Perfume de mujer, 1992.

El filme, cuyo título original es Scent of a Woman le valió al actor Al Pacino un merecido Oscar de actuación interpretando a un coronel ciego, bebedor y compadeciéndose de sí mismo. Es un hombre mezquino, iracundo y sarcástico. Intuimos que siempre ha sido solitario, pero nunca tanto como ahora, atrapado en la ceguera. Perdió la vista en la vejez y ahora se emborracha y espera a sus víctimas. Sin embargo, hay esperanza para él gracias a dos aspectos latentes en su personalidad: es un romántico y posee un sentido del humor peculiar.

El coronel, cuyo nombre es Slade y al que no le gusta que lo llamen "Señor", es interpretado por Al Pacino en una de sus mejores y más arriesgadas actuaciones; arriesgada, porque al principio el personaje es tan desagradable que apenas podemos soportarlo, y solo gradualmente comenzamos a comprender cómo funciona y por qué no es tan miserable como parece.

Desde luego, parece un pobre desgraciado el primer día que Charlie Simms va a cuidar su casa. Charlie (interpretado por Chris O'Donnell ) es alumno de un prestigioso colegio privado local; un chico becado del oeste que no tiene dinero para derrochar y está contento con este trabajo de fin de semana, cuidando al viejo. Charlie está metido en un buen lío en el colegio. El lunes habrá una audiencia disciplinaria sobre quién hizo la broma que dañó el nuevo Jaguar del director, y Charlie, que sabe quién fue, no quiere ser un chivato. Podría ser expulsado por eso.

“Perfume de mujer”, de Martin Brest, toma a Charlie y al coronel y los sitúa en una combinación de dos géneros clásicos. Por un lado, está la fórmula de la mayoría de edad, en la que un hombre mayor enseña a uno más joven los secretos del oficio. Aquí se mezcla con el género de las películas de internado, que desde “ Una paz aparte ” hasta “Si”, “ Toques de corneta ”, “ La sociedad de los poetas muertos ” y “ Colores verdaderos ”, siempre ha presentado a un inadaptado que aprende a defender sus convicciones.

Los dos géneros encajan bien en "Perfume de mujer", tal vez porque lo que Charlie necesita en la escuela es un modelo a seguir, y lo que el coronel siempre ha sabido hacer es proporcionárselo.

El guion es de Bo Goldman (“ Melvin y Howard ”), a quien le interesan más los personajes que la trama.

Charlie cree que pasarán el fin de semana en la lúgubre casita del coronel, viendo al viejo beber y escuchando sus insultos. Pero el coronel tiene otros planes, mucho más de los que Charlie puede imaginar. Les compra un par de billetes a Nueva York y anuncia que van a divertirse en la gran ciudad. En particular, quiere adoctrinar al joven con sus ideas sobre las mujeres y cómo son los seres más maravillosos de toda la creación de Dios.

Las ideas del coronel no son políticamente correctas. Por otro lado, tampoco es un machista; siente una admiración tradicional por las mujeres, mezclada con anhelo y fascinación, y el respeto de un caballero que ha dedicado su vida al ejército y nunca ha conocido bien a ninguna mujer. Casi cree que puede oler el aroma de una mujer y decirte todo sobre ella: el color de su cabello, el de sus ojos, y si tiene una mirada alegre.

Todo esto se desarrolla en un contexto de consumo excesivo de alcohol, que Charlie observa con creciente preocupación. La película no comete el error de convertir al coronel y al estudiante en amigos instantáneos con una camaradería natural. Charlie mantiene las distancias. Le tiene un poco de miedo al coronel y mucho miedo a lo que pueda sucederle.

Alquilan una limusina. Se hospedan en una suite del Waldorf. Conversan. El coronel da una lección. Charlie, que desconfía de él, responde cortésmente, manteniéndose a la defensiva. El coronel parece no darse cuenta.

Beben. Van al salón de baile de un hotel, donde Charlie se fija en una hermosa joven ( Gabrielle Anwar ), y el Coronel entabla conversación con ella y la convence para que baile el tango con él. Es un buen bailarín. Y como viejo galán, es aún mejor.

Hay algo conmovedor en él. Toda su vida, le confiesa a Charlie, ha soñado con despertar junto a una mujer buena y hermosa. El chófer los lleva a la dirección de una prostituta muy recomendada. Charlie espera en el coche. La película podría haberlo arruinado todo entrando con el coronel, pero se queda afuera con Charlie, y cuando el coronel vuelve a salir dice muy poco, pero en ello podemos intuir que considera a la mujer como el país inexplorado de toda bondad y seguridad, un país en el que jamás vivirá.

Llegan a un punto crítico, y Pacino y O'Donnell protagonizan el equivalente emocional del enfrentamiento entre Jack Nicholson y Tom Cruise en " Algunos hombres buenos ". Es una escena memorable, la verdadera conclusión de la película, aunque la historia de Charlie aún tiene que encontrar su propio desenlace cuando los dos hombres regresan al internado. Al final de "Perfume de mujer", llegamos a la conclusión habitual de las películas de iniciación y de las películas ambientadas en internados. Pero pocas veces nos han llevado hasta allí con tanta inteligencia y maestría.

No me canso de ver dos escenas memorables de esta película, a saber: El baile del tango entre una joven y el actor principal y la audiencia final en el internado de Charlie donde Al Pacino realizó un memorable discurso de defensa.

Ficha Técnica

Título original: Scent of a Woman

Título en Hispanoamérica: Perfume de mujer 

Año: 1992 

Dirección: Martin Brest

Guion: Bo Goldman (basado en la novela de Giovanni Arpino y la película homónima de 1974)

Música: Thomas Newman

Fotografía: Donald E. Thorin

Reparto principal:

o Al Pacino (como el Teniente Coronel Frank Slade)

o Chris O'Donnell (como Charlie Simms)

o James Rebhorn (como Mr. Trask)

o Gabrielle Anwar (como Donna)

o Philip Seymour Hoffman (como George Willis, Jr.) 

Premios Óscar (1993)

 Tuvo cuatro nominaciones: Película, Dirección, Guion Adaptado y Actuación masculina que fue el que finalmente recibió Al Pacino

Premios Globos de Oro (1993)

La producción fue una de las grandes triunfadoras de la noche al llevarse tres de sus cuatro candidaturas:

• Ganadora:

o Mejor Película - Drama

o Mejor Actor Principal - Drama: Al Pacino

o Mejor Guion: Bo Goldman

• Nominación:

o Mejor Actor de Reparto: Chris O'Donnell

Otros Reconocimientos

• Premios BAFTA (1994): Nominada a Mejor Guion Adaptado.

• Asociación de Críticos de Chicago (CFCA): Ganadora al premio de Actor Revelación para Chris O'Donnell.

• Sindicato de Productores (PGA): Nominada a la Mejor Película del año.

• BMI Film & TV Awards: Ganadora del premio a la Mejor Música para Thomas Newman.

La Odisea, 2026

Y finalmente fui a ver La Odisea, la de Christopher Nolan. Todo un taquillazo con un presupuesto de 250 millones de USD, grandes efectos visuales (no hay nada que exaltar en la era digital y de la IA) y un gran reparto de actores, pero …

En mi modesta opinión el filme está por debajo de la versión de 1954 y de la miniserie de 1977 que dirigió Andrei Konchalovsky. Y es que no basta tener un buen reparto si no tienes deseos de actuar y no basta con tener grandes presupuestos financieros si no los inviertes bien.

Esta versión producida y dirigida por Christopher Nolan se tomó varias libertades, pero comencemos con la argumentación y otros detalles porque hay personas que no la conocen, …. Aunque parezca extraño, hay varias generaciones que no saben quien es Homero y mucho menos Odiseo y saben algo de Troya porque les entra un virus en la PC y le dicen que fue un troyano, ¡! Qué tristeza ¡!

La Odisea está basada en el poema griego homónimo de Homero y narra su largo y peligroso viaje de regreso a casa tras la guerra de Troya, así como sus encuentros con seres mitológicos mientras intenta reunirse con su esposa, Penélope, interpretada por Anne Hathaway. El elenco coral incluye a Tom Holland, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Samantha Morton, Zendaya, Charlize Theron, y en el papel de Odiseo a Matt Damon que desde febrero del año 2025 fue confirmado como protagonista.

El rodaje se llevó a cabo entre febrero y agosto de 2025 en Marruecos, Grecia , Italia, Escocia y otros países y filmaciones en los estudios Universal de Los Ángeles, California. Con un presupuesto estimado de 250 millones de dólares, la película se encuentra entre las producciones más costosas de la carrera de Nolan y es la primera filmada íntegramente con cámaras IMAX de 70 mm. Antes de su estreno, los diseños de vestuario y producción, los acentos, los diálogos y algunas decisiones de casting generaron debates y un minucioso escrutinio crítico en torno a la fidelidad histórica respecto al material original y al contexto representado.

La Odisea tuvo su estreno el 6 de julio de 2026 en el cine Empire Leicester Square de Londres, antes de su lanzamiento en salas por parte de Universal Pictures el 17 de julio en Estados Unidos y el Reino Unido. La película estuvo disponible en IMAX y en múltiples formatos premium de gran pantalla. Recibió elogios generalizados de la crítica, con especial reconocimiento a la dirección de Nolan. Recaudó 1 452 mil millones de dólares, convirtiéndose en la segunda película más taquillera de 2026, en la película clasificada R con mayor recaudación de todos los tiempos y en el mayor éxito de taquilla de la carrera del director. Estableció numerosos récords para Nolan, incluyendo algunos de preventa en formatos premium lanzados con un año de antelación.

Odiseo, el legendario rey griego de Ítaca y veterano de la Guerra de Troya, se encuentra varado en la isla de Ogigia junto a la ninfa Calipso y la diosa Atenea, y lucha por recordar lo que ocurrió después de abandonar Troya y por qué no puede regresar a su hogar. 

Mientras tanto, en Ítaca, ante la ausencia de Odiseo, varios pretendientes, entre ellos el noble itacense Antínoo, intentan conquistar a su esposa, Penélope, para reclamar el trono y derrocar a Telémaco, hijo de Odiseo y Penélope. Solo Penélope, Telémaco, Eumeo y el viejo perro Argos siguen creyendo que Odiseo regresará. Los pretendientes se burlan de la familia por mantenerse fiel a las leyes de Zeus y honrar a los dioses. Telémaco decide viajar a Esparta para visitar al rey Menelao y averiguar qué sucedió con su padre. Parte acompañado por Mentor, amigo y consejero de Odiseo. Antínoo descubre, gracias a su amante Melanto, que Telémaco se dirige a Esparta. Entonces conspira con otro pretendiente, Polibo, para asesinar a Telémaco a su regreso y repartirse las riquezas de Ítaca. 

Odiseo comienza a recordar su pasado: ideó junto a Menelao el plan de ocultarse dentro de un enorme caballo de madera, mientras el soldado Sinón fingía ser un desertor para engañar a los troyanos obsequiándoselo. Aunque los troyanos matan a Sinón, el engaño resulta exitoso, lo cual permite que Odiseo y los griegos abran las puertas de la ciudad para que Agamenón la saquee y Menelao recupere a su esposa, Helena. Agamenón y Menelao regresan pronto a sus reinos, mientras el ejército de Odiseo emprende un viaje más lento bajo la guía de Atenea. Durante una escala en una isla para abastecerse, son capturados por el cíclope Polifemo. Tras varios intentos, los griegos logran cegarlo y escapar, pero descubren que es hijo de Poseidón, quien los castiga condenándolos a perderse en el mar. Más tarde llegan a Eea, donde los salvajes lestrigones destruyen dos de sus barcos y matan a la mayoría de los hombres de Odiseo. Los supervivientes buscan refugio junto a la hechicera Circe, quien los transforma en cerdos. Después de matar accidentalmente a uno de ellos, Odiseo enfrenta a Circe y la obliga a devolverles su forma humana. Circe le advierte que, para regresar a Ítaca, deberá cruzar el Océano y descender al Hades.

En el reino de los muertos, Odiseo se encuentra con el espíritu de Tiresias, quien le profetiza que solo él logrará regresar a casa. Decidido a proteger a sus hombres y desafiar el destino impuesto por los dioses, también se encuentra con el espíritu de Sinón, quien le revela la traición de Antínoo: había sido manipulado para ocupar su lugar en el ejército griego durante la guerra de Troya. Luego se cruza con el espectro de Agamenón, asesinado por su esposa Clitemnestra tras su regreso de la guerra, luego de sacrificar a su hija Ifigenia a Artemisa para obtener su favor. Poco después, los fantasmas de los soldados troyanos caídos persiguen a Odiseo y a sus hombres, obligándolos a huir del Hades. Siguiendo las instrucciones de Tiresias, la tripulación sobrevive a los encuentros con Caribdis, Escila y las Sirenas, aunque pierde más barcos y compañeros. Finalmente llegan a Trinacia, donde Odiseo les advierte que no maten el ganado sagrado de Helios, tal como Tiresias había profetizado. Sin embargo, Euríloco y los hombres, consumidos por el hambre, desobedecen y sacrifican el ganado. Horrorizados, intentan escapar, pero las tormentas desatadas por Poseidón hunden casi toda la flota.

Telémaco y Mentor llegan a Esparta, donde son recibidos por Menelao y Helena. Aunque desconocen el destino de Odiseo, comparten historias sobre sus hazañas. Sin lograr descubrir si su padre sigue con vida, Telémaco mantiene la esperanza y emprende el regreso. Odiseo, ahora el único superviviente de su expedición, llega a la costa de Ogigia, donde Calipso lo cuida durante siete años alimentándolo con flores de loto. Ella le confiesa que lo mantuvo como su amante durante ese tiempo contra su voluntad, aunque siente compasión por su sufrimiento y por el anhelo que siente de reunirse con su familia. Finalmente le permite construir una balsa improvisada y lo ayuda a reconciliarse con los dioses. Gracias a la ayuda divina, Odiseo consigue llegar milagrosamente a Ítaca. Atenea le concede un disfraz mágico de mendigo, y así descubre por Eumeo lo sucedido con su hijo. Mientras reza junto a Telémaco y Mentor en un templo, este último es atacado por los pretendientes, pero Odiseo lo rescata y se presenta bajo el nombre de «Outis» («Nadie»). Telémaco lo guía hasta el palacio y, tras el emotivo reencuentro con Argos, que muere en paz después de reconocer a su amo, termina descubriendo que aquel mendigo es en realidad su padre. Durante un tenso banquete con los pretendientes, Odiseo se acerca a Penélope. Aún disfrazado, le confiesa la culpa que carga por haber quebrantado las leyes de Zeus mediante el engaño del caballo de Troya, por la muerte de inocentes troyanos y por haber profanado una estatua de Atenea tras asesinar a su sacerdotisa. Atenea había adoptado la apariencia de la sacerdotisa para castigarlo mediante visiones. Odiseo le suplica su perdón. Penélope anuncia entonces que está dispuesta a volver a casarse e invita a los pretendientes a presentarse la noche siguiente. En secreto, Odiseo, Telémaco y sus fieles sirvientes esconden armas por todo el palacio. 

Reunidos todos los pretendientes, Penélope declara que se casará con quien sea capaz de tensar el arco de Odiseo y atravesar con una flecha una hilera de cabezas de hacha. Ninguno de los pretendientes lo consigue. Entonces Odiseo toma el arco, lo tensa sin esfuerzo y dispara la flecha, atravesando todas las hachas y revelando su verdadera identidad. Se desata una feroz batalla en la que Odiseo mata a Polibo. Melantio, hermano de Melanto, es desenmascarado como traidor al intentar ayudar a Antínoo, y Telémaco lo mata antes de que Odiseo acabe finalmente con Antínoo. Los pretendientes restantes se rinden ante Odiseo, mientras que Melanto es ejecutada por su traición. Finalmente, Odiseo decide ceder el trono de Ítaca a Telémaco y abandona la isla junto a Penélope en busca de una vida de paz.

El Elenco:

• Matt Damon como Odiseo, el legendario rey griego de Ítaca. El director Christopher Nolan describió a Odiseo como un personaje complejo, «un estratega extraordinario y una persona muy astuta. Para prepararse para el papel, Damon siguió un exhaustivo régimen de entrenamiento y una estricta dieta para conseguir un físico «delgado, pero fuerte», que incluyó eliminar el gluten de su alimentación y reducir su peso hasta 167 libras (75,7 kg). También se dejó crecer una barba completa durante un año, después de que Nolan rechazara utilizar vello facial artificial porque quería captar «la naturalidad del vello real». Pero su actuación no me convenció, le faltó la fuerza de un guerrero de la talla de Odiseo.

• Tom Holland como Telémaco, hijo de Odiseo y Penélope y príncipe de Ítaca, decidido a encontrar a su padre. Le faltó fuerza a su actuación.

• Anne Hathaway como Penélope, esposa de Odiseo, madre de Telémaco y reina de Ítaca, quien rechaza a los numerosos pretendientes que la cortejan durante la ausencia de su esposo. Tampoco contó con una buena interpretación, se vio distante, fría.  

• Robert Pattinson como Antínoo, uno de los pretendientes de Penélope,[] a quien Pattinson describió como un personaje «viscoso» y comparó con Lester Diamond, el personaje interpretado por James Woods en la película de 1995 Casino. 

• Lupita Nyong'o en un doble papel como:

• Helena de Troya, esposa de Menelao, descrita como la mujer más bella del mundo, cuyo rapto desencadena la guerra de Troya y como la hermana de Helena y esposa de Agamenón

Hago un alto aquí, La elección de Lupita Nyong'o como Helena de Troya en la película La Odisea de Christopher Nolan marca un cambio radical y polémico respecto a la descripción tradicional del personaje. Un sector del público acusó a la producción de alterar la estética clásica por motivos ideológicos modernos y no olvidar que en los poemas de Homero Helena aparece descrita como una mujer de piel muy clara y brazos blancos y muy hermosa reflejando el canon de belleza de la antigua Grecia

• Samantha Morton como Circe, una bruja y diosa de la isla de Eea. 

• John Leguizamo como Eumeo, un porquero ciego y fiel sirviente de Odiseo. 

• Zendaya como Atenea, la diosa de la sabiduría, la guerra y la artesanía, que protege a Odiseo durante su viaje. Zendaya también interpreta a una joven sacerdotisa troyana de Atenea que muere durante el asalto a Troya, cuya apariencia adopta posteriormente la diosa.

• Charlize Theron como Calipso, una ninfa de la isla de Ogigia que intenta convencer a Odiseo para que viva como su esposo ofreciéndole la promesa de la inmortalidad. 

• Jon Bernthal como Menelao, el rey de Esparta y esposo de Helena. 

• Himesh Patel como Euríloco, segundo al mando de Odiseo, quien cuestiona sus ideas y planes. 

• Bill Irwin como el intérprete en el set de Polifemo, un cíclope e hijo de Poseidón. 

• Elliot Page como Sinón, un soldado griego hijo de un sirviente de Antínoo, que fue reclutado durante su infancia y criado para convertirse en soldado, alcanzando la edad adulta justo cuando los griegos llegaron a Troya.[] Sinón no aparece en el poema original de Homero y su historia fue tomada de la Eneida de Virgilio y de otros mitos. 

• Benny Safdie como Agamenón, el rey griego de Micenas, esposo de Clitemnestra, hermano mayor de Menelao y comandante de los arqueros durante la guerra de Troya. 

Adaptaciones Clásicas y Monumentales

• Ulises (Ulysses, 1954): Dirigida por Mario Camerini, es una de las adaptaciones más famosas de la época dorada del cine épico europeo (peplum). Está protagonizada por Kirk Douglas como Ulises y Anthony Quinn. Destaca por condensar con dinamismo el largo viaje del héroe.

• La Odisea (The Odyssey, 1997): Una miniserie de televisión dirigida por Andrei Konchalovsky. Ganadora de un premio Emmy, es considerada por muchos una de las versiones más fieles y completas en cuanto al recorrido mitológico de Odiseo, con efectos especiales muy logrados para su época.

• El regreso de Ulises (The Return, 2024): Dirigida por Uberto Pasolini y protagonizada por Ralph Fiennes como un envejecido Odiseo que vuelve a Ítaca. Deja de lado la fantasía para centrarse en el drama humano, la venganza y el reconocimiento tras la guerra. 

• La Odisea (The Odyssey, 2026): Dirigida por Christopher Nolan, esta superproducción en formato IMAX explora el mito desde una perspectiva más humana, enfocándose en la memoria y las secuelas de la guerra por encima de la fantasía pura.

Aquí les introduzco unas notas de nuestro amigo el  comentarista y periodista Antonio Mazón Robau:

“Al fin he visto La odisea. Esta nueva copia corsaria pesa 4 gigas y tiene mejor sonido y un poco más de luz que la que circulaba anteriormente. Pero no se hagan ilusiones, es como dice erróneamente la gente, una "copia de cine" o sea, filmada dentro de un cine. O sea que seguimos a años luz del original. Como afirmé anteriormente imposible juzgar en serio un trabajo tan alejado del formato original, así que solo esbozo unas notas al pie de página: 

1. Es muy larga pero entretenida. 

2. No creo sea el mejor título de Nolan si pensamos en Oppenheimer y otras. 

3. Se ausenta el tono épico que cabe esperar en un título de este corte reemplazado por un monólogo dramático del personaje central. 

4. Los efectos especiales son simplemente correctos. 

5. Al verla pensé que me hubiera gustado la dirigiera Ridley Scott con su magia para el relato épico. 

6. Matt Damon da lastima como Odiseo. Nunca me convenció como personaje. Lo de Zendaya y Lupita son casi cameos, lo demás en este acápite es solo estándar.

7. Sin profundizar en la adaptación, que tantas críticas ha recibido hay que concluir que Nolan se apropió de la obra homérica e hizo lo que estimo conveniente. Eso es todo. 

8 y final. La peor frase de la película es cuando Damon se refiere al fin de la Edad del Hierro. Como si Odiseo, el personaje, pudiera conocer eso en su tiempo. Saludos.”

Amigos Intocables, 2011

El film de Eric Toledano y Olivier Nakache es una historia basada en hechos reales sobre dos hombres muy distintos que consiguen una relación de amistad entrañable y única. La enseñanza de vida está implícita desde el comienzo, no pretende invisibilizarse y recurre al sentimentalismo.

Philippe (François Cluzet) es un hombre viudo y adinerado, pero como consecuencia de un accidente su cuerpo perdió la motricidad y la sensibilidad. Vive sus días sentado en una sofisticada silla de ruedas, rodeado de enfermeras y asistentes mujeres. Así es como Driss (Omar Sy) aparece en su vida, cuando Phillipe busca un hombre que lo asista en sus diferentes necesidades. Driss será mucho más que eso en poco tiempo y el vínculo entre ellos se convierte en el centro de la  película, marcado fundamentalmente por el buen humor de Driss y su mirada hacia Philippe, ausente de cualquier tipo de lástima.

Amigos intocables (Intouchables, 2011) es una  comedia que intenta equilibrar el protagonismo de los dos personajes y están juntos en la gran mayoría de las escenas. Sin embargo, es Driss quien produce el movimiento, tanto al film como a la vida de Philippe. El negro “poco fiable” que cambia la vida de un blanco es ya un arquetipo, por lo que hacerlo funcionar es un todo un desafío. Los directores lo resuelven apoyándose en la ambivalencia del personaje de Driss: sí, hay que temerle, es violento y prepotente pero tiene buen corazón, es inteligente y bienintencionado

Omar Sy parece ideal para el rol y supo explotar esta doble faceta que lo aleja del estereotipo. Lógicamente que de François Cluzet se puede hablar mucho también, pero lo más interesante de su personaje es que no está acotado a su incapacidad. Y por eso la relación entre ellos puede crecer, porque Driss le enseña a Philippe otras maneras de ser feliz alejadas de la mera intelectualidad, y en estos intercambios los dos se tratan como iguales, sin dramatizar las obvias diferencias.

La historia verídica en la que se basa Amigos intocables es propensa a los tipos de films que apelan a la emoción y a las moralejas. Es difícil correrse de ese estilo de “lección de vida”. Si bien no se hace tan evidente, eso es lo que más molesta de la película y que por momentos entorpece su andar. Porque consigue escenas frescas y cómicas con una gran simpleza (en la ópera por ejemplo), pero también otras muy obvias y de relleno.

El equilibrio entre el drama y la comedia favorece mucho al relato, pero son principalmente los actores los que consiguen transmitir el in crescendo del vínculo. Eso es lo que el film supo explotar, y allí reside su principal atractivo.

Los intérpretes

Omar Sy,  es la película. Con razón arrebató el Cesar a Jean Dujardin, no por falta de méritos de este. Con otro intérprete, el resultado podría haber sido empalagoso o detestable, pero este actor y humorista, enorme en todos los sentidos, llena los encuadres y aporta toda la diversión. 

François Cluzet, que solo puede acompañarse de gestos faciales, se deshace en sonrisas para llevar la contraria a papeles en los que hasta ahora lo habíamos encasillado, como el de ‘No se lo digas a nadie’. Como en las comedias románticas, el primer encuentro entre los dos protagonistas tiene que dar la impresión de que esas dos personas nunca se llevarán bien y para ello están muy bien situados en los dos extremos de la escala social y los viajes del centro a las afueras de París demuestran que cada uno proviene de un planeta distinto.

Son asimismo encomiables las participaciones de las actrices secundarias, en especial Anne Le Ny, como Yvonne. Tanto ella como el personaje de Audrey Fleurot necesitan, con la misma intensidad que su jefe, que en sus vidas aparezca algún elemento que les devuelva la sonrisa. Ver a ambas mujeres irse despojando de capas y prevenciones resulta casi tan catártico como ver al inválido recuperar la alegría de vivir.

La escandalosa taquilla que ha hecho ‘Intocable’ se puede comprender, si no olvidamos que uno de los propósitos más loables del séptimo arte es el de distraernos de nuestros problemas y aburrimientos cotidianos para permitirnos disfrutar de un rato entretenido y cómico. El drama se introduce en una dosis muy pequeña para garantizar la implicación total con la narración y darle una entidad más completa. 

En el año 2016 los argentinos sacaron un remake: Inseparables, dirigida por Marcos Carnevale y protagonizada por Oscar Martínez y Rodrigo De La Serna. Ambas películas tienen muchas cosas en común pero algo sobresale: La banda sonora y en especial los hits utilizados. La película francesa utilizó "Boogie Wonderland" de Earth, Wind & Fire con The Emotions y la argentina una cumbia clásica: Bombón asesino de las Palmeras

Título original: Intouchables

Año de estreno: 2011

País: Francia

Dirección: Olivier Nakache y Éric Toledano

Guion: Olivier Nakache y Éric Toledano 

Banda sonora / Música: Ludovico Einaudi

Fotografía: Mathieu Vadepied

Montaje: Dorian Rigal-Ansous

Diseño de vestuario: Isabelle Pannetier

Billy Elliot, 2000

 

Billy Elliot es una aclamada película británica que cuenta la historia de un niño de once años que cambia los guantes de boxeo por las zapatillas de ballet. Ambientada en el noreste de Inglaterra durante la dura huelga minera de 1984, el filme aborda la superación personal, la ruptura de estereotipos de género y el sacrificio familiar. 

La película no evita la realidad; muestra de manera cruda y realista la crisis económica y el sufrimiento de las comunidades mineras de la época. El entorno obrero contrasta fuertemente con la disciplina artística. Destaca la brillante interpretación de Jamie Bell en el papel de Billy, así como la evolución de su padre, quien pasa del rechazo inicial a hacer sacrificios inmensos para que su hijo pueda triunfar. 

La obra es reconocida por su inspirador mensaje sobre ser fiel a uno mismo frente a la presión social, el qué dirán y las expectativas familiares. Sin duda, la lucha por los sueños y la superación personal en medio de un entorno social adverso, son temas inspiradores y motivadores que nos evocan distintos sentimientos. Estos son algunos de los temas de los que trata la película Billy Elliot, del autor Lee Hall lanzada el 29 de septiembre del 2000 junto a Universal Pictures, donde muestra la travesía de un niño para alcanzar sus sueños y convertirse en un bailarín de ballet en medio de una huelga minera en 1984 y sin el apoyo de su familia. Su historia nos hace reflexionar sobre el poder que a lo largo de los años han tenido los estereotipos de género en las profesiones - las mujeres a cuidados y los hombres a trabajos manuales, deliberando de manera indistinta qué es lo correcto o lo incorrecto.

Cuando queremos intentar algo nuevo vemos reflejados esos estigmas sociales forjados por el poder que tiene la percepción de estos en nuestra toma de decisiones. En los últimos años, la perspectiva que el mundo tiene sobre los oficios se ha modificado y distintos acontecimientos han marcado un antes y un después. Lo cual se ve ejemplificado desde la su historia ya que muestran como Billy, siendo tan solo un niño, está en la constante lucha por ejercer su pasión por un oficio como lo es el ballet y que por este ha sido juzgado y reprimido en su entorno, incluyendo su familia; luego muestran como ya siendo un hombre, en su show no es el único que ejerce este oficio y que además ha creado un vínculo de apoyo, vulnerabilidad y amor en su laso familiar, lo que logra una mayor conexión con aquellos que ven la película. Sin embargo, el progreso es lento y no es lineal; nos falta mucho camino por recorrer para que un género no defina lo que podemos hacer. Billy Elliot es un ejemplo de cómo traspasar barreras une personas por una misma causa y de cómo sí es posible dejar de lado los estereotipos; nos enseña que hay que ser uno mismo por encima de todo sin preocuparse por lo que dirán. Como última instancia, no encontrará una mayor profundización en este texto, solo la invitación a que vea la película, la disfrute, la analice y quizás encuentre otros temas no mencionados en este comentario.

La crítica especializada ha elogiado la película por su equilibrio perfecto entre el drama social y un humor tierno y conmovedor. Se convirtió en un fenómeno cultural a nivel internacional y obtuvo tres nominaciones a los premios Oscar, consolidándose como una de las películas británicas más exitosas del año 2000. Su popularidad fue tal que inspiró un exitoso musical de teatro que se ha representado en todo el mundo. 

La película tuvo un índice de aprobación del 85 % en Rotten Tomatoes. La crítica alabó en general las actuaciones de Gary Lewis y Jamie Bell

Dead Poets Society, 1989

En estos días invernales estoy volviendo a ver determinadas películas que hicieron historia o aquellas de mi larga lista de favoritas. Así, en una búsqueda me encontré con “La Sociedad de los poetas muertos” de 1989. En Cuba se estrenó en el popular espacio de televisión “Toma 1” casi inmediatamente después de su estreno mundial.

La película sigue a un grupo de chicos de un internado recién cautivados y envalentonados por los métodos poco convencionales de su nuevo profesor de inglés, el Sr. Keating (Robin Williams). Los chicos —entre ellos Neil Perry (Robert Sean Leonard), un estudiante brillante emocionalmente agobiado por las grandes expectativas profesionales de sus padres; Knox Overstreet, un adolescente enamorado y lleno de ilusión; y Todd Anderson, un chico dolorosamente cohibido con el alma oculta de un artista— buscan inspiración en Keating y retoman las reuniones de la Sociedad de los Poetas Muertos del exalumno, una especie de secta literaria. A través de múltiples subtramas, los chicos se toman en serio el lema de Keating: "¡Carpe diem!", sermones y aprovechar el día persiguiendo sus pasiones y los deseos de sus corazones.

Conocemos al profesor Keating al final de un montaje de otros profesores mayores de Welton, incluyendo a un instructor de latín que incita a los alumnos a repetir mecánicamente una serie de conjugaciones, seguido de un profesor que insiste en la "precisión absoluta" requerida en trigonometría. Luego, vemos a los chicos esperando otra lección tediosa. Aparece Keating silbando la Obertura 1812 de Chaikovski. Su despreocupación contrasta notablemente con el estilo de enseñanza, por lo demás rígido, de Welton. Este tipo de yuxtaposición obvia y exagerada caracteriza y perjudica el guion de La sociedad de los poetas muertos. La película recurre a una hipérbole innecesaria y decepcionante para ensalzar el poder de una educación en humanidades.

En el ejemplo más flagrante de esta hipérbole, Keating le pide a un estudiante que lea la introducción de su libro de texto de poesía. El ensayo académico del Dr. J. Evans Pritchard detalla un enfoque metodológico de la poesía que implica representar gráficamente la importancia y la grandeza de un poema. Al volver a ver esta escena, puse los ojos en blanco cuando el ensayo instruyó a los estudiantes a calcular la integral de un poema, a calcular su área para determinar su valor. Keating, en un giro deliberadamente revolucionario, les pide vehementemente a los estudiantes que arranquen las páginas de la introducción del libro de texto. Claramente, esta acción pretende ser una demostración de la sabiduría creativa de Keating. Sin embargo, según este poeta, los criterios de Pritchard para evaluar la poesía son «cómicamente mecanicistas», y sería difícil encontrar a algún estudioso de la literatura inglesa que no se riera de las palabras de Pritchard. Las creencias de Keating no son tan novedosas como la película «La sociedad de los poetas muertos» quiere hacer creer al espectador.

Algunos espectadores podrían salir de El club de los poetas muertos pensando: «¡Guau! Ojalá hubiera tenido un profesor como Keating». Yo no fui uno de ellos. Si bien la mayoría de los profesores de Welton adaptan sus programas para sofocar cualquier atisbo de creatividad, admito que prefiero su estilo de enseñanza rígido al enfoque laissez-faire de Keating hacia el inglés. «Siéntate y relájate», dice Keating, «y la poesía hermosa y significativa simplemente fluirá de tus labios». En una escena, Keating invita al tímido Todd Anderson al frente del aula, le muestra una foto de Walt Whitman y le pide que grite las primeras palabras que le vengan a la mente. Con un poco de aliento, Anderson cierra los ojos y deja que la poesía fluya de él; incluso él parece sorprendido por sus propias palabras. Keating sonríe con aire de suficiencia, como si hubiera trabajado duro para moldear al artista recién consagrado que tiene delante. En realidad, lo único que ha hecho es decirles a sus alumnos que la poesía es "la esencia de la vida", sin explicarles en absoluto qué significa esta generalización.

Desafortunadamente para Keating, citar una estrofa de «A las vírgenes, aprovechen el tiempo» de Herrick y reducir su complejidad a un cliché ,¡aprovechen el día! no califica como «estudio profundo», y es improbable que sus estudiantes retuvieran mucho conocimiento literario al oírlo susurrar «Carpe diem» mientras miraban viejas fotos de exalumnos de Welton. Su enfoque frívolo de la poesía socava la validez del estudio del inglés en general y contradice directamente lo que pretende inculcar a sus estudiantes. La Sociedad de los Poetas Muertos pretende ser una carta de amor a las humanidades, un testimonio del poder del pensamiento crítico para cambiar el mundo. En cambio, Keating convierte en una caricatura la disciplina del inglés.

Todo esto no quiere decir que La sociedad de los poetas muertos no tenga mérito. A pesar de los defectos de su personaje, Robin Williams ofrece una actuación convincente (y retrospectivamente devastadora, considerando el destino de Neil) que le valió una merecida nominación al Oscar. A pesar de su historial de papeles cómicos, Williams demuestra su versatilidad actoral en un papel que guarda similitud con su interpretación del terapeuta Sean Maguire en El indomable Will Hunting casi diez años después: Williams parece brillar como un sabio mentor para adolescentes con problemas. Otros miembros del reparto reflejan la aptitud de Williams. En el primero de muchos papeles que definirían su carrera, Ethan Hawke encuentra su lugar como actor y le otorga una tímida inocencia a Todd, contrastando maravillosamente con la compostura de Robert Sean Leonard como Neil. Josh Charles luce un encanto juvenil como Knox Overstreet, añadiendo un toque de romance idealista a la película cuando corteja a una chica de una escuela vecina. Cinematográficamente, el hermoso paisaje otoñal del noreste que muestra Welton se presta a unas panorámicas impresionantes, y el espectador seguramente se verá atraído por esta visión romántica de un internado.

Estos elementos encantadores contribuyen a la representación "profundamente seductora" que hace El club de los poetas muertos de la educación en humanidades. Keating aporta a la enseñanza una pasión, inventiva y espontaneidad que resultan entrañables para el público en general. En todos los géneros cinematográficos, incluyendo películas como El cielo de octubre o las de la saga de Harry Potter, nos sentimos atraídos por la imagen de un profesor comprometido con sus alumnos. Visto desde la perspectiva actual de un sistema de educación pública deficiente y una enseñanza estandarizada, el estilo de enseñanza personalizado de Keating brilla con luz propia.

En una escena deliberadamente audaz, Keating salta sobre su escritorio, invitando a sus alumnos a hacer lo mismo. Exclama: «Me subo a mi escritorio para recordarles que debemos mirar las cosas constantemente desde una perspectiva diferente», una supuesta lección sobre el poder de la perspectiva. Fue precisamente así que sus alumnos lo despidieron del internado y constituyó una escena icónica del cine.

El filme estuvo nominado a 4 premios Oscar: Mejor película, director y actor y finalmente obtuvo el Oscar al Mejor Guion Original

Ficha Técnica:

Título original: Dead Poets Society

Año de estreno: 1989

País: Estados Unidos

Director: Peter Weir

Guion: Tom Schulman

Productores: Steven Haft, Paul Junger Witt, Tony Thomas

Música original: Maurice Jarre

Fotografía: John Seale

Reparto Principal

Robin Williams como el profesor John Keating

Robert Sean Leonard como Neil Perry

Ethan Hawke como Todd Anderson

40 Segundos.

 Una colaboración de Hamlet Araya González. Clik en los Enlaces de Interés

The Green Mile, 1999

Nuevamente vi anoche la conmomedora película La Milla Verde. Es de esas películas que uno disfruta cada vez que la ve. Milagros inesperados, 1999 (conocida en España como La milla verde y en  Latiniamérica como milagros inesperados), dirigida por Frank Darabont, es ampliamente considerada una de las películas más conmovedoras y memorables de la historia del cine. Basada en la novela de Stephen King, la obra combina el drama carcelario con elementos de fantasía y misterio.

Tanto la crítica como el público suelen describirla como una "obra maestra" que logra mantener el interés a pesar de sus tres horas de duración. Se destaca la habilidad de Darabont para narrar historias humanas en entornos carcelarios, tal como lo hizo en Sueño de Fuga (También conocida por Cadena Perpetua). La interpretación de Tom Hanks como el guardia Paul Edgecomb es muy valorada, pero es Michael Clarke Duncan quien se lleva gran parte de los elogios por su papel de John Coffey, un personaje cuya bondad y "don" sobrenatural contrastan con su imponente presencia física.  Es célebre por su capacidad para hacer llorar a la audiencia. Los espectadores suelen comentar cómo la película explora temas profundos como la injusticia, el sacrificio y la redención

La película critica duramente la maldad del hombre hacia sus semejantes y cómo los sistemas legales pueden fallar horriblemente al juzgar. Muchos análisis sugieren que John Coffey es una figura mesiánica, un "ángel" o representante divino que sufre por los pecados ajenos y desea la muerte para escapar del dolor del mundo. 

Críticas actuales de sitios como Common Sense Media señalan que la película no ha envejecido perfectamente en algunos aspectos, debido a que se apoya en el tropo cinematográfico del personaje negro cuyo único propósito es salvar o curar a los protagonistas blancos.

La Milla Verde, el título original hace referencia al pasillo que recorren los condenados a muerte, cubierto de linóleo verde, simbolizando el camino final hacia la ejecución. 

Que decir de este excelente trabajo del director, a mi particularmente me parece una de las mejores adaptaciones al cine de un trabajo literario (en este caso no novela), que llega a convencer a todos, crítica, público, e incluso, al autor del relato Stephen King, que se mostró muy satisfecho con el resultado.

Creo personalmente que el éxito de esta película, aparte de la estupenda factura técnica, se debe a la fuerza del guion y la composición de los personajes, teniendo en cuenta que todo trascurre en "el corredor de la muerte" es muy meritorio exprimir de los personajes todos los sentimientos que se despliegan a lo largo del  metraje, la humanización de los que, van a ser, en definitiva, asesinados (como ellos lo son) y la relación que tienen entre ellos, unos carceleros extraordinariamente sensibles y comprensivos, menos uno de ellos,  y como se edulcora las situaciones de un modo natural, sobre todo un sistema restrictivo y anticuado, sobre una institución siempre polémica, como es la pena de muerte, resulta en conjunto una sensible forma de narrar una historia (perfectamente hilada por otra parte).

El filme tiene como argumento a Paul Edgecomb, un anciano que vive en un centro de vida asistida se emociona un día mientras ven una película clásica en blanco y negro. Elaine, una anciana que vive allí y es su mejor amiga, cuestiona las emociones de Paul, quien explica que la película le recordó cuando trabajaba como guardia de prisión durante la Gran Depresión.

En 1935, Paul, de mediana edad, trabaja en el corredor de la muerte de la prisión estatal Cold Mountaín en Luisiana, en el peor momento de la segregación racial, junto con Brutus Howell, Dean Stanton, Harry Terwilliger y Percy Wetmore. Un día recibieron a un prisionero llamado John Coffey, un hombre alto de raza negra que ha sido condenado por violar y asesinar a dos niñas. A pesar de ser el autor de uno de los crímenes más atroces vistos en los últimos años, Coffey es un prisionero modelo, amable y obediente, con el intelecto y personalidad de un niño pequeño e inocente.

Paul padece una dolorosa infección urinaria hasta el día en que se acerca descuidadamente a John Coffey y este lo atrapa para curar su enfermedad tragando el mal que la provoca para después destruirlo al vomitarlo. Eduard Delacroix, otro condenado a muerte ha adoptado a un ratón al que llama Señor Jingles y Percy, que es sádico, cobarde, arrogante ya que alardea de tener impunidad de acción debido a que es sobrino de la esposa del gobernador, aplasta al ratón para burlarse de Delacroix, pero John lo salva antes de que muera. Al ver que John puede realizar milagros, Paul duda de que sea culpable de sus crímenes.

Paul y los otros guardias se enteran de que Melinda, la esposa de Hal Moores, el director de la prisión, tiene un tumor cerebral y ha sido desahuciada. Ya que se trata de una mujer noble y querida por todos, los guardias deciden sacar a John sin permiso una noche y llevarlo a casa de Hal. Para salir sin llamar la atención, encierran a Percy en la celda de confinamiento solitario fingiendo que es un castigo por lo que hizo a Delacroix y drogan a William para que no los vea salir; sin embargo, mientras John pasa frente a su celda, Wharton lo toca antes de caer dormido por los somníferos, lo que provoca un inexplicable pánico en John.

Una vez en casa de Hal, John cura a Melinda, pero se niega a vomitar el mal que extrajo de ella a pesar de que parece enfermarlo. De vuelta en prisión, cuando liberan a Percy, John lo atrapa y le traspasa lo que extrajo de Melinda dañando con ello su cordura; tras esto, Percy acribilla a William y queda en estado catatónico. John usa sus poderes para mostrar a Paul por medio de una visión que, al ser tocado por William, descubrió que era el verdadero asesino de las niñas confirmando también que él mismo realmente era inocente ya que solo intentó salvarlas cuando las encontró. 

Paul se muestra reacio a ejecutar a John y le ofrece dejarlo huir, pero John le explica que ve la ejecución como un acto de misericordia, ya que se vive en constante sufrimiento porque cada segundo siente en sí mismo el dolor que las personas de todo el mundo se infligen entre sí. Los guardias, como último deseo, dejan que John vea una película y coma una comida casera. Después de la película, John es ejecutado ante el dolor de los guardias que lo conocieron.

En la actualidad, el anciano Paul termina su historia mencionando que después de la ejecución de John, él y Brutus renunciaron a la prisión y tomaron un trabajo en el sistema juvenil. Elaine, rápidamente saca cuentas razonando que la historia no puede ser verdad ya que por las fechas implicaría que Paul tiene más de un siglo; ante esto Paul la lleva a un escondite donde mantiene oculto al Señor Jingles, señalando que tras la muerte de John lo encontró y lo ha cuidado. Paul explica que ambos recibieron la energía de John en más de una ocasión y eso parece haber extendido sus vidas de forma sobrenatural y durante décadas Paul ha debido ver envejecer y morir a todos los que ama llegando a comprender que su longevidad es un castigo de Dios por matar a uno de sus milagros.

Ficha Técnica

Título original: The Green Mile

Año: 1999

País: Estados Unidos

Director: Frank Darabont

Guion: Frank Darabont (basado en la obra de Stephen King)

Música: Thomas Newman

Fotografía: David Tattersall

Montaje: Richard Francis-Bruce

Reparto: Tom Hanks como Paul Edgecomb

Michael Clarke Duncan como John Coffey

                David Morse como Brutus "Brutal" Howell

                Bonnie Hunt como Jan Edgecomb

               James Cromwell como Hal Moores

La película obtuvo 4 nominaciones al Oscar aunque no obtuvo ninguno. Fue nominada en las categorias:

Mejor Película

Mejor Actor de Reparto. ( Michael Clarke Duncan quién falleció poco después, en 2012)

Mejor Guion Adaptado 

 Mejor Sonido. 

Michael, 2026

El pasado fin de semana fui a la sala oscura a ver el estreno de Michael basada en la  vida del rey del pop y figura controvertida del espectáculo. Me quede con los deseos de un buen cine. 

Michael es una película biográfica de drama musical estadounidense sobre el cantante Michael Jackson. Estrenada en 2026. Dirigida por Antoine Fuqua y  escrita por John Logan. La historia abarca desde la participación de Michael en los Jackson 5 en los años 60 hasta el tour Bad World Tour en la década de 1980. Jackson es interpretado por su sobrino Jaafar Jackson y, de niño, por Juliano Krue Valdi, ambos en su debut cinematográfico. El elenco secundario incluye a Nia Long, KeiLyn Durrel Jones, Laura Harrier, Jessica Sula, Mike Myers, Miles Teller y Colman Domingo.

El desarrollo comenzó en noviembre de 2019, cuando se informó que el productor Graham King había adquirido los derechos para producir una película sobre Jackson, con Logan como guionista. Lionsgate Films anunció la película en febrero de 2022. Fuqua fue anunciado como director en enero de 2023, y el casting comenzó ese mismo mes con la elección de Jaafar; el resto del casting se llevó a cabo entre enero y abril de 2024.

Tras los retrasos ocasionados por la Huelga SAG-AFTRA de 2023, el rodaje tuvo lugar entre enero y mayo de 2024. Tras descubrirse una cláusula en un acuerdo legal, se eliminaron las referencias a las acusaciones de abuso sexual infantil contra Jackson en 1993, se revisó el tercer acto y se volvieron a filmar escenas en junio de 2025. Estudios como Industrial Light & Magic se encargaron de los efectos visuales.

El primer tráiler, lanzado en noviembre de 2025, se convirtió en el más visto de cualquier película biográfica musical o de concierto. Michael se estrenó en Berlín el 10 de abril de 2026 y fue estrenada el 24 de abril por Lionsgate en Estados Unidos y por Universal Pictures en otras partes del mundo. Recibió críticas generalmente negativas; los críticos elogiaron la actuación de Jaafar Jackson pero criticaron la historia por estar "edulcorada". Ha recaudado, hasta el momento, 217 millones de dólares.

En 1966, el obrero siderúrgico Joseph Jackson reunió a sus cinco hijos en la banda musical Jackson 5, con el menor, Michael, como vocalista principal. Tras meses de agotadores ensayos, que incluyeron medidas disciplinarias por parte de Joseph, los Jackson 5 comenzaron a actuar hasta que firmaron con Motown. Sus álbumes alcanzaron la cima de las listas y agotaron las entradas de sus conciertos en todo Estados Unidos, lo que les permitió mudarse de Gary, Indiana, a una mansión en Encino, California. El fundador de Motown, Berry Gordy, creía que Michael tenía más potencial como estrella en solitario.

En 1978, Michael firma con Epic Records para su primer álbum en solitario, Off the Wall, producido por Quincy Jones. A pesar de su éxito, Joseph lo frena, creyendo que es el único responsable de la fortuna de sus hijos. Tras una discusión con Joseph, Michael sigue el consejo de su guardaespaldas y amigo íntimo, Bill Bray, y forja su propio camino. En 1981, contrata a John Branca como su abogado y le pide que despida a Joseph por fax. Sintiendo inseguridad sobre su apariencia, Michael se somete a una rinoplastia para reducir el tamaño de su nariz.

Además de visitar hospitales infantiles, Michael experimenta con ideas para su próximo álbum, cuyo lanzamiento está previsto para 1982. Tras ver un reportaje sobre la guerra de pandillas entre los Crips y los Bloods, compone "Beat It". Michael y Jones tienen dificultades para ponerle nombre al álbum, pero después de ver películas de terror en la televisión, Michael se decide por el título Thriller. Con el álbum batiendo récords de ventas, Michael y Branca viajan a Nueva York para pedirle al presidente de CBS Records, Walter Yetnikoff, que consiga que MTV emita los vídeos musicales de Michael. MTV accede a darle tiempo en antena a pesar de que Yetnikoff pretende retirar el catálogo de CBS Records de la cadena. Con esto, Michael logra convertir su música en un éxito global, se presenta en El especial del 25 aniversario de Motown para mostrar su coreografía de su canción Billie Jean, y con ella su nuevo paso de baile, el Moonwalk.

Mientras Michael disfruta de su éxito, Joseph se reúne con el promotor de boxeo Don King para hablar sobre una posible gira de reunión de los Jackson en 1984. King le ofrece a Joseph un contrato de patrocinio con PepsiCo, con la condición de que Michael salga de gira con los Jackson. Durante la grabación de un anuncio de Pepsi, una chispa de los fuegos artificiales prende fuego al cabello de Michael, causándole quemaduras de tercer grado y daños nerviosos. Él y Branca demandan a Pepsi por los daños, y la indemnización se destina al centro de quemados donde fue tratado.

Durante su estancia en el hospital, Michael se convence de que quizás su verdadero propósito de vida es ayudar y sanar el mundo, por eso decide que el dinero que recauden debe estar destinado a donaciones. Una vez recuperado, Michael sale de gira con sus hermanos. Durante el último concierto en el Dodger Stadium, Michael anuncia que es la última vez que los Jackson actuarán juntos, rompiendo así su relación con Joseph. Michael actúa en el estadio de Wembley durante la gira Bad en 1988, interpretando dicha canción.

En general se disfruta de la película solamente la banda sonora y la fotografía. Lo demás queda por debajo de la expectativa. Las actuaciones dejan mucho que desear, en particular la del padre de los Jackson, casi una caricatura. Veremos si la insinuada segunda parte mejora.

Ficha Técnica

Título Original: Michael

Año: 2026

Dirección: Antoine Fuqua

Guion: John Logan

Protagonista: Jaafar Jackson (como Michael Jackson)

Reparto Destacado: Colman Domingo (Joe Jackson), Nia Long (Katherine Jackson), Miles Teller

Género: Biográfica, Drama, Música

Cónclave, 2024

 

La película, dirigida por Edward Berger y protagonizada por Ralph Fiennes, es aclamada como un thriller político tenso y entretenido, ambientado en el Vaticano. La crítica destaca su impecable factura técnica, fotografía y actuaciones, señalando que equilibra la tradición y la modernidad con un giro final impactante. 

"Cónclave"  nos sumerge en la compleja y hermética elección del nuevo Papa tras la muerte del Santo Padre. Un thriller político con actuaciones estelares encabezadas por Ralph Fiennes, que combina religión, poder y traición dentro del Vaticano. Ofrece una perspectiva íntima y cargada de tensión sobre la elección de un nuevo Papa.

 Esta producción anglo-alemana, incluye en su elenco, además de Fiennes, a Stanley Tucci, Sergio Castellitto e Isabella Rossellini, se centra en los oscuros pasillos del Vaticano, donde más de cien cardenales se enfrentan a tensiones políticas y religiosas para definir el futuro de la Iglesia católica.

La trama de Cónclave no solo se enfoca en la elección de un líder espiritual, sino también en las intrigas políticas y los secretos que se ocultan tras las majestuosas paredes del Vaticano. Ralph Fiennes, en el papel del Cardenal Lawrence, lidera el cónclave mientras lidia con la tensión creciente entre los distintos sectores de la Iglesia. La película destaca por su capacidad de mantener al espectador al borde del asiento con giros inesperados y revelaciones que aumentan el suspenso. La elección papal se convierte en un juego de poder que, más allá de lo religioso, revela ambiciones personales y luchas internas.

El elenco ofrece interpretaciones excepcionales, con diálogos que fluyen de manera natural en italiano y latín, transportando al público directamente a las ceremonias más solemnes del Vaticano. Los actores secundarios, como Stanley Tucci y Isabella Rossellini, enriquecen la narrativa con personajes que esconden ambiciones ocultas y deseos de poder.

La recreación de la Capilla Sixtina y los detallados escenarios refuerzan la inmersión en el universo vaticano. La dirección artística se luce en cada rincón, desde las vestiduras papales hasta los ornamentos que decoran los salones del Vaticano, lo que añade profundidad a la atmósfera tensa y envolvente que caracteriza a Cónclave.

El director Edward Berger logra un delicado balance entre la tensión política y los momentos de distensión, aportando un sutil toque de humor que aligera el peso de las conspiraciones en algunos momentos. A medida que avanza la película, el suspenso crece, culminando en un desenlace que deja al espectador reflexionando sobre las profundas implicaciones del poder y la fe. La capacidad de Berger para dirigir con precisión tanto los momentos de alta tensión como las escenas más íntimas y silenciosas es lo que eleva a Cónclave por encima de otros thrillers religiosos.

Principales Comentarios y Críticas:

• Actuaciones y Dirección: La actuación de Ralph Fiennes como el cardenal Thomas Lawrence es ampliamente elogiada por su matizada interpretación del sentido del deber y la crisis de fe. El elenco internacional, que incluye a Stanley Tucci e Isabella Rossellini, también ha recibido elogios por su calidad.

• Trama y Ritmo: Se describe como una película clásica y concisa, más entretenida de lo esperado, que logra generar suspenso a través de las votaciones y los juegos de poder.

• Aspectos Visuales: La película es elogiada por su cinematografía y diseño de producción, que evocan el arte renacentista.

Recibió 8 nominaciones al Oscar del 2025 obteniendo en la categoría de Mejor Guion Adaptado de Peter Straughan.

En los Premios BAFTA del 2025 Fue una de las grandes triunfadoras de la academia británica, obteniendo 4 premios: Mejor Película, Mejor Película Británica, Mejor Guion Adaptado y Mejor Diseño de Producción.

El Guion Adaptado de Straughan obtuvo además el Globo de Oro.

Ficha Técnica.

Título original: Cónclave

Dirección: Edward Berger

Guion: Peter Straughan (basado en la novela de Robert Harris)

Música: Volker Bertelmann

Fotografía: Stéphane Fontaine

Reparto Principal:

o Ralph Fiennes como el Cardenal Lawrence

o Stanley Tucci como el Cardenal Bellini

o John Lithgow como el Cardenal Tremblay

o Isabella Rossellini como la Hermana Agnes

o Sergio Castellitto como el Cardenal Tedesco

Nurumberg, 2026

Les recomiendo la película “Nuremberg” que llegó a los cines en el mes de marzo de este año, sumando una nueva propuesta al panorama cinematográfico con su retrato de los juicios históricos contra el liderazgo nazi tras la Segunda Guerra Mundial. El filme, dirigido por James Vanderbilt y protagonizado por Russell Crowe en el rol de Hermann Göring y Rami Malek como el psiquiatra militar Douglas Kelley, plantea una mirada centrada en la tensión moral y psicológica detrás de uno de los procesos judiciales más influyentes del siglo XX.

Crowe subrayó que la producción de “Nuremberg” demandó cinco años de investigación y un estricto proceso de documentación para asegurar una representación fiel de los hechos y personajes involucrados, según explicó en una entrevista reciente con The Rake.

El proyecto apostó por un casting y un guion enfocados en destacar la complejidad de la condición humana y las consecuencias de la responsabilidad individual en contextos de poder extremo. Crowe precisó que la vigencia política y moral de Nuremberg persiste, ya que el drama examina cómo sistemas aparentemente sólidos pueden corromperse y cómo las sociedades afrontan —o evitan— el aprendizaje de sus capítulos más oscuros. La película se basa en el libro El nazi y el psiquiatra de Jack El-Hai y traslada a la pantalla preguntas clave sobre el origen del mal y las motivaciones ordinarias detrás de decisiones históricas, aspectos que el actor consideró esenciales para evitar simplificaciones en la interpretación de figuras históricas controvertidas.

En su diálogo con The Rake, Crowe detalló la metodología de rodaje y el rigor ético requeridos para interpretar a Göring. Explicó que, para capturar la dualidad del personaje, decidió evitar un retrato unívoco del villano y enfocarse en las contradicciones biográficas y psicológicas del mariscal nazi, desde su desempeño académico militar hasta la creación de la Gestapo y la firma de las órdenes que habilitaron la “Solución Final”. Según Crowe, la “música [del personaje] es de acordes grandes y desordenados, ambas manos sobre el teclado”; un trabajo de matices que, en su opinión, demanda el género y el contexto histórico de la obra.

La gestación de Nuremberg, en términos industriales, implicó superar múltiples crisis financieras y un proceso de desarrollo que se prolongó trece años, desde las primeras investigaciones de Vanderbilt hasta su llegada a la gran pantalla, según recogió The Washington Post. Vanderbilt sostuvo la preproducción pese a los retrocesos en la obtención de fondos, impulsado por la densidad del guion y por el objetivo de que la película funcionara tanto como documento didáctico como relato dramático.

Una de las metodologías clave durante el rodaje consistió en mantener a los actores sin acceso previo a imágenes originales del Holocausto para las escenas principales del juicio. Vanderbilt instaló cámaras adicionales en el set para registrar las reacciones espontáneas del elenco al exponerse al material histórico, buscando así priorizar la autenticidad emocional y ética de la representación.

El reparto de Nuremberg incluye a Michael Shannon, John Slattery y Richard E. Grant, conformando un elenco que, según Crowe, funcionó como “un salón del Viejo Oeste”, donde cada intérprete afrontó la exigencia dramática del rodaje.

Nuremberg debutó con una ovación de pie en el Festival Internacional de Cine de Toronto, obteniendo reconocimiento inmediato de la crítica por la precisión de su investigación y la amplitud del enfoque narrativo. La cinta se distingue en el drama judicial histórico por su retrato detallado de los 218 días de audiencias y la participación de figuras clave como el fiscal Robert H. Jackson (interpretado por Michael Shannon), incluyendo aspectos menos explorados como el rol diplomático de la Iglesia Católica y la dinámica entre el tribunal internacional y las potencias Aliadas.

La recepción en Toronto se vio reforzada por el regreso de Crowe a un papel protagónico de alto perfil y su desempeño en alemán en el primer acto, lo que acentúa la apuesta de Vanderbilt por la autenticidad cultural y lingüística. Entre los desafíos narrativos, la película aborda la naturaleza del mal sin recurrir a clichés, invitando al espectador a analizar la normalidad aparente de quienes cometieron el genocidio y a reflexionar sobre el auge actual de discursos de odio y autoritarismo.

La película mantiene la narrativa durante sus más de dos horas de duración sin menguar el interés del espectador. Consideramos que puede ser una candidata para la temporada de premios del próximo año.

Ficha Técnica

Título Original: Nuremberg

Título en Español: Nuremberg: El juicio del siglo

Dirección: James Vanderbilt

Guion: James Vanderbilt, basado en el libro The Nazi and the Psychiatrist de Jack El-Hai

Reparto Principal

• Rami Malek como el Psiquiatra Douglas Kelley

• Russell Crowe como Hermann Göring

• Michael Shannon como Robert H. Jackson

• Leo Woodall

• Richard E. Grant

Fresa y Chocolate, 1993

 

Han pasado más de 30 años desde el estreno de Fresa y Chocolate (1993) y su historia continúa emocionando, haciendo reflexionar y generando debate. Una película que no envejece, su mensaje sigue vivo.

Fresa y chocolate es un largometraje coproducción cubano-española-mexicana de 1993 codirigido por Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío. Es una película de género dramático y uno de los primeros ejemplos de temática LGBT en el cine realizado en países hispanos. Su elenco está encabezado por los actores Jorge Perugorría, Vladimir Cruz y Mirtha Ibarra y está basada en el cuento El lobo, el bosque y el hombre nuevo de Senel Paz, quien también escribió el guion.

Dos hombres se encuentran en la heladería habanera Coppelia , Jorge Perugorría como Diego, el artista culto, apasionado y valiente que defendía su derecho a pensar y vivir con libertad y Vladimir Cruz como David, el joven estudiante lleno de ideales y prejuicios que emprende un viaje de transformación personal coinciden en una mesa.

Ambientada en La Habana de finales de los años 1970 Fresa y Chocolate narra la historia de amistad entre estos dos jóvenes muy distintos: David y Diego

David es un ingenuo estudiante de Ciencias Políticas en la Universidad de La Habana. Joven, comunista convencido y lleno de prejuicios e ideas doctrinarias, se aloja en una residencia de estudiantes. El grupo con el que se relaciona está supervisado por Miguel (Francisco Gattorno), miembro del partido comunista.

Diego, un joven artista culto, homosexual, individualista y escéptico, conoce por casualidad a David y se siente atraído por el estudiante. Con el propósito de mantener relaciones sexuales, lleva a su casa a David bajo el pretexto de prestarle unos libros prohibidos que difícilmente podrá conseguir en las bibliotecas públicas o en las librerías que suelen frecuentar. David, al percatarse de las intenciones del artista, las rechaza y se marcha del edificio. No obstante, pasados unos días, el recelo es vencido por la fascinación que empieza a sentir por la vida que lleva el artista, su entorno y sus ideas.

Con el paso del tiempo ambos comienzan a cultivar una amistad sincera a pesar de sus diferencias ideológicas y personales. Diego se decanta por forjar una amistad sincera superando la atracción sexual con la que empezaron a conocerse. David comenzará a mantener una relación con Nancy (Mirtha Ibarra), la íntima amiga y vecina de Diego, que se dedica a la prostitución, y disfrutará de la enriquecedora amistad de Diego.

Al percatarse Miguel de esa amistad decide tender una trampa a Diego, utilizando a David, ya que al ser el artista homosexual lo considera contrarrevolucionario. El estudiante, dando largas, no participa en el proceso pero, como resultado, a Diego lo censuran y acosan en su trabajo. Al empeorar su situación personal y ante la imposibilidad de seguir viviendo en Cuba si no es trabajando en el sector de la construcción, Diego decide emigrar de la isla. Aunque David intenta convencerlo de que no se marche, la decisión del artista es firme. En la última escena, tras sincerarse ambos sobre los deseos íntimos y las motivaciones con las que se conocieron, se funden en un afectuoso y emotivo abrazo.

La película es considerada uno de los primeros ejemplos positivos en mostrar la homosexualidad en el cine realizado en Cuba y uno de los filmes más internacionales de su filmografía. También se suele destacar la trascendencia y perdurabilidad de su mensaje debido a la temática reflejada en la cinta. 

Dirigida por Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío, esta película hizo historia al convertirse en la primera nominada cubana al Premio Óscar como Mejor Película Extranjera y conquistar premios internacionales como el Oso de Plata en Berlín y el Premio Goya al mejor largometraje extranjero de habla hispana en la edición celebrada el 21 de enero de 1995.

Más que una película, fue un antes y un después en el cine nacional. Nos habló de amistad, tolerancia y libertad ideológica en una época compleja, abriendo caminos en la cultura cubana.

Ficha Técnica

Título: Fresa y chocolate.

Año: 1993.

País: Cuba, en coproducción con España y México.

Dirección: Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío.

Guion: Senel Paz, basado en su cuento El lobo, el bosque y el hombre nuevo.

Fotografía: Mario García Joya.

Música: José María Vitier. 

Reparto: Jorge Perugorría, Vladimir Cruz, Mirta Ibarra. 

Pulp Fiction , 1994

Conocida por Tiempos Violentos en Hispanoamérica, está película es una de las mejores del director Quentin Tarantino, considerado por la crítica como uno de los mejores directores de la actualidad.

No existe en la filmografía de Quentin Tarantino, una película mala, según la crítica. Los expertos han catalogado a todos sus filmes como obras del séptimo arte. Pero no solo los periodistas especializados han inclinado la balanza para recomendar su cine, también el público tiene en alta estima a las cintas del artista originario de Knoxville, Tennessee. Pero de entre todas las buenas existe una película que supera a todas sus historias, y es considerada la mejor de su cinematografía. 

Esta película es una cinta disruptiva que se estrenó en la década de los años 90. ¿Por qué es considerada la mejor obra de Tarantino?.  Aunque es un tema de opinión subjetiva, los periodistas de cine y los medios más reconocidos de la industria del cine y el entretenimiento han coincidido en puntuar de manera positiva a Tiempos Violentos. Sitios especializados en crítica de cine como Rotten Tomatoes (con 92% de aprobación), Metacritic (95%), Tomatazos (94% positiva), y Filmaffinity (86%), han calificado a este filme con una puntuación bastante alta como para considerarla una cinta de culto. Pulp Fiction está narrada en un orden no cronológico y cuenta tres historias entrelazadas. La primera de ellas sigue al asesino a sueldo Vincent Vega mientras se ocupa de cuidar de Mia Wallace. El boxeador Butch Coolidge es el protagonista de la segunda y, finalmente, la tercera concierne al compañero de Vincent, Jules Winnfield. Las tres historias están relacionadas entre ellas para formar una intriga que ha sido descrita como «una trama por episodios, con acontecimientos circulares que tienen un principio y un final y en cuyos desarrollos se incluyen elementos y referencias a los otros episodios». Estas tres historias están repartidas a lo largo de las seis partes de la película:

La película puso a Tarantino en el radar internacional. El filme ganó la codiciada Palma de Oro en 1994, y obtuvo el Óscar a Mejor Guion Original. La cinta fue pionera en su estilo narrativo no lineal con diálogos ingeniosos, y atrapó al público de manera genuina gracias a su mezcla de géneros, la sátira y la violencia explícita. La diversidad de su elenco, John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Harvey Keitel, Tim Roth, entre otros, y la química entre ellos dieron como resultado, escenas deliciosas y memorables que cautivaron al respetable, elementos fundamentales que le dieron el éxito de la película.

Además de su carrera como director, Quentin Tarantino también ha tenido apariciones como actor en varias películas y programas de televisión. De igual manera escribió los guiones de las cintas La Fuga, Nacidos para Matar y Del Crepúsculo al Amanecer.

El propio cineasta ha expresado en diversas entrevistas que Tiempos Violentos representa una obra muy personal y que fue un punto de inflexión en su carrera como cineasta, que le permitió experimentar con técnicas narrativas no lineales y utilizar la violencia de manera efectiva para contar una historia compleja y entretenida. Esta cinta dio inicio a una colaboración fructífera con Samuel L. Jackson, uno de sus mejores amigos.

Se estrenó el 21 de mayo de 1994 en el Festival de Cine de Cannes, donde consiguió la Palma de Oro. Posteriormente, fue galardonada con el Globo de Oro al mejor guion y obtuvo siete candidaturas en la 67.ª edición de los Premios Óscar (entre ellos mejor película y mejor director) y, aunque solo obtuvo el Óscar al mejor guion original, recibió más de cuarenta premios internacionales y otras tantas nominaciones. En 2013, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. Hoy es propiedad de Paramount Pictures.

El filme tiene un reparto de estrellas que armonizaron entre si y brindaron unas muy buenas actuaciones. Algunas escenas son hoy consideradas imprescindibles en el 7mo arte.

Reparto: 

• John Travolta - Vincent Vega

• Samuel L. Jackson - Jules Winnfield

• Uma Thurman - Mia Wallace

• Bruce Willis - Butch Coolidge

• Ving Rhames - Marsellus Wallace

• Tim Roth - Pumpkin o Ringo

• Amanda Plummer - Yolanda o Honey Bunny

• Maria de Medeiros - Fabienne

• Harvey Keitel - Winston Lobo

• Eric Stoltz - Lance

• Rosanna Arquette - Jody

• Christopher Walken - Capitán

Películas Dirigidas (Orden Cronológico)

Tarantino ha declarado en múltiples ocasiones su intención de retirarse tras completar 10 películas. Hasta la fecha, ha dirigido las siguientes (contando Kill Bill como una sola obra en su numeración personal): 

• Reservoir Dogs, 1992. (Perros de la calle): Su debut cinematográfico, un thriller sobre un atraco fallido famoso por su reparto y banda sonora.

• Pulp Fiction, 1994. (Tiempos Violentos). Ganadora de la Palma de Oro en Cannes, es considerada una de las obras que lo consagró como cineasta.

• Jackie Brown, 1997. (La estafa). Adaptación de la novela Rum Punch de Elmore Leonard, destacada por su homenaje al género blaxploitation.

• Kill Bill: Volumen 1, 2003 y Volumen 2, 2004. Una épica de venganza que rinde tributo al cine de artes marciales y al spaghetti western.

• Death Proof, 2007. (A Prueba de Muerte). Parte del proyecto Grindhouse, una película de terror y acción centrada en un especialista de cine psicópata.

• Inglourious Basterds, 2009. (Bastardos sin Gloria). Una ucronía de la Segunda Guerra Mundial que el director ha calificado recientemente como su "mejor obra".

• Django Unchained, 2012. (Django sin cadenas). Un western sobre un esclavo liberado que busca a su esposa, ganador de dos premios Óscar.

• The Hateful Eight, 2015. (Los Ocho más Odiados). Un misterio ambientado en una posada durante una tormenta de nieve en Wyoming.

• Once Upon a Time in Hollywood, 2019. (Erase una vez en Hollyood). Su novena película, un homenaje a la era dorada de Hollywood y su obra favorita personal. 

Otros Trabajos como Guionista y Colaborador

Además de sus proyectos propios, ha escrito o colaborado en los guiones de otras cintas destacadas: 

• True Romance, 1993: Dirigida por Tony Scott.

• Natural Born Killers, 1994: Historia original, dirigida por Oliver Stone.

• From Dusk Till Dawn, 1996: Guionista y actor, dirigida por Robert Rodríguez.

• Four Rooms, 1995. Dirigió el segmento titulado "The Man from Hollywood". 

Hidden Figures, 2016

Talentos ocultos en Hispanoamérica y Figuras ocultas en España es una película biográfica norteamericana. Está basada en el libro de no ficción del mismo nombre de Margot Lee Shetterly. La película está protagonizada por Taraji P. Henson en el papel de Katherine Johnson, una matemática afroamericana que calculó las trayectorias de vuelo del proyecto Mercury y el vuelo a la Luna del Apolo 11 (1969), y por Octavia Spencer, Janelle Monáe, Kevin Costner, Kirsten Dunst y Jim Parsons. El film 'Talentos ocultos', cuenta la historia de un grupo de matemáticas afroamericanas que trabajaron en la NASA en una época marcada por la discriminación racial, de género y profesional.

El aviador y astronauta John Glenn –quien se entrenaba para su primer vuelo alrededor de la Tierra– leyó los números que el computador IBM de la NASA, había calculado sobre su futura travesía. Sin siquiera carraspear, miró a ingenieros y calculistas, y sentenció: “Me gusta dirigir las máquinas en las que vuelo y me parece que estos números indican que es esta máquina la que me va a dirigir a mí. Solo si traen a la chica para que revise las cifras, estaré listo para meterme en el Friendship 7”. La chica no era otra que la física, matemática y científica espacial Katherine Johnson que llegó desde el ala oeste del edificio Langley –donde trabajaba con un grupo de compañeras científicas afroamericanas– y revisó los números con sus lápices de mina y una pequeña máquina sumadora: estaban correctos.

Glenn, quien pasó a la historia como el primer astronauta estadounidense en orbitar tres veces el planeta Tierra y la quinta persona en viajar al espacio, confió en la palabra de Katherine Johnson. Eso fue el 20 de febrero de 1962. Detrás de este logro estaba Katherine, pero también Dorothy Vaughan, Mary Jackson, Christine Darden, Kathryn Peddrew, Sue Wilder y un equipo de científicas afroamericanas, todas sureñas, pueblerinas y de inteligencia aguda.

Este es el argumento principal de la película Talentos Ocultos que mostró un pequeño fragmento de la historia de los viajes espaciales en la época de la Guerra Fría por parte de los Estados Unidos y su deseo de ponerse al frente a toda costa en esta carrera entre ellos y la URSS.

Es una película bien realizada y bien recibida por los espectadores, a pesar de ser de un género de poco impacto en el público. Contó con muy buenas actuaciones del reparto femenino y con la experiencia de Kevin Costner.

Es de ese tipo de película que se ve más de una vez por tener escenas de gran impacto visual y dramático.

El 15 de diciembre de 2016 el entonces Presidente de los Estados Unidos Barack Obama recibió a Kevin Costner y el resto del reparto de Figuras Ocultas.

La película tuvo tres nominaciones a los Oscar: mejor película, mejor guion adaptado y mejor actriz de reparto (Octavia Spencer)

Ficha Técnica

Información General

• Título original: Hidden Figures.

• Año de lanzamiento: 2016 

• País de origen: Estados Unidos.

• Guion: Allison Schroeder y Theodore Melfi

• Música: Hans Zimmer, Pharrell Williams y Benjamin Wallfisch.

• Distribución y Estudio: 20th Century Fox. 

Reparto Principal

• Taraji P. Henson como Katherine Johnson 

• Octavia Spencer como Dorothy Vaughan 

• Janelle Monáe como Mary Jackson 

• Kevin Costner como Al Harrison 

• Kirsten Dunst como Vivian Mitchell.

• Jim Parsons como Paul Stafford.

• Mahershala Ali como Jim Johnson.

• Glen Powell como John Glenn  

Blue Is the Warmest Colour, 2013

El azul es el color más cálido ( también La vida de Adéle )  es una película de drama romántico erótico de 2013 coescrita, coproducida y dirigida por Abdellatif Kechiche y protagonizada por Léa Seydoux y Adèle Exarchopoulos . La película sigue a Adèle (Exarchopoulos), una adolescente francesa, que descubre el deseo y la libertad cuando Emma (Seydoux), una aspirante a pintora, entra en su vida. Representa su relación sexual desde los años de escuela secundaria de Adèle hasta su vida adulta temprana y su carrera como maestra de escuela. La premisa de la película se basa en la novela gráfica de 2010 del mismo nombre de Jul Maroh .

La producción comenzó en marzo de 2012 y duró cinco meses. Se filmaron aproximadamente 800 horas de metraje, incluyendo extensas tomas B-roll, y Kechiche redujo el corte final a 180 minutos.  La película generó controversia, principalmente por las acusaciones del equipo y las actrices principales sobre las malas condiciones laborales en el set y la cruda representación de la sexualidad en la película. 

Adèle es una estudiante de secundaria introvertida de 15 años. Un día, se cruza con una mujer mayor de pelo corto y azul en la calle y se siente atraída al instante. Tiene relaciones sexuales con Thomas, un chico de la escuela, con lo que pierde su virginidad, pero al final no queda satisfecha y termina la relación. Tras tener intensas fantasías sexuales con la mujer de pelo azul mientras se masturba y besa a Béatrice, una de sus amigas, Adèle comienza a preocuparse por su identidad sexual . Béatrice dice que no quiere seguir adelante y le dice a Adèle que olvide el beso.

El amigo de Adèle, Valentin, abiertamente gay , la lleva a un bar gay . Adèle sale después y entra en un bar lésbico , donde algunas mujeres coquetean con ella. Emma, la estudiante de arte de pelo azul, está allí e interviene, alegando que Adèle es su prima. Emma y Adèle se hacen amigas. Tras la aparición de Emma en la escuela, los amigos de Adèle sospechan que es lesbiana y la marginan.

Adèle y Emma se acercan y se besan en un picnic. Más tarde tienen relaciones sexuales y comienzan una apasionada relación sexual. La familia artística de Emma recibe a Adèle, pero Adèle les dice a sus padres, conservadores y de clase trabajadora, que Emma es su tutora de filosofía. Algunos viejos amigos de Adèle asisten a su fiesta sorpresa de 18 años, pero Emma no.

En los años siguientes, las dos mujeres se mudan juntas. Adèle se convierte en maestra de preescolar, mientras que Emma intenta impulsar su carrera como pintora organizando frecuentes fiestas en casa. En una de ellas, Adèle conoce a Lise, la compañera de Emma que está embarazada, al galerista Joachim y al aspirante a actor Samir. Samir habla de Estados Unidos con Adèle mientras los demás hablan de sexo, y se hacen amigos. Emma pasa más tiempo en la fiesta con Lise.

Emma menosprecia la carrera de Adèle, pero la anima a dedicarse a la escritura, mientras que Adèle insiste en que es feliz tal como es. Su relación se tensa al quedar claro que tienen poco en común, salvo su mutua atracción física. Emma llega tarde a casa, tras haber pasado la noche trabajando con Lise. Por soledad, Adèle tiene relaciones sexuales con un colega profesor llamado Antoine. Emma descubre la infidelidad y, furiosa, rompe con Adèle.

Tres años después, se encuentran en un restaurante. Adèle está feliz con su trabajo como maestra de primaria, pero no ha superado su etapa: sigue profundamente enamorada de Emma. Emma mantiene una relación seria con Lise y ayuda a criar a su hija de tres años, pero Emma admite no sentirse realizada sexualmente. Emma y Adèle se besan, pero Emma se retira. Le dice a Adèle que ya no la ama, pero que su relación era especial y que siempre sentirá una ternura infinita por ella. Se separan entre disculpas y lágrimas.

Adèle asiste a la exposición de arte de Emma. En una pared hay un retrato de Adèle desnuda que Emma pintó durante el tiempo que estuvieron juntas. Emma saluda a Adèle, pero está concentrada en Lise y los demás invitados. Adèle felicita a Emma por su éxito y, tras una breve conversación con Samir, se marcha. Él la persigue, pero se equivoca de dirección, mientras Adèle se aleja.

La sexualidad lésbica es uno de los temas principales de la película, ya que la narrativa aborda la exploración de la identidad de Adèle en este contexto. Sin embargo, algunos académicos han cuestionado el tratamiento que la película da a la sexualidad lésbica, dado que fue dirigida por un hombre heterosexual. En Sight & Sound , la estudiosa de cine Sophie Mayer sugiere que en Blue is the Warmest Colour , «Al igual que la homofobia, la lesbiana se desvanece. Como ocurre con muchas fantasías masculinas sobre el lesbianismo, la película se centra en el éxito erótico y los fracasos afectivos de las relaciones entre mujeres».

La cuestión de la perspectiva también fue abordada en una reseña de Film Comment por Kristin M. Jones, quien escribió: "Los supuestamente sofisticados amigos de Emma hacen comentarios entusiastas sobre el arte y la sexualidad femenina que parecen reflejar el enfoque problemático del director hacia la representación de las mujeres". 

Un crítico ha sugerido que la película no es una película lésbica, destacando la exploración de la bisexualidad de Adèle. Paulina Plazas escribió en IndieWire que, a lo largo de la película, la eliminación de la bisexualidad es "fundamental para comprender la particular sensación de incompatibilidad de Adèle a medida que alcanza la mayoría de edad". 

Un elemento temático recurrente que la crítica y el público identificaron es la división de clases sociales y la exploración de la libertad y el amor entre los dos personajes centrales. La división de clases sociales es clara en las dos escenas de cena familiar: la familia conservadora y de clase trabajadora de Adèle discute temas relativamente banales, mientras que la familia de Emma, más abierta y de clase media, discute principalmente asuntos existenciales : arte , carrera, vida y pasión. Quizás una de las diferencias más significativas entre las familias es que Emma es consciente de su relación lésbica, mientras que a los padres conservadores de Adèle se les hace creer que las mujeres son solo amigas.  

A finales de 2011, se realizó un casting en París para encontrar a la actriz ideal para el papel de Adèle. La directora de casting, Sophie Blanvillain, descubrió a Adèle Exarchopoulos y luego organizó una reunión con Kechiche. Exarchopoulos describió cómo sus audiciones con Kechiche, a lo largo de dos meses, consistieron en improvisar guiones, conversar y sentarse en un café, sin hablar, mientras él la observaba. Fue más tarde, un día antes de Año Nuevo, cuando Kechiche decidió ofrecerle a Exarchopoulos el papel principal en la película; como declaró en una entrevista: «Elegí a Adèle en cuanto la vi. La llevé a comer a una brasserie . Pidió tarta de limón y cuando vi cómo la comía, pensé: "¡Es ella!"».  

Léa Seydoux fue elegida para interpretar a Emma diez meses antes de que comenzara el rodaje principal . Kechiche sintió que Seydoux "compartía la belleza, la voz, la inteligencia y la libertad de su personaje" y que tenía "algo de alma árabe". Añadió: "Lo decisivo durante nuestra reunión fue su visión de la sociedad: está muy conectada con el mundo que la rodea. Posee una auténtica conciencia social, un compromiso real con el mundo, muy similar al mío. Pude darme cuenta de su magnitud, ya que pasé un año entero con ella entre su elección para el papel y el final del rodaje". En declaraciones a IndieWire sobre la preparación para su papel, Seydoux comentó: "Durante esos diez meses [antes del rodaje] ya me reunía con él y recibía sus indicaciones. Pasábamos horas hablando de mujeres y de la vida; también tomé clases de pintura y escultura, y leí mucho sobre arte y filosofía". 

En cuanto a la cinematografía , las escenas de plano/contraplano de la película se rodaron simultáneamente con dos cámaras diferentes. Para Kechiche, esta técnica no solo facilita la edición, sino que también añade belleza a la escena, haciéndola más realista. Otro aspecto característico de la cinematografía de Blue es el predominio de los primeros planos . El director de fotografía Sofian El Fani utilizó la cámara Canon EOS C300 con objetivos zoom , y toda la producción se realizó mediante un flujo de trabajo digital. 

Tras su estreno en el Festival de Cannes de 2013, un informe del Sindicato Audiovisual y Cinematográfico deFrancia criticó las condiciones laborales del equipo. Según el informe, los miembros del equipo afirmaron que la producción se desarrolló en un ambiente "pesado" con un comportamiento cercano al "acoso moral", lo que llevó a algunos a renunciar. Otras críticas se centraron en la interrupción de los horarios de trabajo y los salarios.  Los técnicos acusaron a Kechiche de acoso, horas extras no pagadas y violaciones de la legislación laboral.  

En septiembre de 2013, Seydoux y Exarchopoulos también se quejaron del comportamiento de Kechiche durante el rodaje. Describieron la experiencia como "horrible" y dijeron que no volverían a trabajar con él.  Exarchopoulos comentó posteriormente sobre la ruptura: "Fue real, pero no tan grave como parece. Para mí, un rodaje es una aventura humana, y en toda aventura hay algún conflicto". En una entrevista de enero de 2014, Seydoux dijo: "Sigo muy contento con esta película. Fue difícil filmarla y quizá piensen que me quejé y que me estaban mimando, pero no es así. Solo dije que fue difícil. La verdad es que fue extremadamente difícil, pero no importa. No me importa que fuera difícil. Me gusta que me pongan a prueba. La vida es mucho más difícil. Es un director muy honesto y me encanta su cine. Me gusta mucho como director. ¿Cómo nos trata? ¡Y qué!" 

Significado del color azul

El azul es el color más cálido se caracteriza por su simbolismo visual.  El color azul se usa ampliamente a lo largo de la película, desde la iluminación del club gay que Adèle visita hasta el vestido que usa en la última escena, y sobre todo en el cabello y los ojos de Emma. Para Adèle, el azul representa la intensidad emocional, la curiosidad, el amor y la tristeza. Adèle también hace referencia a Pablo Picasso , quien, como es bien sabido, atravesó un melancólico Periodo Azul . A medida que Emma deja atrás su relación con Adèle y su pasión se desvanece, se quita el azul del cabello y adopta un peinado más natural y conservador. 

El estreno mundial de "El azul es el color más cálido" tuvo lugar en el 66.º Festival de Cine de Cannes el 23 de mayo de 2013. Recibió una ovación de pie y se posicionó entre las más valoradas por la crítica del festival. En agosto de 2013, la película se estrenó en Norteamérica en el Festival de Cine de Telluride de 2013. También se proyectó en la sección de Presentación Especial del Festival Internacional de Cine de Toronto de 2013 el 5 de septiembre de 2013.  

La película se proyectó en más de 131 territorios  y se estrenó comercialmente el 9 de octubre de 2013 en Francia por Wild Bunch con una clasificación "12" . En Estados Unidos, recibió una clasificación NC-17 de la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos (MPAA) por "contenido sexual explícito". Tuvo un estreno limitado en cuatro cines de Nueva York y Los Ángeles el 25 de octubre de 2013, y se expandió gradualmente en las semanas posteriores. La película se estrenó el 15 de noviembre de 2013 en el Reino Unido  y el 13 de febrero de 2014 en Australia y Nueva Zelanda.  

"Azul es el color más cálido" recaudó un total mundial de 19.492.879 dólares.  Durante su estreno en Francia el 9 de octubre de 2013, la película debutó con un total de 2,3 millones de dólares en 285 pantallas, con un promedio de 8.200 dólares por pantalla. Ocupó el cuarto puesto en su primer fin de semana, lo que se consideró un "desempeño notablemente bueno debido a su duración de casi tres horas". 

En el sitio web de recopilación de reseñas Rotten Tomatoes , el 89% de 204 críticos le han dado a la película una reseña positiva, con una puntuación media de 8,20/10. El consenso de la crítica del sitio es: «Cruda, honesta, con actuaciones impactantes y deliciosamente intensa, Blue Is the Warmest Colour ofrece uno de los dramas más elegantemente compuestos y emocionalmente absorbentes del cine moderno».  

En Cannes, la película impactó a algunos críticos con sus largas y explícitas escenas de sexo (aunque se usaron genitales falsos), lo que los llevó a especular que podría requerir edición antes de su proyección en cines. Varios críticos consideraron la película como la favorita para ganar la Palma de Oro . El jurado, que incluía a Steven Spielberg , Ang Lee y Nicole Kidman , tomó una decisión sin precedentes al otorgar la Palma de Oro a las dos actrices principales de la película junto con el director. El presidente del jurado, Spielberg, explicó: “La película es una gran historia de amor que nos hizo sentir privilegiados de ser una mosca en la pared, de ver cómo esta historia de profundo amor y profundo desamor evolucionaba desde el principio”. 

La película ganó finalmente la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2013. En Cannes también ganó el Premio de la Federación Internacional de Críticos de Cine.  Esta fue también la primera película adaptada de una novela gráfica o un cómic en ganar la Palma de Oro. En diciembre de 2013, recibió el Premio Louis Delluc a la mejor película francesa.  

En la 39ª edición de los Premios César , la película recibió ocho nominaciones, y Exarchopoulos ganó el Premio César a la Actriz Más Revelación . 

Otras películas destacadas de Exarchopoulos son:

• Corazones rotos (L'Amour ouf) (2024): Drama romántico musical sobre un amor marcado por el destino.

• Del revés 2 (Inside Out 2) (2024).

• Ladronas (Voleuses) (2023): Película de acción de Netflix donde interpreta a una experta delincuente.

• Passages (2023): Drama sobre un triángulo amoroso.

• El reino animal (2023): Película de ciencia ficción y aventuras.

• Mandíbulas (2020): Una comedia surrealista sobre dos amigos y una mosca gigante.

• El reflejo de Sibyl (2019): Drama psicológico sobre una terapeuta y su paciente.

• Le Fidèle (Perseguidos por el destino) (2017): Historia de amor entre un gánster y una piloto.

• The Last Face (Diré tu nombre) (2016): Dirigida por Sean Penn