donde cada intérprete afrontó la exigencia dramática del rodaje.

Nuremberg debutó con una ovación de pie en el Festival Internacional de Cine de Toronto, obteniendo reconocimiento inmediato de la crítica por la precisión de su investigación y la amplitud del enfoque narrativo. La cinta se distingue en el drama judicial histórico por su retrato detallado de los 218 días de audiencias y la participación de figuras clave como el fiscal Robert H. Jackson (interpretado por Michael Shannon), incluyendo aspectos menos explorados como el rol diplomático de la Iglesia Católica y la dinámica entre el tribunal internacional y las potencias Aliadas.

La recepción en Toronto se vio reforzada por el regreso de Crowe a un papel protagónico de alto perfil y su desempeño en alemán en el primer acto, lo que acentúa la apuesta de Vanderbilt por la autenticidad cultural y lingüística. Entre los desafíos narrativos, la película aborda la naturaleza del mal sin recurrir a clichés, invitando al espectador a analizar la normalidad aparente de quienes cometieron el genocidio y a reflexionar sobre el auge actual de discursos de odio y autoritarismo.

La película mantiene la narrativa durante sus más de dos horas de duración sin menguar el interés del espectador. Consideramos que puede ser una candidata para la temporada de premios del próximo año.

Ficha Técnica

Título Original: Nuremberg

Título en Español: Nuremberg: El juicio del siglo

Dirección: James Vanderbilt

Guion: James Vanderbilt, basado en el libro The Nazi and the Psychiatrist de Jack El-Hai

Reparto Principal

Rami Malek como el Psiquiatra Douglas Kelley

Russell Crowe como Hermann Göring

Michael Shannon como Robert H. Jackson

Leo Woodall

Richard E. Grant

14 de marzo de 2026

Fresa y Chocolate, 1993

 

Han pasado más de 30 años desde el estreno de Fresa y Chocolate (1993) y su historia continúa emocionando, haciendo reflexionar y generando debate. Una película que no envejece, su mensaje sigue vivo.

Fresa y chocolate es un largometraje coproducción cubano-española-mexicana de 1993 codirigido por Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío. Es una película de género dramático y uno de los primeros ejemplos de temática LGBT en el cine realizado en países hispanos. Su elenco está encabezado por los actores Jorge Perugorría, Vladimir Cruz y Mirtha Ibarra y está basada en el cuento El lobo, el bosque y el hombre nuevo de Senel Paz, quien también escribió el guion.

Dos hombres se encuentran en la heladería habanera Coppelia , Jorge Perugorría como Diego, el artista culto, apasionado y valiente que defendía su derecho a pensar y vivir con libertad y Vladimir Cruz como David, el joven estudiante lleno de ideales y prejuicios que emprende un viaje de transformación personal coinciden en una mesa.

Ambientada en La Habana de finales de los años 1970 Fresa y Chocolate narra la historia de amistad entre estos dos jóvenes muy distintos: David y Diego

David es un ingenuo estudiante de Ciencias Políticas en la Universidad de La Habana. Joven, comunista convencido y lleno de prejuicios e ideas doctrinarias, se aloja en una residencia de estudiantes. El grupo con el que se relaciona está supervisado por Miguel (Francisco Gattorno), miembro del partido comunista.

Diego, un joven artista culto, homosexual, individualista y escéptico, conoce por casualidad a David y se siente atraído por el estudiante. Con el propósito de mantener relaciones sexuales, lleva a su casa a David bajo el pretexto de prestarle unos libros prohibidos que difícilmente podrá conseguir en las bibliotecas públicas o en las librerías que suelen frecuentar. David, al percatarse de las intenciones del artista, las rechaza y se marcha del edificio. No obstante, pasados unos días, el recelo es vencido por la fascinación que empieza a sentir por la vida que lleva el artista, su entorno y sus ideas.

Con el paso del tiempo ambos comienzan a cultivar una amistad sincera a pesar de sus diferencias ideológicas y personales. Diego se decanta por forjar una amistad sincera superando la atracción sexual con la que empezaron a conocerse. David comenzará a mantener una relación con Nancy (Mirtha Ibarra), la íntima amiga y vecina de Diego, que se dedica a la prostitución, y disfrutará de la enriquecedora amistad de Diego.

Al percatarse Miguel de esa amistad decide tender una trampa a Diego, utilizando a David, ya que al ser el artista homosexual lo considera contrarrevolucionario. El estudiante, dando largas, no participa en el proceso pero, como resultado, a Diego lo censuran y acosan en su trabajo. Al empeorar su situación personal y ante la imposibilidad de seguir viviendo en Cuba si no es trabajando en el sector de la construcción, Diego decide emigrar de la isla. Aunque David intenta convencerlo de que no se marche, la decisión del artista es firme. En la última escena, tras sincerarse ambos sobre los deseos íntimos y las motivaciones con las que se conocieron, se funden en un afectuoso y emotivo abrazo.

La película es considerada uno de los primeros ejemplos positivos en mostrar la homosexualidad en el cine realizado en Cuba y uno de los filmes más internacionales de su filmografía. También se suele destacar la trascendencia y perdurabilidad de su mensaje debido a la temática reflejada en la cinta. 

Dirigida por Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío, esta película hizo historia al convertirse en la primera nominada cubana al Premio Óscar como Mejor Película Extranjera y conquistar premios internacionales como el Oso de Plata en Berlín y el Premio Goya al mejor largometraje extranjero de habla hispana en la edición celebrada el 21 de enero de 1995.

Más que una película, fue un antes y un después en el cine nacional. Nos habló de amistad, tolerancia y libertad ideológica en una época compleja, abriendo caminos en la cultura cubana.

Ficha Técnica

Título: Fresa y chocolate.

Año: 1993.

País: Cuba, en coproducción con España y México.

Dirección: Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío.

Guion: Senel Paz, basado en su cuento El lobo, el bosque y el hombre nuevo.

Fotografía: Mario García Joya.

Música: José María Vitier. 

Reparto: Jorge Perugorría, Vladimir Cruz, Mirta Ibarra. 

6 de marzo de 2026

Pulp Fiction , 1994

Conocida por Tiempos Violentos en Hispanoamérica, está película es una de las mejores del director Quentin Tarantino, considerado por la crítica como uno de los mejores directores de la actualidad.

No existe en la filmografía de Quentin Tarantino, una película mala, según la crítica. Los expertos han catalogado a todos sus filmes como obras del séptimo arte. Pero no solo los periodistas especializados han inclinado la balanza para recomendar su cine, también el público tiene en alta estima a las cintas del artista originario de Knoxville, Tennessee. Pero de entre todas las buenas existe una película que supera a todas sus historias, y es considerada la mejor de su cinematografía. 

Esta película es una cinta disruptiva que se estrenó en la década de los años 90. ¿Por qué es considerada la mejor obra de Tarantino?.  Aunque es un tema de opinión subjetiva, los periodistas de cine y los medios más reconocidos de la industria del cine y el entretenimiento han coincidido en puntuar de manera positiva a Tiempos Violentos. Sitios especializados en crítica de cine como Rotten Tomatoes (con 92% de aprobación), Metacritic (95%), Tomatazos (94% positiva), y Filmaffinity (86%), han calificado a este filme con una puntuación bastante alta como para considerarla una cinta de culto. Pulp Fiction está narrada en un orden no cronológico y cuenta tres historias entrelazadas. La primera de ellas sigue al asesino a sueldo Vincent Vega mientras se ocupa de cuidar de Mia Wallace. El boxeador Butch Coolidge es el protagonista de la segunda y, finalmente, la tercera concierne al compañero de Vincent, Jules Winnfield. Las tres historias están relacionadas entre ellas para formar una intriga que ha sido descrita como «una trama por episodios, con acontecimientos circulares que tienen un principio y un final y en cuyos desarrollos se incluyen elementos y referencias a los otros episodios». Estas tres historias están repartidas a lo largo de las seis partes de la película:

La película puso a Tarantino en el radar internacional. El filme ganó la codiciada Palma de Oro en 1994, y obtuvo el Óscar a Mejor Guion Original. La cinta fue pionera en su estilo narrativo no lineal con diálogos ingeniosos, y atrapó al público de manera genuina gracias a su mezcla de géneros, la sátira y la violencia explícita. La diversidad de su elenco, John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Harvey Keitel, Tim Roth, entre otros, y la química entre ellos dieron como resultado, escenas deliciosas y memorables que cautivaron al respetable, elementos fundamentales que le dieron el éxito de la película.

Además de su carrera como director, Quentin Tarantino también ha tenido apariciones como actor en varias películas y programas de televisión. De igual manera escribió los guiones de las cintas La Fuga, Nacidos para Matar y Del Crepúsculo al Amanecer.

El propio cineasta ha expresado en diversas entrevistas que Tiempos Violentos representa una obra muy personal y que fue un punto de inflexión en su carrera como cineasta, que le permitió experimentar con técnicas narrativas no lineales y utilizar la violencia de manera efectiva para contar una historia compleja y entretenida. Esta cinta dio inicio a una colaboración fructífera con Samuel L. Jackson, uno de sus mejores amigos.


Se estrenó el 21 de mayo de 1994 en el Festival de Cine de Cannes, donde consiguió la Palma de Oro. Posteriormente, fue galardonada con el Globo de Oro al mejor guion y obtuvo siete candidaturas en la 67.ª edición de los Premios Óscar (entre ellos mejor película y mejor director) y, aunque solo obtuvo el Óscar al mejor guion original, recibió más de cuarenta premios internacionales y otras tantas nominaciones. En 2013, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. Hoy es propiedad de Paramount Pictures.

El filme tiene un reparto de estrellas que armonizaron entre si y brindaron unas muy buenas actuaciones. Algunas escenas son hoy consideradas imprescindibles en el 7mo arte.

Reparto: 

John Travolta - Vincent Vega

Samuel L. Jackson - Jules Winnfield

Uma Thurman - Mia Wallace

Bruce Willis - Butch Coolidge

Ving Rhames - Marsellus Wallace

Tim Roth - Pumpkin o Ringo

Amanda Plummer - Yolanda o Honey Bunny

Maria de Medeiros - Fabienne

Harvey Keitel - Winston Lobo

Eric Stoltz - Lance

Rosanna Arquette - Jody

Christopher Walken - Capitán

Películas Dirigidas (Orden Cronológico)

Tarantino ha declarado en múltiples ocasiones su intención de retirarse tras completar 10 películas. Hasta la fecha, ha dirigido las siguientes (contando Kill Bill como una sola obra en su numeración personal): 

Reservoir Dogs, 1992. (Perros de la calle): Su debut cinematográfico, un thriller sobre un atraco fallido famoso por su reparto y banda sonora.

Pulp Fiction, 1994. (Tiempos Violentos). Ganadora de la Palma de Oro en Cannes, es considerada una de las obras que lo consagró como cineasta.

Jackie Brown, 1997. (La estafa). Adaptación de la novela Rum Punch de Elmore Leonard, destacada por su homenaje al género blaxploitation.

Kill Bill: Volumen 1, 2003 y Volumen 2, 2004. Una épica de venganza que rinde tributo al cine de artes marciales y al spaghetti western.

Death Proof, 2007. (A Prueba de Muerte). Parte del proyecto Grindhouse, una película de terror y acción centrada en un especialista de cine psicópata.

Inglourious Basterds, 2009. (Bastardos sin Gloria). Una ucronía de la Segunda Guerra Mundial que el director ha calificado recientemente como su "mejor obra".

Django Unchained, 2012. (Django sin cadenas). Un western sobre un esclavo liberado que busca a su esposa, ganador de dos premios Óscar.

The Hateful Eight, 2015. (Los Ocho más Odiados). Un misterio ambientado en una posada durante una tormenta de nieve en Wyoming.

Once Upon a Time in Hollywood, 2019. (Erase una vez en Hollyood). Su novena película, un homenaje a la era dorada de Hollywood y su obra favorita personal. 

Otros Trabajos como Guionista y Colaborador

Además de sus proyectos propios, ha escrito o colaborado en los guiones de otras cintas destacadas: 

True Romance, 1993: Dirigida por Tony Scott.

Natural Born Killers, 1994: Historia original, dirigida por Oliver Stone.

From Dusk Till Dawn, 1996: Guionista y actor, dirigida por Robert Rodríguez.

Four Rooms, 1995. Dirigió el segmento titulado "The Man from Hollywood". 

3 de marzo de 2026

Hidden Figures, 2016


Talentos ocultos en Hispanoamérica y Figuras ocultas en España es una película biográfica norteamericana. Está basada en el libro de no ficción del mismo nombre de Margot Lee Shetterly. La película está protagonizada por Taraji P. Henson en el papel de Katherine Johnson, una matemática afroamericana que calculó las trayectorias de vuelo del proyecto Mercury y el vuelo a la Luna del Apolo 11 (1969), y por Octavia Spencer, Janelle Monáe, Kevin Costner, Kirsten Dunst y Jim Parsons. El film 'Talentos ocultos', cuenta la historia de un grupo de matemáticas afroamericanas que trabajaron en la NASA en una época marcada por la discriminación racial, de género y profesional.

El aviador y astronauta John Glenn –quien se entrenaba para su primer vuelo alrededor de la Tierra– leyó los números que el computador IBM de la NASA, había calculado sobre su futura travesía. Sin siquiera carraspear, miró a ingenieros y calculistas, y sentenció: “Me gusta dirigir las máquinas en las que vuelo y me parece que estos números indican que es esta máquina la que me va a dirigir a mí. Solo si traen a la chica para que revise las cifras, estaré listo para meterme en el Friendship 7”. La chica no era otra que la física, matemática y científica espacial Katherine Johnson que llegó desde el ala oeste del edificio Langley –donde trabajaba con un grupo de compañeras científicas afroamericanas– y revisó los números con sus lápices de mina y una pequeña máquina sumadora: estaban correctos.

Glenn, quien pasó a la historia como el primer astronauta estadounidense en orbitar tres veces el planeta Tierra y la quinta persona en viajar al espacio, confió en la palabra de Katherine Johnson. Eso fue el 20 de febrero de 1962. Detrás de este logro estaba Katherine, pero también Dorothy Vaughan, Mary Jackson, Christine Darden, Kathryn Peddrew, Sue Wilder y un equipo de científicas afroamericanas, todas sureñas, pueblerinas y de inteligencia aguda.

Este es el argumento principal de la película Talentos Ocultos que mostró un pequeño fragmento de la historia de los viajes espaciales en la época de la Guerra Fría por parte de los Estados Unidos y su deseo de ponerse al frente a toda costa en esta carrera entre ellos y la URSS.

Es una película bien realizada y bien recibida por los espectadores, a pesar de ser de un género de poco impacto en el público. Contó con muy buenas actuaciones del reparto femenino y con la experiencia de Kevin Costner.

Es de ese tipo de película que se ve más de una vez por tener escenas de gran impacto visual y dramático.

El 15 de diciembre de 2016 el entonces Presidente de los Estados Unidos Barack Obama recibió a Kevin Costner y el resto del reparto de Figuras Ocultas.

La película tuvo tres nominaciones a los Oscar: mejor película, mejor guion adaptado y mejor actriz de reparto (Octavia Spencer)

Ficha Técnica

Información General

Título original: Hidden Figures.

Año de lanzamiento: 2016 

País de origen: Estados Unidos.

Guion: Allison Schroeder y Theodore Melfi

Música: Hans Zimmer, Pharrell Williams y Benjamin Wallfisch.

Distribución y Estudio: 20th Century Fox. 

Reparto Principal

Taraji P. Henson como Katherine Johnson 

Octavia Spencer como Dorothy Vaughan 

Janelle Monáe como Mary Jackson 

Kevin Costner como Al Harrison 

Kirsten Dunst como Vivian Mitchell.

Jim Parsons como Paul Stafford.

Mahershala Ali como Jim Johnson.

Glen Powell como John Glenn  

22 de febrero de 2026

Blue Is the Warmest Colour, 2013


El azul es el color más cálido ( también La vida de Adéle )  es una película de drama romántico erótico de 2013 coescrita, coproducida y dirigida por Abdellatif Kechiche y protagonizada por Léa Seydoux y Adèle Exarchopoulos . La película sigue a Adèle (Exarchopoulos), una adolescente francesa, que descubre el deseo y la libertad cuando Emma (Seydoux), una aspirante a pintora, entra en su vida. Representa su relación sexual desde los años de escuela secundaria de Adèle hasta su vida adulta temprana y su carrera como maestra de escuela. La premisa de la película se basa en la novela gráfica de 2010 del mismo nombre de Jul Maroh .

La producción comenzó en marzo de 2012 y duró cinco meses. Se filmaron aproximadamente 800 horas de metraje, incluyendo extensas tomas B-roll, y Kechiche redujo el corte final a 180 minutos.  La película generó controversia, principalmente por las acusaciones del equipo y las actrices principales sobre las malas condiciones laborales en el set y la cruda representación de la sexualidad en la película. 

Adèle es una estudiante de secundaria introvertida de 15 años. Un día, se cruza con una mujer mayor de pelo corto y azul en la calle y se siente atraída al instante. Tiene relaciones sexuales con Thomas, un chico de la escuela, con lo que pierde su virginidad, pero al final no queda satisfecha y termina la relación. Tras tener intensas fantasías sexuales con la mujer de pelo azul mientras se masturba y besa a Béatrice, una de sus amigas, Adèle comienza a preocuparse por su identidad sexual . Béatrice dice que no quiere seguir adelante y le dice a Adèle que olvide el beso.

El amigo de Adèle, Valentin, abiertamente gay , la lleva a un bar gay . Adèle sale después y entra en un bar lésbico , donde algunas mujeres coquetean con ella. Emma, la estudiante de arte de pelo azul, está allí e interviene, alegando que Adèle es su prima. Emma y Adèle se hacen amigas. Tras la aparición de Emma en la escuela, los amigos de Adèle sospechan que es lesbiana y la marginan.

Adèle y Emma se acercan y se besan en un picnic. Más tarde tienen relaciones sexuales y comienzan una apasionada relación sexual. La familia artística de Emma recibe a Adèle, pero Adèle les dice a sus padres, conservadores y de clase trabajadora, que Emma es su tutora de filosofía. Algunos viejos amigos de Adèle asisten a su fiesta sorpresa de 18 años, pero Emma no.

En los años siguientes, las dos mujeres se mudan juntas. Adèle se convierte en maestra de preescolar, mientras que Emma intenta impulsar su carrera como pintora organizando frecuentes fiestas en casa. En una de ellas, Adèle conoce a Lise, la compañera de Emma que está embarazada, al galerista Joachim y al aspirante a actor Samir. Samir habla de Estados Unidos con Adèle mientras los demás hablan de sexo, y se hacen amigos. Emma pasa más tiempo en la fiesta con Lise.

Emma menosprecia la carrera de Adèle, pero la anima a dedicarse a la escritura, mientras que Adèle insiste en que es feliz tal como es. Su relación se tensa al quedar claro que tienen poco en común, salvo su mutua atracción física. Emma llega tarde a casa, tras haber pasado la noche trabajando con Lise. Por soledad, Adèle tiene relaciones sexuales con un colega profesor llamado Antoine. Emma descubre la infidelidad y, furiosa, rompe con Adèle.

Tres años después, se encuentran en un restaurante. Adèle está feliz con su trabajo como maestra de primaria, pero no ha superado su etapa: sigue profundamente enamorada de Emma. Emma mantiene una relación seria con Lise y ayuda a criar a su hija de tres años, pero Emma admite no sentirse realizada sexualmente. Emma y Adèle se besan, pero Emma se retira. Le dice a Adèle que ya no la ama, pero que su relación era especial y que siempre sentirá una ternura infinita por ella. Se separan entre disculpas y lágrimas.

Adèle asiste a la exposición de arte de Emma. En una pared hay un retrato de Adèle desnuda que Emma pintó durante el tiempo que estuvieron juntas. Emma saluda a Adèle, pero está concentrada en Lise y los demás invitados. Adèle felicita a Emma por su éxito y, tras una breve conversación con Samir, se marcha. Él la persigue, pero se equivoca de dirección, mientras Adèle se aleja.

La sexualidad lésbica es uno de los temas principales de la película, ya que la narrativa aborda la exploración de la identidad de Adèle en este contexto. Sin embargo, algunos académicos han cuestionado el tratamiento que la película da a la sexualidad lésbica, dado que fue dirigida por un hombre heterosexual. En Sight & Sound , la estudiosa de cine Sophie Mayer sugiere que en Blue is the Warmest Colour , «Al igual que la homofobia, la lesbiana se desvanece. Como ocurre con muchas fantasías masculinas sobre el lesbianismo, la película se centra en el éxito erótico y los fracasos afectivos de las relaciones entre mujeres».

La cuestión de la perspectiva también fue abordada en una reseña de Film Comment por Kristin M. Jones, quien escribió: "Los supuestamente sofisticados amigos de Emma hacen comentarios entusiastas sobre el arte y la sexualidad femenina que parecen reflejar el enfoque problemático del director hacia la representación de las mujeres". 

Un crítico ha sugerido que la película no es una película lésbica, destacando la exploración de la bisexualidad de Adèle. Paulina Plazas escribió en IndieWire que, a lo largo de la película, la eliminación de la bisexualidad es "fundamental para comprender la particular sensación de incompatibilidad de Adèle a medida que alcanza la mayoría de edad". 

Un elemento temático recurrente que la crítica y el público identificaron es la división de clases sociales y la exploración de la libertad y el amor entre los dos personajes centrales. La división de clases sociales es clara en las dos escenas de cena familiar: la familia conservadora y de clase trabajadora de Adèle discute temas relativamente banales, mientras que la familia de Emma, más abierta y de clase media, discute principalmente asuntos existenciales : arte , carrera, vida y pasión. Quizás una de las diferencias más significativas entre las familias es que Emma es consciente de su relación lésbica, mientras que a los padres conservadores de Adèle se les hace creer que las mujeres son solo amigas.  

A finales de 2011, se realizó un casting en París para encontrar a la actriz ideal para el papel de Adèle. La directora de casting, Sophie Blanvillain, descubrió a Adèle Exarchopoulos y luego organizó una reunión con Kechiche. Exarchopoulos describió cómo sus audiciones con Kechiche, a lo largo de dos meses, consistieron en improvisar guiones, conversar y sentarse en un café, sin hablar, mientras él la observaba. Fue más tarde, un día antes de Año Nuevo, cuando Kechiche decidió ofrecerle a Exarchopoulos el papel principal en la película; como declaró en una entrevista: «Elegí a Adèle en cuanto la vi. La llevé a comer a una brasserie . Pidió tarta de limón y cuando vi cómo la comía, pensé: "¡Es ella!"».  

Léa Seydoux fue elegida para interpretar a Emma diez meses antes de que comenzara el rodaje principal . Kechiche sintió que Seydoux "compartía la belleza, la voz, la inteligencia y la libertad de su personaje" y que tenía "algo de alma árabe". Añadió: "Lo decisivo durante nuestra reunión fue su visión de la sociedad: está muy conectada con el mundo que la rodea. Posee una auténtica conciencia social, un compromiso real con el mundo, muy similar al mío. Pude darme cuenta de su magnitud, ya que pasé un año entero con ella entre su elección para el papel y el final del rodaje". En declaraciones a IndieWire sobre la preparación para su papel, Seydoux comentó: "Durante esos diez meses [antes del rodaje] ya me reunía con él y recibía sus indicaciones. Pasábamos horas hablando de mujeres y de la vida; también tomé clases de pintura y escultura, y leí mucho sobre arte y filosofía". 

En cuanto a la cinematografía , las escenas de plano/contraplano de la película se rodaron simultáneamente con dos cámaras diferentes. Para Kechiche, esta técnica no solo facilita la edición, sino que también añade belleza a la escena, haciéndola más realista. Otro aspecto característico de la cinematografía de Blue es el predominio de los primeros planos . El director de fotografía Sofian El Fani utilizó la cámara Canon EOS C300 con objetivos zoom , y toda la producción se realizó mediante un flujo de trabajo digital. 

Tras su estreno en el Festival de Cannes de 2013, un informe del Sindicato Audiovisual y Cinematográfico deFrancia criticó las condiciones laborales del equipo. Según el informe, los miembros del equipo afirmaron que la producción se desarrolló en un ambiente "pesado" con un comportamiento cercano al "acoso moral", lo que llevó a algunos a renunciar. Otras críticas se centraron en la interrupción de los horarios de trabajo y los salarios.  Los técnicos acusaron a Kechiche de acoso, horas extras no pagadas y violaciones de la legislación laboral.  

En septiembre de 2013, Seydoux y Exarchopoulos también se quejaron del comportamiento de Kechiche durante el rodaje. Describieron la experiencia como "horrible" y dijeron que no volverían a trabajar con él.  Exarchopoulos comentó posteriormente sobre la ruptura: "Fue real, pero no tan grave como parece. Para mí, un rodaje es una aventura humana, y en toda aventura hay algún conflicto". En una entrevista de enero de 2014, Seydoux dijo: "Sigo muy contento con esta película. Fue difícil filmarla y quizá piensen que me quejé y que me estaban mimando, pero no es así. Solo dije que fue difícil. La verdad es que fue extremadamente difícil, pero no importa. No me importa que fuera difícil. Me gusta que me pongan a prueba. La vida es mucho más difícil. Es un director muy honesto y me encanta su cine. Me gusta mucho como director. ¿Cómo nos trata? ¡Y qué!" 

Significado del color azul

El azul es el color más cálido se caracteriza por su simbolismo visual.  El color azul se usa ampliamente a lo largo de la película, desde la iluminación del club gay que Adèle visita hasta el vestido que usa en la última escena, y sobre todo en el cabello y los ojos de Emma. Para Adèle, el azul representa la intensidad emocional, la curiosidad, el amor y la tristeza. Adèle también hace referencia a Pablo Picasso , quien, como es bien sabido, atravesó un melancólico Periodo Azul . A medida que Emma deja atrás su relación con Adèle y su pasión se desvanece, se quita el azul del cabello y adopta un peinado más natural y conservador. 

El estreno mundial de "El azul es el color más cálido" tuvo lugar en el 66.º Festival de Cine de Cannes el 23 de mayo de 2013. Recibió una ovación de pie y se posicionó entre las más valoradas por la crítica del festival. En agosto de 2013, la película se estrenó en Norteamérica en el Festival de Cine de Telluride de 2013. También se proyectó en la sección de Presentación Especial del Festival Internacional de Cine de Toronto de 2013 el 5 de septiembre de 2013.  

La película se proyectó en más de 131 territorios  y se estrenó comercialmente el 9 de octubre de 2013 en Francia por Wild Bunch con una clasificación "12" . En Estados Unidos, recibió una clasificación NC-17 de la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos (MPAA) por "contenido sexual explícito". Tuvo un estreno limitado en cuatro cines de Nueva York y Los Ángeles el 25 de octubre de 2013, y se expandió gradualmente en las semanas posteriores. La película se estrenó el 15 de noviembre de 2013 en el Reino Unido  y el 13 de febrero de 2014 en Australia y Nueva Zelanda.  

"Azul es el color más cálido" recaudó un total mundial de 19.492.879 dólares.  Durante su estreno en Francia el 9 de octubre de 2013, la película debutó con un total de 2,3 millones de dólares en 285 pantallas, con un promedio de 8.200 dólares por pantalla. Ocupó el cuarto puesto en su primer fin de semana, lo que se consideró un "desempeño notablemente bueno debido a su duración de casi tres horas". 

En el sitio web de recopilación de reseñas Rotten Tomatoes , el 89% de 204 críticos le han dado a la película una reseña positiva, con una puntuación media de 8,20/10. El consenso de la crítica del sitio es: «Cruda, honesta, con actuaciones impactantes y deliciosamente intensa, Blue Is the Warmest Colour ofrece uno de los dramas más elegantemente compuestos y emocionalmente absorbentes del cine moderno».  

En Cannes, la película impactó a algunos críticos con sus largas y explícitas escenas de sexo (aunque se usaron genitales falsos), lo que los llevó a especular que podría requerir edición antes de su proyección en cines. Varios críticos consideraron la película como la favorita para ganar la Palma de Oro . El jurado, que incluía a Steven Spielberg , Ang Lee y Nicole Kidman , tomó una decisión sin precedentes al otorgar la Palma de Oro a las dos actrices principales de la película junto con el director. El presidente del jurado, Spielberg, explicó: “La película es una gran historia de amor que nos hizo sentir privilegiados de ser una mosca en la pared, de ver cómo esta historia de profundo amor y profundo desamor evolucionaba desde el principio”. 

La película ganó finalmente la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2013. En Cannes también ganó el Premio de la Federación Internacional de Críticos de Cine.  Esta fue también la primera película adaptada de una novela gráfica o un cómic en ganar la Palma de Oro. En diciembre de 2013, recibió el Premio Louis Delluc a la mejor película francesa.  

En la 39ª edición de los Premios César , la película recibió ocho nominaciones, y Exarchopoulos ganó el Premio César a la Actriz Más Revelación . 

Otras películas destacadas de Exarchopoulos son:

Corazones rotos (L'Amour ouf) (2024): Drama romántico musical sobre un amor marcado por el destino.

Del revés 2 (Inside Out 2) (2024).

Ladronas (Voleuses) (2023): Película de acción de Netflix donde interpreta a una experta delincuente.

Passages (2023): Drama sobre un triángulo amoroso.

El reino animal (2023): Película de ciencia ficción y aventuras.

Mandíbulas (2020): Una comedia surrealista sobre dos amigos y una mosca gigante.

El reflejo de Sibyl (2019): Drama psicológico sobre una terapeuta y su paciente.

Le Fidèle (Perseguidos por el destino) (2017): Historia de amor entre un gánster y una piloto.

The Last Face (Diré tu nombre) (2016): Dirigida por Sean Penn



19 de febrero de 2026

A Beautiful Mind, 2001


Hay películas que dejan huellas, que son recordadas con cariño, que uno puede ver repetidas veces porque siempre hay en ellas nuevos descubrimientos, emociones renovadas, vivencias inesperadas y preguntas que inquietan y que nunca se acaban de responder. 

Mis colegas de Matemáticas, a los cuales dedico este artículo, inquietos por el conocimiento, las ciencias y las artes, no dejan pasar este filme sobre John Nash, matemático y premio Nobel de economía que se atrevió a proponer un esquema revolucionario para plantear los funcionamientos idealizados de las relaciones humanas en cuanto cuáles son sus puntos óptimos de comportamiento. La historia comienza en los primeros años de vida de un joven prodigio que comienza a desarrollar una esquizofrenia paranoide y a sufrir delirios, mientras ve penosamente cómo esto afecta a su condición física, a sus relaciones familiares y amistosas.

A Beautiful Mind, 2001, (Una mente maravillosa) es un filme basado en una polémica biografía de Sylvia Nashar sobre el matemático y premio Nobel de Economía John Forbes Nash. El film de Ron Howard tampoco es fiel absolutamente al relato de Nashar. Y vistos los comentarios, lo mejor es ver la película como una historia independiente, sin preocuparse de su lazo con la realidad. Con este punto de partida, el film enarbola valores como la lucha por la superación o el amor fiel, bajo un guion sólido y, al mismo tiempo, sembrado de lógicas -en un film de vocación comercial- concesiones a los sentimientos. No obstante, el trabajo de Howard es inteligente: no cae en un sentimentalismo insultante y tampoco nos golpea con muestras desgarradoras de esta enfermedad, que muchas veces son una estrategia publicitaria.

En la línea narrativa, también ofrece escenas brillantes que explican con viveza y verosimilitud el carácter de Nash y la pesadilla de la esquizofrenia. Sin estridencias y llenas de matices; así son las interpretaciones que han ayudado en mucho al éxito comercial y artístico de Una mente maravillosa

La historia se desliza en buena parte por los recintos sagrados de las prestigiosas universidades norteamericanas, concretamente por Princeton, el venerable centro en uno de cuyos institutos enseñó Einstein. Es un ambiente en el cual compiten los mejores, en medio de edificios de aspecto medieval, jardines y prados bellamente cuidados, elegantes salas de estudio y bibliotecas de corte tradicional; pero también de bares estudiantiles, de bromas pesadas y de conversaciones en las que se mezclan la inteligencia aguda y la banalidad superficial y ligera. Podríamos decir que es un ambiente de ensayo y error, en el cual dominan la actuación y el teatro de tal manera que es muy posible que lo que se diga y lo que se experimente, tengan doble sentido.

Este es un mundo desafiante, a la vez perfecto e imperfecto, para la mente brillante de Nash, magistralmente interpretado por Russell Crowe, que personifica las dudas, los temblores nerviosos y las dificultades del joven y brillante estudiante, distinto a todos en todo, siempre rompiendo esquemas, pero en medio de la dualidad, oscilando entre una manifiesta inseguridad y ocasionales momentos de brillo en los cuales todo se ve claro, evidente y diferente.

Entonces ocurre la instancia absolutamente teatral en la vida del ya afamado matemático: la creación ilusoria de un mundo nuevo, con personajes y escenarios de realismo absoluto que solo son vistos por él mismo y que lo van llevando hacia la locura esquizofrénica. A partir de estas experiencias extrañas se va tejiendo la vida profesional y familiar del personaje, como una mezcla de genialidad y tontería que nos podría desesperar si supiéramos lo que está pasando. Pero la realidad es que tardamos en enterarnos del juego teatral que es la existencia del protagonista y nos dejamos llevar, como él, por las peripecias de su doble vida: la de hombre de hogar, enamorado y lleno de esperanzas, y la de espía internacional, atrapado por juegos de guerra y conspiraciones, atormentado y fatalista.

Ego real en el cual no se cree y alter ego imaginario que se vuelve real. Entre estas contradicciones se mueven la película y el personaje, hasta que asume el protagonismo decididamente, en ambas situaciones, su dulce esposa, personificada por Jennifer Connelly. Dispuesta a resolverlas y convencida de la inteligencia y de la cordura esenciales de su pareja, ella va descubriendo la trama que subyace en su mente perturbada y se la va narrando a él mismo, en escenas impactantes, hasta generar, a base de ensayos y de errores, una salida posible para escapar al manicomio y al abandono.

Es así como se cierra el círculo de una vida que pudo ser miserable y triste, pero en cambio se logró convertir en ejemplo de superación y de triunfo personal, académico, científico y familiar. En el fondo, ¿qué fue lo que pasó? Nos lo dice el personaje, cuando en medio de aplausos recibe el Premio Nobel de Economía en 1994 por sus aportes a la teoría de juegos y los procesos de negociación. Nos da a entender que una mente realmente poderosa es aquella que se abre a la más brillante y maravillosa de las ideas, que es la de la aceptación de la presencia y la importancia del amor como posibilidad real, que vale la pena experimentar. Como decía su esposa en algún momento memorable, invitándolo a que le tocara su cara: esto es lo real, la presencia cercana del que ama es lo real, es lo que es capaz de tornar la locura perturbadora en sanación, en vida que vale la pena vivir.

La película se estrenó en los cines de Estados Unidos el 21 de diciembre de 2001, recaudando más de 313 millones de dólares estadounidenses a nivel mundial. Además, ganó cuatro Premios Óscar: mejor película, mejor director, mejor actriz de reparto y mejor guion adaptado, siendo, asimismo, candidata en las categorías de mejor actor, mejor banda sonora, mejor montaje y mejor maquillaje. Igualmente, recibió 28 premios más y fue candidata a otros 51.

A Beautiful Mind fue favorablemente acogida por buena parte de los críticos, pero también negativamente por otros debido a algunos datos erróneos de la vida de Nash que se muestran en la película. Este es el punto en que hay que ver la película desde el punto de vista artístico y valorarla, disfrutarla. Desde el punto de vista biográfico debemos remitirnos a su biografía, a sus estudios y aportes a la matemática.

Ficha Técnica

Título Original: A Beautiful Mind  

País: EUA. 2001

Dirección: Ron Howard

Guion: Akiva Goldsman (Basada en A Beautiful Mind de Sylvia Nasar)

Producción: Brian Grazer, Ron Howard

Fotografía: Roger Deakins

Música: James Horner

Reparto: Russell Crowe, Ed Harris, Jennifer Connelly, Christopher Plummer, 

              Paul Bettany, Adam Goldberg, Josh Lucas


16 de febrero de 2026

Green Book, 2018

El film "Green Book" del director Peter Farrelly, se estrenó el 16 de noviembre de 2018 en los Estados Unidos.

La película trata sobre un viaje real al "Viejo Sur" estadounidense que realizó en 1962 el pianista afronorteamericano Don Shirley (interpretado por Mahershala Ali) junto a Tony Vallelonga (Viggo Mortensen), mejor conocido como Tony Lip, quien además le sirvió como conductor y guardaespaldas. Este viaje los adentra en un territorio y una época subyugados al racismo. A lo largo del viaje, desarrollan una amistad inquebrantable a pesar de sus diferencias culturales y sociales.

El guion fue escrito por Nick Vallelonga (el hijo de Tony Vallelonga), Farrelly y Brian Hayes Currie. El título del film viene de "The Negro Motorist Green Book", una guía turística para viajeros afronorteamericanos, escrita por Víctor Hugo Green.

"Green Book " obtuvo tres premios Óscar, incluyendo el de mejor película, mejor guion original y mejor actor de Reparto para Mahershala Ali

La película ha sido elogiada por las actuaciones de sus protagonistas y su capacidad para abordar el racismo a través de una historia de amistad. 

La historia inicia con el cierre temporal del “Copa”, el lugar de trabajo de Tony. Este hecho le lleva a realizar una entrevista de trabajo donde conoce al Doctor Shirley, el cual, para su sorpresa, es un hombre de color que le ofrece acompañarle de chófer durante su gira. Aunque moderado en sus palabras, Tony evidencia prejuicios sobre las personas de color, los cuales le llevan a rechazar la oferta que finalmente aceptará. De este modo, y gracias “al talento manejando problemas” de Tony, arrancan 2 meses de gira por el sur profundo.

En el inicio de este viaje ambos chocan por tener estilos diferentes a la hora de relacionarse, Tony hablador y Donald callado, Tony descuidado y Donald meticuloso. Esto hace que ambos se muestran reacios a las formas y consejos del otro, pero, poco a poco, abren una puerta desde el compartir donde sus mundos internos comienzan a valorar posibilidades que nunca antes habían contemplado. Así, Tony aprende sobre dicción o escritura de cartas y Donald se atreve a comer pollo con las manos e incluso tirar los huesos por la ventana.

Es un dulce aprendizaje el que el personaje de Tony nos muestra en relación al racismo pasando por diferentes fases: parte del rechazo a los negros donde si usan un vaso para beber hay que tirarlo, continúa con expresión de sorpresa por tener que usar una guía especial para negros, niega la relevancia de que le impidan usar el urinario consintiendo un trato racista y prosigue con una actitud empática al reconocer el dolor que debe sentir por vivir solo y necesitar una botella de alcohol cada noche.

Esto, no sólo queda en un proceso reflexivo interno, sino que avanza con muestras de cariño humano: se interesa por su historia familiar o aconseja pensando en su bienestar sobre la relación con su hermano. Y de la expresión verbal también da paso a la acción dando la cara por él en el restaurante cuando le niegan una mesa para cenar por ser negro respondiendo con la cancelación de la actuación, a pesar de que esto conlleva la consecuente pérdida económica de parte de su sueldo.

Por otro lado, Doc, como le llama Tony, inicia tratándole como un niño al que educar, le enseña modales, le pone límites y ejerce autoridad sobre él.

Tony tiene un estilo confrontador, no entiende cómo Donald puede tratar con amabilidad a gente que le ha infravalorado por su color de piel y Doc no entiende que Tony recurra al soborno para conseguir lo que quiere. Sus estrategias para manejar el racismo no tienen nada que ver, pero ambas resultan válidas para sobrevivir.

Resaltaría la escena en la que Tony confronta a Donald diciéndole “soy más negro que usted…no sabe nada de su pueblo… mi mundo es más negro que el suyo” y este se rompe gritando por no sentirse ser “lo suficientemente negro, ni blanco, ni hombre”. La intensidad emocional de la película diría que alcanza su máximo aquí. El Donald siempre contenido, en su sitio, con saber estar que hemos visto, se desgarra de dolor reconociendo su herida más profunda: no encajar ni ser aceptado en una sociedad donde parece ser que cumplir el estereotipo es imprescindible para ser parte de algo.

Acaban su viaje, ambos exhaustos, llegando justos para la cena de Navidad y Tony le invita a compartirla con su familia. Tras un rechazo inicial, asiste después recogiendo una calurosa acogida y creando una reparadora escena donde la aceptación incondicional de la persona, independientemente de su color de piel, prima plenamente. Todo esto queda marcado por el shock familiar al descubrir el cambio que Tony ha tenido sobre el trato a las personas de color cuando este les pide que no le llamen “el negro”.

En resumen, podría decirse que esta película es un viaje hacia la ruptura de prejuicios y racismo donde se da una lucha por los derechos, la igualdad y el reconocimiento de las personas de color. Es un grito a la amistad sin distención de razas.

Ficha Técnica:

Dirección: Peter Farrelly.

Guion: Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Vallelonga.

Música: Kris Bowers.

Fotografía: Sean Porter.

Reparto: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Iqbal Theba, Linda Cardellini

País: Estados Unidos.

Año: 2018.

Productora y distribución: Universal Pictures / Participant Media / DreamWorks SKG / Innisfree Pictures / Wessler Entertainment. Distribuida por Universal Pictures.


4 de febrero de 2026

Nomadland, 2020

 Por Hamlet Araya González 

Acabo de terminar de ver esta obra que no había pasado por mi radar y más allá del deber que me trae en estas líneas, tenía la necesidad de hacerlo, ya que es una de estas películas que quedan resonando en nuestro interior incluso después de que los créditos desaparecen. A decir verdad, no es un film cómodo de ver, pero sí profundamente humana y necesaria, que nos permite establecer un diálogo entre la obra y nuestra vida.

Roland Barthes, nos enseñó que el mito no es sólo una fábula antigua, sino un habla, una forma en que la sociedad naturaliza sus creencias e ideologías a través de imágenes, música y relatos. En “Nomadland” se construye el resquebrajamiento de un poderoso mito contemporáneo, el sueño americano, y a su vez, el renacimiento del individuo a partir de sus cenizas. Para lograr esto, Zhao utiliza un lenguaje cinematográfico acertado; pasando por unos planos generales de paisajes desérticos, imponentes pero solitarios, donde nuestra protagonista Fern, aparece como una figura diminuta y perdida en ellos, no en aras de conquistar la naturaleza, sino buscando su lugar en ella, en esta inmensidad fría.

A esto se le suma la paleta de colores utilizada por Zhao, donde predominan los tonos terrosos, ocre, los azules apagados del amanecer y el crepúsculo. El inicio ya es un pantallazo a lo hostil, a la incomodidad de abordar una conversación incómoda, porque todo lo que nos hace conectar con nuestra humanidad, resulta ser molesto. Toda la película transcurre entre estos colores de fotografía deteriorada, desaturada, huyendo del brillo artificial de la sociedad de consumo. Los colores conectan al espectador con la tierra, con el polvo del camino, con la suciedad y el óxido, a través de ella nos adentra en esa belleza melancólica y auténtica de una vida despojada de artificios, de materialidades programadas. Los monólogos con planos cercanos, dotan a los personajes de un halo de dignidad, de un aura sabia.

La tercera composición de este trípode la conforma la música de Ludovico Einaudi. Sus melodías de piano acompañan el viaje interior de Fern y nos sumergen en esa reflexión interior. La música además de acompañar esa van que es todo para Fern, funciona como un eco de soledad, creando una atmósfera melancólica y con algunas notas de esperanza, pero sin explosiones sonoras.

Fern, llevada a escena extraordinariamente por Frances McDormand, acompaña al resto del lenguaje cinematográfico con un rostro desmaquillado, mostrando sus imperfecciones, su desgaste por los años y por el sufrimiento, es un rostro cansado y real. Todo el personaje refleja los paisajes que habita, su ropa desgastada pero funcional también es privada del

brillo consumista para poder fundirse con el paisaje en vez de contrastar. La puesta en escena de Fern es natural, con movimientos reales que se visualizan en como se mueve, como acomoda las cosas dentro de la van, como se prepara un café, como duerme, etc. representando al verdadero nómada, en vez de una actriz de Hollywood. Trasmite una dignidad real en su elección de vida. Es un personaje incómodo y al cual incluso puedes hacerle rechazo por su realidad visual y su carácter, sin embargo es imposible no conectar y termina siendo tu Virgilio.

Considero que Fern nos muestra la construcción de “hogar” desde otra perspectiva, al quedar marginada por un sistema que utiliza al humano como máquina descartable, elige aventurarse y dejar atrás lo material, aunque se ancla a pequeños recuerdos, como un plato; muestra del camino que transita. La búsqueda de ese hogar que no es una casa, sino un estado del ser, resuena en todo aquel que ha tenido que reinventarse lejos de sus raíces… cómo yo.

En la película veo valores con los que intento vivir y trasmitir a mis cuatro hijos. Esa solidaridad genuina de los nómadas me recuerda a la de mi Cuba natal, esa certeza de que siempre habrá un vecino dispuesto a compartir lo que tiene. “Nomadland” me mostró al Estados Unidos que no es el de grandes corporaciones ni infinitos rascacielos, sino el de la gente común ayudándose en el desamparo de un sistema que ellos mismos ayudaron a construir.

El viaje de Fern, es un estilo de vida que abrazo. Dentro de mi familia intentamos no dejarnos engullir por ese remolino tecnológico, por esa velocidad de quehaceres y actividades que nos imponen; al contrario, intentamos mantenernos conectados con la realidad y la naturaleza. Disfrutamos de esos paseos con las mascotas a la orilla del río, el despertar con el cantar de algunas aves, el silencio automotriz; el desorden de una casa con niños, la montaña de ropa sobre la silla o el piso marcado de patas y pasos veloces. La película nos susurra que la riqueza no se acumula, sino que se vive. Los trabajos esporádicos de Fern no son una definición de necesidad material, sino el medio para seguir siendo libre, el trabajo no puede regir nuestra existencia, sino ser una herramienta, solo eso.

Finalmente, “Nomadland” me habla sobre la fugacidad de la vida, somos como los personajes, viajeros en tránsito. Hay una pregunta que me hice al terminarla de ver: ¿Qué huellas dejamos? Estos nómadas no dejan herencia material, pero sí una estela de bondad, de historias compartidas, de momentos de verdadera conexión humana. Su “nos veremos en el camino” es un reconocimiento de este viaje compartido, recordándonos que la felicidad verdadera nace de la introspección, del encuentro honesto con uno mismo y con los demás.

Esta es una película que me hace mirar hacia dentro y preguntarme qué es lo que verdaderamente importa. Fue fue ampliamente galardonada. En la entrega de los Oscar del 2021 tuvo 6 nominaciones y finalmente obtuvo en las categorias de Mejor Película, Dirección y Actriz Principal.

Ficha Técnica

Dirección: Chloé Zhao

Producción: Frances McDormand, Peter Spears

            Mollye Asher, Dan Janvey, Chloé Zhao

Guión: Chloé Zhao

Música: Ludovico Einaudi

Fotografía: Joshua James Richards

Protagonistas: Frances McDormand

   David Strathairn

   Linda May

           Charlene Swankie