Síntesis Biográfica Charles Spencer Chaplin

Charles Spencer Chaplin nació en Londres, Inglaterra, el 16 de abril de 1889. Su padre era un vocalista y actor versátil; y su madre, conocida con el nombre artístico de Lily Harley, era una atractiva actriz y cantante que se labró una reputación por su trabajo en el ámbito de la ópera ligera.

Charlie tuvo que valerse por sí mismo antes de cumplir los diez años, ya que la temprana muerte de su padre y la posterior enfermedad de su madre hicieron necesario que Charlie y su hermano, Sydney, se las arreglaran solos.

Chaplin tenía 9 o 10 años cuando estaba de gira con los Eight Lancashire Lads. Herederos del talento natural de sus padres, los jóvenes vieron en el escenario la mejor oportunidad para forjarse una carrera. Charlie debutó profesionalmente como miembro de un grupo juvenil llamado "The Eight Lancashire Lads" y rápidamente se ganó el favor del público como un bailarín de claqué excepcional.

Cuando tenía unos doce años, tuvo su primera oportunidad de actuar en un espectáculo teatral legítimo, interpretando a "Billy", el paje, acompañando primero a H.A. Saintsbury y luego a William Gillette en diferentes producciones de "Sherlock Holmes". Al finalizar esta etapa, Charlie comenzó su carrera como comediante en el vodevil, lo que finalmente lo llevó a Estados Unidos en 1910 como artista principal de la compañía de Fred Karno.

Consiguió un éxito inmediato entre el público estadounidense, sobre todo con su interpretación en un sketch titulado "Una noche en un music hall inglés". Cuando la compañía de Fred Karno regresó a Estados Unidos en otoño de 1912 para repetir la gira, a Chaplin le ofrecieron un contrato cinematográfico.

Finalmente, al finalizar sus compromisos en el vodevil en noviembre de 1913, aceptó ponerse frente a las cámaras; y su entrada al mundo del cine tuvo lugar ese mismo mes, cuando se unió a Mack Sennett y a la Keystone Film Company. Su salario inicial era de 150 dólares semanales, pero su éxito repentino en la pantalla impulsó a otros productores a negociar sus servicios.

Al finalizar su contrato con Sennett, Chaplin pasó a formar parte de la compañía Essanay (1915) con un aumento considerable. Sydney Chaplin había llegado entonces de Inglaterra y ocupó el lugar de su hermano en Keystone como su principal comediante.

Al año siguiente, Charlie tuvo aún más demanda y firmó con Mutual Film Corporation por una suma mucho mayor para realizar 12 comedias de dos rollos. Estas incluyen "The Floorwalker", "The Fireman", "The Vagabond", "One AM" (una producción en la que fue el único personaje durante los dos rollos completos, con la excepción de la entrada de un taxista en la escena inicial), "The Count", "The Pawnshop", "Behind the Screen", "The Rink", "Easy Street" (considerada su mejor producción hasta ese momento), "The Cure", "The Immigrant" y "The Adventurer".

Cuando su contrato con Mutual expiró en 1917, Chaplin decidió convertirse en productor independiente, buscando mayor libertad y tiempo para realizar sus películas. Con ese fin, se dedicó a la construcción de sus propios estudios. Estos estudios estaban ubicados en el corazón de la zona residencial de Hollywood, en la avenida La Brea.

A principios de 1918, Chaplin firmó un acuerdo con First National Exhibitors' Circuit, una nueva organización creada específicamente para promocionar sus películas. Su primer filme bajo este nuevo acuerdo fue "Una vida de perro". Tras esta producción, se dedicó a una gira nacional en apoyo al esfuerzo bélico, después de la cual realizó una película que el gobierno estadounidense utilizó para popularizar la campaña de los Bonos de la Libertad: "El Bono".

Su siguiente aventura comercial fue la producción de una comedia sobre la guerra. "Shoulder Arms", estrenada en 1918 en un momento de lo más oportuno, resultó ser un auténtico éxito de taquilla y contribuyó enormemente a la popularidad de Chaplin.

Tras “Shoulder Arms”, dirigió “Sunnyside” y “A Day's Pleasure”, ambas estrenadas en 1919. En abril de ese mismo año, Chaplin se unió a Mary Pickford, Douglas Fairbanks y D.W. Griffith para fundar la United Artists Corporation. B.B. Hampton, en su “Historia del cine”, afirmó:

“ La corporación se organizó como distribuidora, conservando cada artista el control total de sus respectivas actividades de producción y entregando a United Artists las películas terminadas para su distribución, siguiendo el mismo plan general que habrían aplicado con una distribuidora ajena a su propiedad. Las acciones de United Artists se dividieron a partes iguales entre los fundadores. Este sistema introdujo un nuevo método en la industria. Hasta entonces, los productores y distribuidores habían sido los empleadores, pagando salarios y, en ocasiones, una parte de las ganancias a las estrellas. Con el sistema de United Artists, las estrellas se convirtieron en sus propios empleadores. Tenían que financiar sus propias producciones, pero recibían las ganancias de producción que antes correspondían a sus empleadores y, además, cada uno recibía su parte de las ganancias de la distribuidora.

                                         Jackie Coogan y Charlie Chaplin en el set de rodaje de El Niño

Sin embargo, antes de poder asumir sus responsabilidades con United Artists, Chaplin tuvo que terminar su contrato con First National. Así que, a principios de 1921, estrenó una obra maestra de seis rollos: El chico , en la que presentó a la pantalla a uno de los mejores actores infantiles que el mundo haya conocido: Jackie Coogan.

El rodaje de The Kid comenzó en agosto de 1919, con Jackie Coogan, de cuatro años, como coprotagonista.  The Kid estuvo en producción durante nueve meses hasta mayo de 1920 y, con 68 minutos, fue la película más larga de Chaplin hasta la fecha. Al tratar temas de pobreza y separación entre padres e hijos, The Kid fue una de las primeras películas en combinar comedia y drama. Se estrenó en enero de 1921 con un éxito instantáneo y, en 1924, se había proyectado en más de 50 países.

Más tarde, en 1921, estrenó "La clase ociosa", en la que interpretó un doble personaje. Luego, sintiendo la necesidad de un descanso total de su actividad cinematográfica, Chaplin zarpó hacia Europa en septiembre de 1921. Londres, París, Berlín y otras capitales del continente le brindaron una acogida tumultuosa.

Tras unas largas vacaciones, Chaplin regresó a Hollywood para retomar su trabajo cinematográfico y comenzar su colaboración activa con United Artists. Bajo su acuerdo con UA, Chaplin realizó ocho películas, todas de larga duración, en el siguiente orden:

Una mujer de París (1923) fue un paso valiente en la carrera de Charles Chaplin. Tras setenta películas en las que él mismo había aparecido en todas las escenas, ahora dirigía una cinta en la que solo aparecía brevemente como un extra sin acreditar y casi irreconocible: un portero en una estación de tren. Hasta ese momento, todas sus películas habían sido comedias. Una mujer de París era un drama romántico. No fue una decisión repentina. Chaplin llevaba mucho tiempo queriendo probar suerte dirigiendo una película seria.

Chaplin retornó a la comedia para su siguiente proyecto. Estableciendo sus estándares altos, se dijo a sí mismo: «Esta próxima película debe ser una epopeya. ¡La más grande!». Inspirado por una fotografía de la fiebre del oro de Klondike de 1898, y más tarde por la historia de la expedición Donner de 1846-1847, hizo lo que Geoffrey Macnab llamó «una comedia épica a partir de un tema sombrío». En The Gold Rush, el vagabundo es un buscador de oro solitario que lucha contra la adversidad y busca el amor. Con Georgia Hale como su protagonista femenina, Chaplin comenzó a filmar la película en febrero de 1924 y su elaborada producción, que costó casi un millón USD, incluyó un rodaje de exteriores en las montañas Truckee, Nevada con 600 extras, decorados extravagantes y efectos especiales. La última escena se rodó en mayo de 1925 después de 15 meses de rodaje. 

Chaplin sintió que The Gold Rush era la mejor película que había hecho, se estrenó en agosto de 1925 y se convirtió en una de las películas más taquilleras de la era del cine mudo, con una recaudación en Estados Unidos de 5 millones USD. La comedia contiene algunas de las secuencias más famosas de Chaplin, como el vagabundo comiéndose su zapato y la «danza de los panecillos». Macnab la llamó «la película por excelencia de Chaplin» y Chaplin declaró en su estreno: «Esta es la película por la que quiero ser recordado».

 La película El circo (1928) le valió a Charles Chaplin su primer premio Óscar —aún no se llamaba así—, que recibió en la primera ceremonia de entrega en 1929. Sin embargo, incluso en 1964, parecía que prefería olvidar esa película. El motivo no era la película en sí, sino las circunstancias sumamente tensas que rodearon su producción.

Luces de la ciudad (1931) resultó ser el proyecto más difícil y prolongado de la carrera de Chaplin. Para cuando lo terminó, había dedicado dos años y ocho meses a la obra, con casi 190 días de rodaje efectivo. Lo asombroso es que la película final no refleja en absoluto este esfuerzo y ansiedad.

Incluso antes de que comenzara a rodar Luces de la ciudad , el cine sonoro ya estaba firmemente establecido. Esta nueva revolución supuso un reto mayor para Chaplin que para otras estrellas del cine mudo. Su personaje del Vagabundo era universal. Su mímica se entendía en todo el mundo. Pero si el Vagabundo empezara a hablar en inglés, su público mundial se reduciría instantáneamente.

Chaplin resolvió el problema con audacia al ignorar los diálogos y realizar Luces de la ciudad como siempre lo había hecho, como una película muda. Sin embargo, asombró a la prensa y al público al componer la banda sonora completa de Luces de la ciudad .

 Los estrenos fueron de los más brillantes que el cine jamás había visto. En Los Ángeles, el invitado de Chaplin fue Albert Einstein; mientras que en Londres, Bernard Shaw se sentó a su lado. Luces de la ciudad fue un triunfo de crítica. Todas las luchas y ansiedades de Chaplin, al parecer, quedaron compensadas por la película, que aún hoy se considera la cúspide de su trayectoria y reputación.

Tiempos modernos (1936)

Chaplin estaba profundamente preocupado por los problemas sociales y económicos de esta nueva era. En 1931 y 1932, dejó Hollywood para emprender una gira mundial de 18 meses. En Europa, le inquietó el auge del nacionalismo y las consecuencias sociales de la Gran Depresión, el desempleo y la automatización.

Leyó libros sobre teoría económica y concibió su propia Solución Económica, un ejercicio inteligente de idealismo utópico, basado en una distribución más equitativa no solo de la riqueza, sino también del trabajo. En 1931, declaró a un periodista: «El desempleo es la cuestión fundamental… La maquinaria debe beneficiar a la humanidad. No debe ser una tragedia ni dejarla sin trabajo».

En Tiempos Modernos, Chaplin se propuso transformar sus observaciones y ansiedades en comedia. El pequeño vagabundo, descrito en los créditos de la película como "un obrero de fábrica", es ahora uno de los millones que lidian con los problemas de la década de 1930, que no son tan diferentes de las ansiedades del siglo XXI: pobreza, desempleo, huelgas y rompehuelgas, intolerancia política, desigualdades económicas, la tiranía de la máquina, narcóticos.

El gran dictador (1940)

Cuando escribió El gran dictador en 1939, Chaplin era tan famoso en todo el mundo como Hitler, y su personaje del vagabundo lucía el mismo bigote. Decidió contraponer su fama y su humor a la fama y la maldad del dictador. Se benefició —si es que se le puede llamar así, dadas las circunstancias— de su «reputación» como judío, que no era (dijo: «No tengo ese placer»).

En la película, Chaplin interpreta un doble papel: el de un barbero judío que perdió la memoria en un accidente aéreo durante la Primera Guerra Mundial y pasó años en el hospital antes de ser dado de alta en un país antisemita que no comprende; y el de Hynkel, el dictador de Tomania, cuyos ejércitos son las fuerzas de la Doble Cruz, quien hará cualquier cosa para aumentar sus posibilidades de convertirse en emperador del mundo. El objetivo de Chaplin es evidente, y la película termina con un discurso, ahora famoso y humanitario, pronunciado por el barbero con las propias palabras de Chaplin.

 

Monsieur Verdoux (1947)

La idea fue propuesta originalmente por Orson Welles, como un proyecto para un documental dramatizado sobre la trayectoria del legendario asesino francés Henri Désiré Landru, quien fue ejecutado en 1922 tras haber asesinado al menos a diez mujeres, dos perros y un niño.

Chaplin quedó tan fascinado con la idea que le pagó a Welles 5000 dólares. El acuerdo se firmó en 1941, pero Chaplin tardó cuatro años más en completar el guion. Mientras tanto, las molestas distracciones de una muy publicitada y desagradable demanda de paternidad se vieron compensadas por su brillante y exitoso matrimonio con Oona O'Neill.

 A finales de la década de 1940, la paranoia de la Guerra Fría en Estados Unidos alcanzó su punto álgido, y Chaplin, como extranjero con simpatías liberales y humanistas, se convirtió en un blanco fácil para los cazadores de brujas políticos. Este fue el comienzo del último y más infeliz período de Chaplin en Estados Unidos, país que abandonaría definitivamente en 1952.

Candilejas (1952)

No es de extrañar, pues, que al elegir su siguiente tema buscara deliberadamente evadirse de la desagradable realidad contemporánea. La encontró en una nostalgia agridulce por el mundo de su juventud: el mundo de los teatros de variedades londinenses de principios del siglo XX, donde había descubierto por primera vez su genialidad como artista.

Con este fuerte trasfondo de nostalgia, Chaplin se esforzó por evocar con la mayor precisión posible el Londres que recordaba de medio siglo atrás, y queda claro en las notas preparatorias de la película que el personaje de Calvero tuvo una infancia muy similar a la suya. La historia de Candilejas , sobre un artista de music hall otrora famoso que ya no divierte a nadie, bien podría haber sido igualmente autobiográfica, como una especie de escenario de pesadilla.

El hijo de Chaplin, Sydney, interpreta al joven y talentoso pianista que compite con Calvero por el corazón de la joven bailarina, y varios otros miembros de la familia Chaplin participaron en la película. Fue durante un viaje en barco con su familia al estreno londinense de Candilejas cuando Chaplin se enteró de que su permiso de reingreso a Estados Unidos había sido revocado debido a acusaciones relacionadas con su moral y sus ideas políticas.

Chaplin permaneció en Europa y se instaló con su familia en el Manoir de Ban, en Corsier-sur-Vevey, Suiza, con vistas al lago y a las montañas. ¡Qué diferencia con California! Él y Oona tuvieron cuatro hijos más, sumando un total de ocho.

Un rey en Nueva York (1957)

 Con Un rey en Nueva York, Charles Chaplin fue el primer cineasta que se atrevió a exponer, a través de la sátira y el ridículo, la paranoia y la intolerancia política que se apoderaron de Estados Unidos durante los años de la Guerra Fría, en las décadas de 1940 y 1950. El propio Chaplin había experimentado en carne propia el malestar estadounidense de aquella época.

Retomar el cine, estando exiliado, fue una tarea ardua. Ya se acercaba a los 70 años. Durante casi cuarenta años había disfrutado del lujo de tener su propio estudio y un equipo de empleados fijos que comprendían su forma de trabajar. Ahora, sin embargo, tenía que trabajar con desconocidos, en estudios alquilados, costosos y poco acogedores. La película refleja la tensión que esto le generaba.

 En 1966 produjo su última película, "Una condesa de Hong Kong", para Universal Pictures, su único filme en color, protagonizado por Sophia Loren y Marlon Brando. La película comenzó como un proyecto llamado "Polizón" en la década de 1930, planeado para Paulette Goddard. Chaplin aparece brevemente como mayordomo de barco, su hijo Sydney vuelve a tener un papel importante, y tres de sus hijas tienen pequeños papeles en la película. La película no tuvo éxito en taquilla, pero Petula Clark tuvo uno o dos éxitos con canciones de la banda sonora, y la música sigue siendo muy popular.

                                Charlie Chaplin dirigiendo a Marlon Brando y Sophia Loren

La versatilidad de Chaplin abarcaba la escritura, la música y los deportes. Fue autor de al menos cuatro libros: «Mi viaje al extranjero», «Un comediante ve el mundo», «Mi autobiografía» y «Mi vida en imágenes», además de todos sus guiones. Músico consumado, aunque autodidacta, tocaba diversos instrumentos con igual destreza y facilidad (tocaba el violín y el violonchelo con la mano izquierda).

También fue compositor, habiendo escrito y publicado numerosas canciones, entre ellas: «Sing a Song», «With You Dear in Bombay», «There's Always One You Can't Forget», «Smile», «Eternally», «You are My Song», así como las bandas sonoras de todas sus películas. Charles Chaplin fue uno de los pocos comediantes que no solo financió y produjo todas sus películas (con la excepción de «A Countess from Hong Kong»), sino que también fue autor, actor, director y compositor de sus bandas sonoras.

Falleció el día de Navidad de 1977, y le sobrevivieron ocho hijos de su último matrimonio con Oona O'Neill, y un hijo de su breve matrimonio con Lita Grey.

En 1972, en la ceremonia de entrega de los premios Oscar, se le entregó un premio honorífico por su trayectoria. El publico, de pie, aplaudió por varios minutos dignificando así la obra de un genio.