18 de octubre de 2026

Miniserie El Club Gastronómico, 2026

El club gastronómico. Miniserie de 7 capítulos (también conocida en inglés como The Perfect Lie o en neerlandés como De Eetclub) es una miniserie de suspenso y drama originaria de los Países Bajos, disponible en Netflix desde el 10 de septiembre de 2026. 

La historia sigue a Karen y su familia, quienes se mudan al exclusivo pueblo de Bergen. Allí son acogidos por un grupo selecto de cuatro parejas adineradas que comparten cenas sofisticadas, lujos y una aparente vida perfecta.

La armonía se rompe cuando una de sus lujosas villas se incendia y Evert, uno de los integrantes del grupo, muere. A medida que Karen comienza a indagar en lo sucedido junto a las sospechas que rodean el caso, descubre que la amistad de este grupo está construida sobre una red de mentiras, infidelidades, negocios turbios y traiciones

El club gastronómico fue escrita por Dorien Goertzen y Jop Esmeijer a partir de la novela de Saskia Noort, muestra el precio que Karen paga por integrarse a una comunidad donde las apariencias y los secretos forman parte de la vida cotidiana.

Evert, uno de los integrantes del club, muere, mientras que su esposa Babette y sus hijos logran escapar. Las contradicciones sobre lo ocurrido llevan a Karen a investigar. Sin embargo, la relación que mantiene con Simón, otro miembro del grupo, la coloca en una situación difícil: quiere descubrir qué esconden los demás mientras intenta que nadie conozca su propio secreto.

Las directoras Dana Nechushtan y Margien Rogaar muestran esa situación a través de los encuadres. Karen suele aparecer en primer plano, mientras los demás quedan desenfocados detrás de ella. Aunque ya forma parte del grupo, la imagen indica que todavía se siente fuera de lugar. En las fiestas, los personajes comparten el espacio, se abrazan y sonríen. Cuando surgen las sospechas, la cámara se acerca a sus rostros y los muestra separados. El recurso ayuda a expresar la desconfianza, aunque se repite tanto que muchas veces anticipa lo que la historia revelará después.

La serie tiene siete episodios y cada uno lleva el nombre de un personaje. Esto hace pensar que los hechos serán contados desde diferentes puntos de vista, pero no sucede. Los capítulos no adoptan la mirada de la persona que les da título ni profundizan en sus conflictos. El montaje alterna el pasado y el presente, cruza matrimonios e infidelidades y muestra drogas, alcohol, ropa de diseñador y casas de lujo. La serie suma personajes y situaciones, pero mantiene una sola forma de contar la historia.

El montaje es agobiante desde el punto de vista narrativo, es excesivo el uso de retrospectivas y a diferentes momentos sin dejar claro la línea del cruce. Otro elemento débil es el proceso policial, falto de fuerza narrativa. Los detectives parecen estar haciendo una entrevista de trabajo y no un interrogatorio.

El club gastronómico sostiene el interés mientras todavía existen dudas sobre el incendio, pero dedica más tiempo a dosificar las pistas y sostener el misterio que a explicar las contradicciones, los deseos y las decisiones de sus personajes. A medida que avanza la historia, conocemos nuevos datos sobre aquella noche, aunque seguimos sin entender del todo a quienes estuvieron involucrados. El misterio finalmente encuentra una explicación, pero las personas que lo rodean permanecen en la superficie. Por eso, al terminar la serie, sabemos qué ocurrió, aunque ya no importa demasiado a quién le ocurrió.

Hay un elemento dudoso al final de la serie que sospecho sea para darle continuidad. Po lo demás la miniserie es agradable y se puede disfrutar en Netflix.


28 de septiembre de 2026

Todos los premiados en San Sebastian 2026.

 

La película Tender Loving Care, dirigida por el británico Mike Leigh, ganó la Concha de Oro a la Mejor Película en la 74.ª edición del Festival de San Sebastián 2026.

La lista completa de premiados es la siguiente:

Premios Oficiales

Concha de Oro a la Mejor Película: Tender Loving Care, Mike Leigh 

Premio Especial del Jurado: Border, Ah Biao

Concha de Plata a la Mejor Dirección: Amanda Kernell por Brace your heart

Concha de Plata a la Mejor Interpretación Protagonista (ex aequo): Kate O’Flynn por Tender Loving Care y Asta Kamma August por Growth of the soil

Concha de Plata a la Mejor Interpretación de Reparto: Javier Cámara por 5 minutos más

Premio del Jurado a la Mejor Fotografía: Oskar Dahlsbakken por Growth of the soil

Premio del Jurado al Mejor Guion: Mike Leigh por Tender Loving Care


Otros Premios Oficiales

Premio Kutxabank – New Directors: Body of glass, Naëmi Ada

Mención Especial: The World Before, Yoon Dan-bi

Premio Horizontes Make & Mark: La ilusión de un verano sin fin, Alessandra Sanguinetti

Mención Especial: Moscas, Fernando Eimbcke

Premio Zabaltegi – Tabakalera: Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma, Jane Schoenbrun

Mención Especial: A veces me entra tristeza, otras veces rebelión, María Aparicio

Premio Laboratorio de Cine y Audiovisual Tabakalera-Nest: Erased from the map, Maarij Reka

Mención Especial: Nadie Ladra, Júlia Coldwell Serra

Premio SGAE a la Mejor Música Original: Milo, Nicole García

Premio Culinary Zinema: Burgundy, Michael Dweck y Gregory Kershaw

Premio Irizar al Cine Vasco: Txakun txakür, Elsa Oliarj-Inès

Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián: La bola negra, Javier Calvo y Javier Ambrossi

Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián a la Mejor Película Europea: NAZA, Yuval Abraham y Rachel Szor

Premio DAMA de la Juventud: La ilusión de un verano sin fin, Alessandra Sanguinetti

Premios Eusko Label: Esperanza, Josu Ozaita 

Segundo Premio Eusko Label: Manos, Mikel Urretabizkaia

Premio Loterías: Prejuicios, Javi Prada

Segundo Premio Loterías: Headscarf, Lucía Saavedra


Premios de la Industria

Premio de la Industria WIP LATAM: Lovers Go Home!, Juan Sebastián Mesa

Premio EGEDA Platino Industria al Mejor WIP LATAM: Galerna, Tatiana Huezo

Premio de la Industria WIP Europa: In a manner of speaking, Val Jashari

Premio WIP Europa: In a manner of speaking, Val Jashari

Premio del XV Foro de Coproducción Europa-América Latina: Los inexpertos, Felipe Solare Yrigoyen

Premio DALE!: Las ilusiones, Ingrid Pokropek

Artekino International Prize: El último sonidero, Selma Cervantes

Premio Sideral: Akira, Ekain Albite

Premio Casa Wabi – ESCINE: The Spirit Healer is Away for the Weekend, Inés Nunes

Premio Tanta: Akira, Ekain Albite


Otros Premios

Premio RTVE – Otra Mirada: De repente, Ryusuke Hamaguchi

Premio de la Cooperación Española: Cinco años, cuatro meses, Juan Miguel Gelacio y Esteban Hoyos García

Premio Agenda 2030 Euskadi Basque Country: Ceniza en la boca, Diego Luna

Premio Transforma Make & Mark: Tender Loving Care, Mike Leigh

Gran Premio FIPRESCI a la Mejor Película del Año: Una batalla tras otra, Paul Thomas Anderson


Premios Honoríficos

Premio Donostia: Werner Herzog y Naomi Watts

Premio Zinemira: José Ramón Soroiz


Premios Paralelos

Premio FIPRESCI: In my father’s room, Maha Harada

Premio Feroz Zinemaldia 2026: El debut, Jesse Eisenberg

Premio Gidoi + SGAE al Mejor Guionista de Euskal Herria 2026: Los domingos, Alauda Ruiz de Azúa

Premio Sebastiane 2026: Tangles, Leah Nelson

Premio Lurra – Greenpeace: Tristan Forever, Tobias Nölle y Loran Bonnardot

Premio Signis: Tender Loving Care, Mike Leigh

Mención Especial: Las disculpas de Vicentina, Gabriel Martins

Premio Ateneo Guipuzcoano: In my father’s room, Maha Harada

Premio Cine e Infancia RTVE & UNICEF España: Josephine, Beth de Araújo

Mención Especial: Iron Boy, Louis Clichy


26 de septiembre de 2026

Susan Sarandon y Hannah Einbinder detenidas en Nueva York

Susan Sarandon y Hannah Einbinder, entre los más de 100 detenidos en una protesta contra Netanyahu.

La galardonada actriz Susan Sarandon y la estrella de la serie “Hacks”, Hannah Einbinder, se encontraban entre las decenas de manifestantes detenidos el jueves en Nueva York durante una protesta contra el primer ministro israelí, Benjamin Netanyahu, con motivo de su visita a las Naciones Unidas.

El Departamento de Policía de Nueva York informó que detuvo a 103 personas mientras intentaba disolver un grupo que participaba en una sentada de protesta en la Primera Avenida, a pocas manzanas de la sede de la ONU, poco antes de que Netanyahu interviniera ante la Asamblea General.

Videos grabados en el lugar mostraron a agentes colocando bridas en las manos de Sarandon y Einbinder y conduciéndolas hacia un autobús de la policía.

Mientras tanto, se escuchaba a los manifestantes corear consignas. Muchos llevaban camisetas con el lema “Financiar a la gente, no a las bombas” y sostenían pancartas que decían “Dejen de armar a Israel” y “Pongan fin al genocidio”.

El comediante Caleb Hearon, la escritora Glennon Doyle, la candidata al Congreso por Nueva York Darializa Avila Chevalier y la exanalista de inteligencia del Ejército Chelsea Manning también figuraban entre los detenidos, según Jewish Voice for Peace, una organización de derechos humanos que defiende los derechos de los palestinos y que organizó la protesta.

Otras celebridades vistas en la manifestación fueron la actriz y activista política Cynthia Nixon, el dramaturgo Tony Kushner, la fotógrafa Nan Goldin y la poeta Eileen Myles. El candidato al Congreso Brad Lander también participó.

Jewish Voice for Peace declaró que organizó la sentada frente a la ONU para “pedir al mundo que deje de armar a Israel y ponga fin al genocidio en Gaza”.

Sarandon ha sido durante mucho tiempo una destacada defensora de los derechos de los palestinos y ha condenado enérgicamente a Netanyahu y la guerra de Israel en Gaza. CNN se ha puesto en contacto con el equipo de Sarandon para solicitar comentarios. En una historia de Instagram, Hannah Einbinder escribió sobre su detención: “Si las fotos en las que aparecemos mis amigos y yo siendo arrestados mientras protestábamos contra la vergonzosa visita de Netanyahu a Nueva York sirven para llamar la atención sobre algo, que sea sobre la devastadora guerra genocida que se libra contra el pueblo de Palestina y el sur del Líbano”.

Hearon también publicó un mensaje en Instagram, donde agradeció a los organizadores de la protesta e informó que ya había salido de la cárcel.


19 de septiembre de 2026

Animales nocturnos, 2016

 

Animales nocturnos (Nocturnal Animals, 2016), escrita y dirigida por Tom Ford, es un intenso thriller psicológico y dramático al viejo estilo de suspenso del maestro Alfred Hitchcock que divide las opiniones de la crítica y del público por su propuesta visual y su cruda narrativa.

Por lo que leí en los comentarios a la película, algunos críticos se mostraron muy enfadados con las imágenes iniciales, que aparecen durante los créditos. No voy a andarme con rodeos: se trata de planos de una serie de mujeres desnudas, ataviadas con uniformes de animadoras, agitando pompones y blandiendo bengalas encendidas. Lo curioso es que todas estas mujeres desnudas padecen obesidad mórbida, a veces hasta el punto de parecer deformes o mutiladas, y, como era de esperar, los planos están grabados a cámara lenta.

Hay que observar que esas imágenes iniciales no son gratuitas. Las animadoras forman parte de una exposición de arte conceptual organizada por Susan, interpretada por Amy Adams, una galerista adinerada del mundo artístico de Los Ángeles. Susan es hermosa, altiva, lleva un estilo de vida extravagante financiado en gran parte, suponemos, por su marido Hutton, interpretado con la sabiduría propia de un privilegiado por Armie Hammer , y es profundamente infeliz. Tras la inauguración, Susan se hace un feo corte con papel al abrir un paquete: el manuscrito de la primera novela de Edward Sheffield, su primer marido. El paquete y la nota que lo acompaña la perturban. Tan perturbada que, impulsivamente, se revela, indirectamente, a una de sus muchas asistentes personales, preguntándole si las decisiones de la vida de una persona podrían, en última instancia, desembocar en un único y terrible error. La asistente, que aún no ha tomado ninguna decisión crucial en su vida, no tiene ni idea de a qué se refiere Susan.

Susan pronto se sumerge en la novela de Edward. En este punto de la película, meticulosamente diseñada y dirigida, surge una narrativa aparentemente paralela. Tony Hastings, un hombre de familia refinado y culto, interpretado por Jake Gyllenhaal , emprende un viaje por carretera a través del oeste de Texas con su encantadora esposa ( Isla Fisher ) y su encantadora pero típicamente afligida hija adolescente ( Ellie Bamber ). En la carretera, a altas horas de la noche, Tony y su familia se topan con el tipo de personas con las que uno no quiere toparse bajo ninguna circunstancia. Desde atrás, desde los lados y desde delante, tres vagos exaltados liderados por un tipo esquizofrénico llamado Ray ( Aaron Taylor-Johnson , en un papel que le valdrá el reconocimiento que ha estado buscando intermitentemente durante un tiempo), acosan a Tony y a su coche hasta que ambos se salen de la carretera. Las cosas van de mal en peor en una secuencia que es una de las más inquietantemente tensas en una película de Hollywood desde, quizás, " Terciopelo azul ". Sabemos, o al menos podemos inferir, que no es real, que en realidad es irreal a dos grados de profundidad, ya que lo que está sucediendo es una versión cinematográfica de la novela que Edward ha enviado. La novela que Edward ha dedicado a Susan.¿Y por qué se lo ha dedicado a Susan? ¿Es una versión de ficción o  algún suceso horrible de su pasado compartido? Resulta que no del todo. Pronto entra en juego la tercera trama, la historia de Susan y Edward, también interpretado por Gyllenhaal. Ambos son jóvenes y enamorados idealistas. Él la anima a dedicarse al arte, no como un negocio, sino como una vocación. Ella quiere que él sea más responsable, o realista. Le aterra convertirse en su madre materialista y adinerada. Él no está tan seguro de que ella lo tema. Se produce un daño emocional, pero nada comparable a lo que ocurre en la novela de Edward. Esta es una película que, entre otras cosas, confía en que el espectador la interprete, o quizás exige que lo haga.

El espectador tiene que deducir varias cosas durante el desarrollo del filme: la diferencia entre la trama del libro dedicado a Susan y la vida que la pareja tuvo cuando eran jóvenes; las constantes retrospectivas al libro y al pasado la pareja y también hay algunos simbolismos que deberán ser interpretados solamente en los minutos finales de la película

Las historias individuales se mantienen en el aire de forma hermosa gracias a Ford, el diseñador de moda que ha aprendido mucho sobre la distinción entre estilización efectiva y estilización ostentosa desde su ópera prima de 2009, " Un hombre soltero ". Algunos de sus momentos más débiles ocurren cuando Ford está en su punto más vehemente: una escena en la que Susan va a una reunión de la junta directiva de un museo de Los Ángeles e interactúa con una muy afectada Jena Malone es agresiva como suele suceder en este tipo de escenas, pero no llega al extremo. (Malone luce bastante graciosa, con un vestido que parece un vestuario descartado para la escena del tablero de ajedrez en "Alicia a través del espejo"). Michael Shannon , por otro lado, alcanza la cima de su carrera con su interpretación seca pero enigmática de un agente de la ley de Texas que ya no tiene nada que perder. La muy prominente banda sonora de Abel Korzenioski es casi un pastiche puro, pero está lograda.

Suponemos que todo encajará cuando Edward y Susan (cuya vida actual sigue deteriorándose mientras ella se sumerge en la oscura novela de Edward; Hutton, de viaje de negocios, la engaña tan descaradamente que casi está demasiado aburrido para ocultarlo) se encuentren en persona. La escena final de la película pretende generar comentarios animados y bien diferentes uno del otro. Yo tuve que volver a verla casi completa para sacar mis propias conclusiones.

Aspectos Destacados de la Película

• Estructura dual: La historia entrelaza la vida de lujo y vacíos emocionales de Susan (Amy Adams), una galerista de arte en Los Ángeles, con la violenta y perturbadora novela de ficción escrita por su exmarido Edward (Jake Gyllenhaal), la cual Susan recibe por correo.

• Estética y tensión: Destaca por su impecable y fría dirección de arte, el diseño de vestuario y una secuencia inicial grotesca, provocadora e impactante. 

• Interpretaciones: Las actuaciones principales y secundarias reciben elogios generalizados, en especial la caracterización de Aaron Taylor-Johnson como un villano sumamente desagradable y desestabilizador.

Opiniones y Recepción del Público

• Una venganza poética y amarga: Muchos comentarios coinciden en que la película funciona como una elaborada y fría venganza psicológica. El libro dentro de la película actúa como un espejo del dolor y el resentimiento.

• Muchos comentarios coinciden en que la película funciona como una elaborada y fría venganza psicológica. El libro dentro de la película actúa como un espejo del dolor y el resentimiento de Edward hacia Susan. [1, 2, 3]

• El desenlace final es abrupto y melancólico, deja una sensación de vacío e insatisfacción en buena parte de la audiencia que esperaba una resolución tradicional. Sin embargo, para otros espectadores, ese cierre encaja perfectamente con la propuesta artística y temática del filme.

• No apta para todo público: Debido a sus altas dosis de violencia psicológica, tensión insoportable y escenas perturbadoras, se advierte que es un filme difícil de digerir y visualizar de manera casual.

Ficha técnica

Título original: Nocturnal Animals

Año: 2016

Dirección: Tom Ford

Guion: Tom Ford (basado en la novela Tony y Susan de Austin Wright)

Música: Abel Korzeniowski

Fotografía: Seamus McGarvey

Montaje: Joan Sobel

Elenco:

Amy Adams como Susan Morrow

Jake Gyllenhaal como Edward Sheffield / Tony Hastings

Michael Shannon como el teniente Bobby Andes

Aaron Taylor-Johnson como Ray Marcus

Armie Hammer como Hutton Morrow

Isla Fisher como Laura Hastings

Laura Linney como Anne Sutton 

Principales Premios:

Premios Óscar (2017): Recibió 1 nominación al Mejor actor de reparto (Michael Shannon).

Globos de Oro (2017): Ganó el premio a Mejor actor de reparto (Aaron Taylor-Johnson) y obtuvo nominaciones a Mejor director y Mejor guion (Tom Ford).

Premios BAFTA (2017): Ganó el premio a Mejor actor de reparto (Aaron Taylor-Johnson) de entre 9 nominaciones, incluyendo mejor dirección y guion adaptado.

Festival de Cine de Venecia (2016): Ganó el Gran Premio del Jurado (León de Plata).

Ya está disponible en Netflix para los que deseen verla.


16 de septiembre de 2026

España inicia su camino a los Oscar 2027.

La película La bola negra de Javier Calvo y Javier Ambrossi ('Los Javis'), que  en el Festival de Cannes de este año obtuvo el premio a la mejor dirección,  ha sido seleccionada por la Academia de Cine para representar a España en los Premios Óscar 2027 en la categoría de mejor película internacional. 

La película está basada en la obra inacabada de Federico García Lorca y la pieza teatral La piedra oscura de Alberto Conejero.

Cuenta con la actuación de Alvaro Lafuente Calvo (Conocido por Guitarricadelafuente), Carlos González, Milo Quifes, Miguel Bernardeau y Lola Dueñas, además de colaboraciones especiales de Penélope Cruz y Glenn Close. 

Dónde ver la película:

En cines de España): A partir del 25 de septiembre de 2026.

En streaming (España): Llegará en exclusiva a la plataforma Movistar Plus+ tras su paso por cines, aunque todavía no hay una fecha exacta de estreno en el catálogo. 

En Estados Unidos y Latinoamérica: Tendrá un estreno limitado en cines el 16 de octubre de 2026 y posteriormente estará disponible en Netflix.


15 de septiembre de 2026

Entregados los Premios Emmy.

 La 78.ª edición de los Premios Primetime Emmy 2026 se celebró el lunes 14 de septiembre en el Peacock Theater de Los Ángeles, con la conducción histórica de Mariska Hargitay.








Grandes Ganadores

• Mejor serie dramática: The Pitt

El personal del Centro Médico de Traumatología de Pittsburgh trabaja sin cesar para salvar vidas en un servicio de urgencias saturado y con escasos recursos. Consta de dos temporadas con 15 episodios cada una.

• Mejor serie de comedia: Widow's Bay (la gran ganadora de la noche con 14 estatuillas en total)

Mientras un alcalde intenta revitalizar el turismo en una isla de Nueva Inglaterra, las leyendas locales empiezan a hacerse realidad. Tiene una temporada de 10 capítulos

• Mejor actor en serie dramática: Noah Wyle por The Pitt

• Mejor actriz en serie dramática: Rhea Seehorn por Pluribus

• Mejor actor en serie de comedia: Matthew Rhys por Widow's Bay

• Mejor actriz en serie de comedia: Jean Smart por Hacks

• Mejor película para televisión: Remarkably Bright Creatures 


13 de septiembre de 2026

Culminó el Festival de Venecia 2026.

León de Oro para la cineasta danesa May el-Toukhy.

El jurado presidido por Maggie Gyllenhaal entrega el premio mayor del histórico festival italiano a ‘Kvinde Ukendt (Mujer Desconocida)’, la única película de la Competición Oficial dirigida en solitario por una mujer.

La 83ª edición de la Mostra de Venècia se abrió con unas suculentas declaraciones de la directora estadounidense Maggie Gyllenhaal, encargada este año de presidir el jurado oficial del histórico certamen italiano. En la rueda de prensa inaugural, la directora de ‘¡La novia!’ y ‘La hija oscura’ expresó su incomodidad por la escasa presencia de películas dirigidas por mujeres en la competición por el León de Oro. “Por fin hemos descubierto que las mujeres simplemente hacemos peores películas que los hombres”, espetó con una ironía sangrante la actriz y cineasta. Y hay que reconocer que, antes del inicio de la Mostra, el panorama era desolador.

De las veintidós películas de la Competición Oficial, solo dos tenían a una mujer a la cabeza, y ‘Kvinde Ukendt (Woman Unknown)’, de la cineasta danesa May el-Toukhy, era la única dirigida en solitario por una mujer –el otro caso era el documental ‘Naza’, codirigido por la israelí Rachel Szor junto a Yuval Abraham–. Pues bien, lo que empezó como un reclamo justo ha terminado como una reivindicación en toda regla, ya que el jurado presidido por Gyllenhaal ha decidido otorgar el León de Oro justamente a ‘Kvinde Ukendt (Woman Unknown)’, una película que retrata la dura odisea de una mujer que intenta reconstruir su vida en la Dinamarca golpeada por la memoria de la Segunda Guerra Mundial, un momento en el que la nación nórdica intentaba limpiar su imagen persiguiendo de forma brutal a aquellos que habían colaborado con el régimen nazi.

Sobre el escenario de la Sala Grande de la Mostra, May el-Toukhy –de madre danesa y padre egipcio– explicó que ‘Kvinde Ukendt’ trata sobre “la forma en la que el cuerpo femenino se ha convertido en un campo de batalla y ha sido tratado como un asunto público”. Planteada como una película de época plácida y un tanto académica en su superficie, pero agitada por fuertes corrientes subterráneas, ‘Kvinde Ukendt’ encuentra un equilibrio entre la defensa de la dignidad de su protagonista y la exposición de la violencia salvaje que sufrieron muchas mujeres que intimaron con el nazismo para sobrevivir. “Esta historia trata sobre unas mujeres que han sido invisibilizadas y silenciadas por la historia”, reclamó el-Toukhy con el León de Oro en las manos. Y, después, dirigiéndose a la presidenta del jurado, reivindicó una lucha feminista: “Gracias Maggie por verter luz sobre la falta de oportunidades para las mujeres en nuestra industria”

Junto a la recibida por May el-Toukhy, la otra gran ovación de la noche fue para la pareja de cineastas israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor, que se alzaron con el Premio Especial del Jurado. El público de la Sala Grande, incluido el director del festival Alberto Barbera, se puso de pie en reconocimiento al coraje de los directores de ‘Naza’, que en su nuevo documental –después de ‘No Other Land’– exponen la máquina de muerte puesta en marcha por el ejército israelí para cometer el genocidio de Gaza. “La dura realidad es que, en los diez días que ha durado este festival, seis niños han sido asesinados en Gaza”, afirmó Abraham. “Estos asesinatos forman parte de una maquinaria sistémica, que hemos podido conocer gracias al valor de muchos periodistas palestinos. 200 de ellos han muerto en Gaza, concluyó Abraham, que junto a Szor ha construido su impactante película con los espeluznantes testimonios de veinticuatro soldados y miembros de los servicios de inteligencia israelíes.

La fuerte carga política de la programación de la Mostra se ha dejado ver por todo el palmarés. El Gran Premio del Jurado ha sido para la producción de Netflix ‘Possible Love’, dirigida por el maestro surcoreano Lee Chang-dong. El film analiza la destrucción de la clase trabajadora a través del estudio de la relación entre dos matrimonios, uno obrero –golpeado por los despidos en una gran industria– y otro privilegiado, en el que la mujer quiere filmar un documental sobre la crisis laboral en el país asiàtico. Por su parte, el Premio a la Mejor Dirección ha sido para el disidente ruso Ilya Khrzhanovskiy, que en la monumental ‘DAU’, de 210 minutos, ofrece una aproximación libre a la figura del físico soviético y premio Nobel Lev Landáu, que participó en el proyecto de construcción de la bomba nuclear i que sufrió, según la visión de Khrzhanovskiy, la opresión y el autoritarismo del sistema soviético. La colección de reconocimientos a films de corte social culminó con el Premio al Mejor Guion para Stéphane Brizé, Coralie Amedeo y Olivier Gorce, responsables del texto de ‘Un bon petit soldat’, una obra que retrata la caída moral de la jefa de recursos humanos de una gran empresa de seguros.

Les Copas Volpi a los mejores intérpretes –que suelen verse como un posible impulso para la carrera por los Oscar– fueron para John Malkovich, que en ‘Wild Horse Nine’ exhibe su genio excéntrico dando vida a un agente de la CIA que arrastra cargos de conciencia, y para Mathilde Arcel F., que se revela como una fuerza de la naturaleza actoral encarnando a la protagonista de la ya mencionada ‘Kvinde Ukendt (Woman Unknown)’. Finalmente, el Premio Marcello Mastroianni a la Mejor Interpretación Joven ha sido para la francesa Malou Khebizi –vista en ‘Diamante en bruto’–, que encarna a una chica encerrada en una unidad de psiquiatría juvenil en la tempestuosa ‘15/18 (A Place to Heal)’ de Cédrick Kahn.

Los Ganadores.

No todos los galardones de Venecia pertenecen a la misma competencia durante el Festival de Cine de Venecia. Venecia 83 es la selección principal: de ahí sale el León de Oro a Mejor Película, acompañado por los Leones de Plata, las Copas Volpi de actuación y los premios a dirección, guion y talento joven, además del Premio Especial del Jurado. En pocas palabras, es el bloque donde compiten los títulos que aspiran a los mayores reconocimientos del festival. Paralelamente están los premios de Orizzonti que funcionan como una competencia independiente con su propio jurado y premios para película, dirección, actuaciones, guion y cortometraje. Este año reunió 19 largometrajes y 13 cortos. A ello se suman otros apartados: el León del Futuro, destinado a reconocer una ópera prima; Venice Spotlight, cuyo ganador es decidido por los espectadores; Venice Classics, dedicado a películas restauradas, y Venice Immersive, que lleva el festival hacia la realidad virtual, realidad mixta y otras experiencias XR.

Ganadores de Venecia 83:

• León de Oro a Mejor Película — Woman Unknown, May el Toukhy  Dinamarca, Suecia y Letonia.

• León de Plata – Gran Premio del Jurado — Possible Love (Ga-neung-han Sa-rang) — Lee Chang-dong — Corea del Sur.

• León de Plata a Mejor Dirección — DAU — Ilya Khrzhanovsky — Alemania, Francia y Suecia.

• Copa Volpi a Mejor Actriz — Woman Unknown — Mathilde Arcel — Dinamarca, Suecia y Letonia.

• Copa Volpi a Mejor Actor — Wild Horse Nine — John Malkovich — Reino Unido, Estados Unidos y Chile.

• Mejor Guion — Un bon petit soldat (A Good Little Soldier) — Stéphane Brizé, Coralie Amédéo y Olivier Gorce — Francia.

• Premio Especial del Jurado — NAZA — Yuval Abraham y Rachel Szor — Reino Unido.

• Premio Marcello Mastroianni a Mejor Actor o Actriz Joven — 15/18 (A Place to Heal) — Malou Khebizi — Francia.

Ganadores de Orizzonti:

• Mejor Película — Un détour par Diane (Diane in the Loop) — Ann Sirot y Raphaël Balboni — Bélgica y Francia.

• Mejor Dirección — Mia mera sti zoi tis Tzo: Kefalaio Faidra (A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra) — Jacqueline Lentzou — Grecia, Alemania y Francia.

• Premio Especial del Jurado  y León del Futuro— La maison du vent (House of the Wind) — Auguste Bernard Kouemo Yanghu — Camerún, Francia, Bélgica, Benín, Arabia Saudita y Qatar.

• Mejor Actriz — Moragheb (Falling House) — Laleh Marzban — Irán, Estados Unidos y Alemania.

• Mejor Actor — I figli della scimmia (The Children of the Monkey) — Riccardo Scamarcio — Italia.

• Mejor Guion — I figli della scimmia (The Children of the Monkey) — Tommaso Landucci y Damiano Femfert — Italia.

• Mejor Cortometraje — Quelques instants de bonheur (A Few Moments of Happiness) — Shaden Safieddine Tazi — Francia, Reino Unido y Líbano.

El premio que decide el público: Venice Spotlight

Aquí cambia por completo la dinámica. En Venice Spotlight no es un jurado internacional quien escoge al ganador: los espectadores califican las ocho películas de la sección después de sus proyecciones oficiales y el título con el promedio más alto recibe el Armani Beauty Audience Award.

• Premio del Público Armani Beauty — Eu Contez (I Matter) — Alina Șerban — Rumania, Alemania y Bélgica.

Reconocimientos Especiales.

George Clooney y Ellen Burstyn fueron galardonados con el León de Oro a la Trayectoria. 





Invitados Especiales:

Javier Bardem, Penélope Cruz, Orlando Bloom, Kendall Jenner, Jonathan Baile Jonathan Bailey, Nicholas Galitzine, Ricky Martin, J Balvin, Claire Foy, Kate Mara y los hermanos Liam y Noel Gallagher


30 de agosto de 2026

Perfume de mujer, 1992.

El filme, cuyo título original es Scent of a Woman le valió al actor Al Pacino un merecido Oscar de actuación interpretando a un coronel ciego, bebedor y compadeciéndose de sí mismo. Es un hombre mezquino, iracundo y sarcástico. Intuimos que siempre ha sido solitario, pero nunca tanto como ahora, atrapado en la ceguera. Perdió la vista en la vejez y ahora se emborracha y espera a sus víctimas. Sin embargo, hay esperanza para él gracias a dos aspectos latentes en su personalidad: es un romántico y posee un sentido del humor peculiar.

El coronel, cuyo nombre es Slade y al que no le gusta que lo llamen "Señor", es interpretado por Al Pacino en una de sus mejores y más arriesgadas actuaciones; arriesgada, porque al principio el personaje es tan desagradable que apenas podemos soportarlo, y solo gradualmente comenzamos a comprender cómo funciona y por qué no es tan miserable como parece.

Desde luego, parece un pobre desgraciado el primer día que Charlie Simms va a cuidar su casa. Charlie (interpretado por Chris O'Donnell ) es alumno de un prestigioso colegio privado local; un chico becado del oeste que no tiene dinero para derrochar y está contento con este trabajo de fin de semana, cuidando al viejo. Charlie está metido en un buen lío en el colegio. El lunes habrá una audiencia disciplinaria sobre quién hizo la broma que dañó el nuevo Jaguar del director, y Charlie, que sabe quién fue, no quiere ser un chivato. Podría ser expulsado por eso.

“Perfume de mujer”, de Martin Brest, toma a Charlie y al coronel y los sitúa en una combinación de dos géneros clásicos. Por un lado, está la fórmula de la mayoría de edad, en la que un hombre mayor enseña a uno más joven los secretos del oficio. Aquí se mezcla con el género de las películas de internado, que desde “ Una paz aparte ” hasta “Si”, “ Toques de corneta ”, “ La sociedad de los poetas muertos ” y “ Colores verdaderos ”, siempre ha presentado a un inadaptado que aprende a defender sus convicciones.

Los dos géneros encajan bien en "Perfume de mujer", tal vez porque lo que Charlie necesita en la escuela es un modelo a seguir, y lo que el coronel siempre ha sabido hacer es proporcionárselo.

El guion es de Bo Goldman (“ Melvin y Howard ”), a quien le interesan más los personajes que la trama.

Charlie cree que pasarán el fin de semana en la lúgubre casita del coronel, viendo al viejo beber y escuchando sus insultos. Pero el coronel tiene otros planes, mucho más de los que Charlie puede imaginar. Les compra un par de billetes a Nueva York y anuncia que van a divertirse en la gran ciudad. En particular, quiere adoctrinar al joven con sus ideas sobre las mujeres y cómo son los seres más maravillosos de toda la creación de Dios.

Las ideas del coronel no son políticamente correctas. Por otro lado, tampoco es un machista; siente una admiración tradicional por las mujeres, mezclada con anhelo y fascinación, y el respeto de un caballero que ha dedicado su vida al ejército y nunca ha conocido bien a ninguna mujer. Casi cree que puede oler el aroma de una mujer y decirte todo sobre ella: el color de su cabello, el de sus ojos, y si tiene una mirada alegre.

Todo esto se desarrolla en un contexto de consumo excesivo de alcohol, que Charlie observa con creciente preocupación. La película no comete el error de convertir al coronel y al estudiante en amigos instantáneos con una camaradería natural. Charlie mantiene las distancias. Le tiene un poco de miedo al coronel y mucho miedo a lo que pueda sucederle.

Alquilan una limusina. Se hospedan en una suite del Waldorf. Conversan. El coronel da una lección. Charlie, que desconfía de él, responde cortésmente, manteniéndose a la defensiva. El coronel parece no darse cuenta.

Beben. Van al salón de baile de un hotel, donde Charlie se fija en una hermosa joven ( Gabrielle Anwar ), y el Coronel entabla conversación con ella y la convence para que baile el tango con él. Es un buen bailarín. Y como viejo galán, es aún mejor.

Hay algo conmovedor en él. Toda su vida, le confiesa a Charlie, ha soñado con despertar junto a una mujer buena y hermosa. El chófer los lleva a la dirección de una prostituta muy recomendada. Charlie espera en el coche. La película podría haberlo arruinado todo entrando con el coronel, pero se queda afuera con Charlie, y cuando el coronel vuelve a salir dice muy poco, pero en ello podemos intuir que considera a la mujer como el país inexplorado de toda bondad y seguridad, un país en el que jamás vivirá.

Llegan a un punto crítico, y Pacino y O'Donnell protagonizan el equivalente emocional del enfrentamiento entre Jack Nicholson y Tom Cruise en " Algunos hombres buenos ". Es una escena memorable, la verdadera conclusión de la película, aunque la historia de Charlie aún tiene que encontrar su propio desenlace cuando los dos hombres regresan al internado. Al final de "Perfume de mujer", llegamos a la conclusión habitual de las películas de iniciación y de las películas ambientadas en internados. Pero pocas veces nos han llevado hasta allí con tanta inteligencia y maestría.

No me canso de ver dos escenas memorables de esta película, a saber: El baile del tango entre una joven y el actor principal y la audiencia final en el internado de Charlie donde Al Pacino realizó un memorable discurso de defensa.



Ficha Técnica

Título original: Scent of a Woman

Título en Hispanoamérica: Perfume de mujer 

Año: 1992 

Dirección: Martin Brest

Guion: Bo Goldman (basado en la novela de Giovanni Arpino y la película homónima de 1974)

Música: Thomas Newman

Fotografía: Donald E. Thorin

Reparto principal:

o Al Pacino (como el Teniente Coronel Frank Slade)

o Chris O'Donnell (como Charlie Simms)

o James Rebhorn (como Mr. Trask)

o Gabrielle Anwar (como Donna)

o Philip Seymour Hoffman (como George Willis, Jr.) 

Premios Óscar (1993)

 Tuvo cuatro nominaciones: Película, Dirección, Guion Adaptado y Actuación masculina que fue el que finalmente recibió Al Pacino

Premios Globos de Oro (1993)

La producción fue una de las grandes triunfadoras de la noche al llevarse tres de sus cuatro candidaturas:

• Ganadora:

o Mejor Película - Drama

o Mejor Actor Principal - Drama: Al Pacino

o Mejor Guion: Bo Goldman

• Nominación:

o Mejor Actor de Reparto: Chris O'Donnell

Otros Reconocimientos

• Premios BAFTA (1994): Nominada a Mejor Guion Adaptado.

• Asociación de Críticos de Chicago (CFCA): Ganadora al premio de Actor Revelación para Chris O'Donnell.

• Sindicato de Productores (PGA): Nominada a la Mejor Película del año.

• BMI Film & TV Awards: Ganadora del premio a la Mejor Música para Thomas Newman.

26 de agosto de 2026

Falleció el actor Tim Curry.

 El famoso actor británico Tim Curry falleció este martes a altas horas de la noche en su domicilio de Los Ángeles, a los 80 años. La Policía local verificó el hecho al acudir a su casa cerca de la medianoche. No se sospecha de ningún delito. Se informa que Curry padecía graves problemas de salud desde hace más de una década.

En 2012, el actor sufrió un derrame cerebral que requirió de una intervención quirúrgica. El año pasado, al publicar sus memorias, indicó que aún no podía caminar.

Tim Curry era conocido por su papel protagónico como Pennywise en 'Eso, el payaso asesino'. También se destacó por sus interpretaciones como el Dr. Frank-N-Furter en 'The Rocky Horror Picture Show', Héctor, el conserje del hotel en 'Mi pobre angelito 2: perdido en Nueva York', y por sus participaciones en 'Annie', 'La caza del Octubre Rojo', 'Los Muppets en la isla del tesoro', 'La familia Addams: la reunión' y 'Scary Movie 2'.

En lo que a actores se refiere, pocos son tan memorables como Tim Curry. Nacido en Inglaterra en 1946, comenzó su carrera en la producción original del West End de Hair en 1968, y desde entonces lo único que hizo fue conquistar al público.

Ya sea interpretando al héroe (algo muy poco frecuente) o al villano, esta leyenda de la actuación siempre aportó una maldad deliciosa y un toque de extravagancia a todas sus interpretaciones, convirtiéndolas en clásicos instantáneos. Aunque fue The Rocky Horror Picture Show la película que supuso un antes y un después –junto con Solo en casa 2, Legend o Los teleñecos en la isla del tesoro–, estos tres trabajos definen a la perfección su carrera.

En la comedia de misterio El juego de la sospecha (Cluedo) de 1985, basada en el juego de mesa del mismo nombre, seis personas son invitadas a una mansión, y su anfitrión utiliza sus secretos para chantajearlas. Cuando el anfitrión es asesinado, los invitados y el personal colaboran para descubrir quién es el asesino. Curry está perfecto en el papel del mayordomo Wadsworth, y es difícil imaginar a otro actor interpretando al personaje, en parte por su impávida actuación mientras explica a los invitados el motivo de su visita y profundiza en su pasado.

En It, (1990) un grupo de preadolescentes marginados de los años 60 lucha contra un demonio maligno capaz de adoptar la forma de los peores miedos de una persona (generalmente, la de un payaso). Treinta años después, cuando regresa a su pueblo, el grupo vuelve a enfrentarse a él.

Times Square, 1980, uno de los primeros papeles que catapultó a la fama a Curry, demostró a muchos espectadores que no era un actor de un solo registro y que podía desenvolverse con eficacia en papeles dramáticos conmovedores. La película narra la historia de dos adolescentes, una proveniente de la pobreza y la otra de una familia adinerada, que forjan un vínculo inesperado debido a sus experiencias compartidas en un hospital psiquiátrico. Pronto, las dos jóvenes huyen de sus familias para vivir sus propias aventuras en el corazón de Nueva York.

Curry interpreta a Johnny LaGuardia en la película, un locutor de radio neoyorquino que transmite su exitoso programa desde un ático con vistas a la inmensa Times Square. Pronto se ve envuelto en un inesperado conflicto con las niñas desaparecidas, al descubrir que una de ellas le escribía y era fan de su programa. La brillante interpretación de Curry da vida al personaje y es uno de los aspectos más importantes del filme, elevando la historia más allá de su simple premisa.


25 de agosto de 2026

La Odisea, 2026

Y finalmente fui a ver La Odisea, la de Christopher Nolan. Todo un taquillazo con un presupuesto de 250 millones de USD, grandes efectos visuales (no hay nada que exaltar en la era digital y de la IA) y un gran reparto de actores, pero …

En mi modesta opinión el filme está por debajo de la versión de 1954 y de la miniserie de 1977 que dirigió Andrei Konchalovsky. Y es que no basta tener un buen reparto si no tienes deseos de actuar y no basta con tener grandes presupuestos financieros si no los inviertes bien.

Esta versión producida y dirigida por Christopher Nolan se tomó varias libertades, pero comencemos con la argumentación y otros detalles porque hay personas que no la conocen, …. Aunque parezca extraño, hay varias generaciones que no saben quien es Homero y mucho menos Odiseo y saben algo de Troya porque les entra un virus en la PC y le dicen que fue un troyano, ¡! Qué tristeza ¡!

La Odisea está basada en el poema griego homónimo de Homero y narra su largo y peligroso viaje de regreso a casa tras la guerra de Troya, así como sus encuentros con seres mitológicos mientras intenta reunirse con su esposa, Penélope, interpretada por Anne Hathaway. El elenco coral incluye a Tom Holland, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Samantha Morton, Zendaya, Charlize Theron, y en el papel de Odiseo a Matt Damon que desde febrero del año 2025 fue confirmado como protagonista.

El rodaje se llevó a cabo entre febrero y agosto de 2025 en Marruecos, Grecia , Italia, Escocia y otros países y filmaciones en los estudios Universal de Los Ángeles, California. Con un presupuesto estimado de 250 millones de dólares, la película se encuentra entre las producciones más costosas de la carrera de Nolan y es la primera filmada íntegramente con cámaras IMAX de 70 mm. Antes de su estreno, los diseños de vestuario y producción, los acentos, los diálogos y algunas decisiones de casting generaron debates y un minucioso escrutinio crítico en torno a la fidelidad histórica respecto al material original y al contexto representado.

La Odisea tuvo su estreno el 6 de julio de 2026 en el cine Empire Leicester Square de Londres, antes de su lanzamiento en salas por parte de Universal Pictures el 17 de julio en Estados Unidos y el Reino Unido. La película estuvo disponible en IMAX y en múltiples formatos premium de gran pantalla. Recibió elogios generalizados de la crítica, con especial reconocimiento a la dirección de Nolan. Recaudó 1 452 mil millones de dólares, convirtiéndose en la segunda película más taquillera de 2026, en la película clasificada R con mayor recaudación de todos los tiempos y en el mayor éxito de taquilla de la carrera del director. Estableció numerosos récords para Nolan, incluyendo algunos de preventa en formatos premium lanzados con un año de antelación.

Odiseo, el legendario rey griego de Ítaca y veterano de la Guerra de Troya, se encuentra varado en la isla de Ogigia junto a la ninfa Calipso y la diosa Atenea, y lucha por recordar lo que ocurrió después de abandonar Troya y por qué no puede regresar a su hogar. 

Mientras tanto, en Ítaca, ante la ausencia de Odiseo, varios pretendientes, entre ellos el noble itacense Antínoo, intentan conquistar a su esposa, Penélope, para reclamar el trono y derrocar a Telémaco, hijo de Odiseo y Penélope. Solo Penélope, Telémaco, Eumeo y el viejo perro Argos siguen creyendo que Odiseo regresará. Los pretendientes se burlan de la familia por mantenerse fiel a las leyes de Zeus y honrar a los dioses. Telémaco decide viajar a Esparta para visitar al rey Menelao y averiguar qué sucedió con su padre. Parte acompañado por Mentor, amigo y consejero de Odiseo. Antínoo descubre, gracias a su amante Melanto, que Telémaco se dirige a Esparta. Entonces conspira con otro pretendiente, Polibo, para asesinar a Telémaco a su regreso y repartirse las riquezas de Ítaca. 

Odiseo comienza a recordar su pasado: ideó junto a Menelao el plan de ocultarse dentro de un enorme caballo de madera, mientras el soldado Sinón fingía ser un desertor para engañar a los troyanos obsequiándoselo. Aunque los troyanos matan a Sinón, el engaño resulta exitoso, lo cual permite que Odiseo y los griegos abran las puertas de la ciudad para que Agamenón la saquee y Menelao recupere a su esposa, Helena. Agamenón y Menelao regresan pronto a sus reinos, mientras el ejército de Odiseo emprende un viaje más lento bajo la guía de Atenea. Durante una escala en una isla para abastecerse, son capturados por el cíclope Polifemo. Tras varios intentos, los griegos logran cegarlo y escapar, pero descubren que es hijo de Poseidón, quien los castiga condenándolos a perderse en el mar. Más tarde llegan a Eea, donde los salvajes lestrigones destruyen dos de sus barcos y matan a la mayoría de los hombres de Odiseo. Los supervivientes buscan refugio junto a la hechicera Circe, quien los transforma en cerdos. Después de matar accidentalmente a uno de ellos, Odiseo enfrenta a Circe y la obliga a devolverles su forma humana. Circe le advierte que, para regresar a Ítaca, deberá cruzar el Océano y descender al Hades.

En el reino de los muertos, Odiseo se encuentra con el espíritu de Tiresias, quien le profetiza que solo él logrará regresar a casa. Decidido a proteger a sus hombres y desafiar el destino impuesto por los dioses, también se encuentra con el espíritu de Sinón, quien le revela la traición de Antínoo: había sido manipulado para ocupar su lugar en el ejército griego durante la guerra de Troya. Luego se cruza con el espectro de Agamenón, asesinado por su esposa Clitemnestra tras su regreso de la guerra, luego de sacrificar a su hija Ifigenia a Artemisa para obtener su favor. Poco después, los fantasmas de los soldados troyanos caídos persiguen a Odiseo y a sus hombres, obligándolos a huir del Hades. Siguiendo las instrucciones de Tiresias, la tripulación sobrevive a los encuentros con Caribdis, Escila y las Sirenas, aunque pierde más barcos y compañeros. Finalmente llegan a Trinacia, donde Odiseo les advierte que no maten el ganado sagrado de Helios, tal como Tiresias había profetizado. Sin embargo, Euríloco y los hombres, consumidos por el hambre, desobedecen y sacrifican el ganado. Horrorizados, intentan escapar, pero las tormentas desatadas por Poseidón hunden casi toda la flota.

Telémaco y Mentor llegan a Esparta, donde son recibidos por Menelao y Helena. Aunque desconocen el destino de Odiseo, comparten historias sobre sus hazañas. Sin lograr descubrir si su padre sigue con vida, Telémaco mantiene la esperanza y emprende el regreso. Odiseo, ahora el único superviviente de su expedición, llega a la costa de Ogigia, donde Calipso lo cuida durante siete años alimentándolo con flores de loto. Ella le confiesa que lo mantuvo como su amante durante ese tiempo contra su voluntad, aunque siente compasión por su sufrimiento y por el anhelo que siente de reunirse con su familia. Finalmente le permite construir una balsa improvisada y lo ayuda a reconciliarse con los dioses. Gracias a la ayuda divina, Odiseo consigue llegar milagrosamente a Ítaca. Atenea le concede un disfraz mágico de mendigo, y así descubre por Eumeo lo sucedido con su hijo. Mientras reza junto a Telémaco y Mentor en un templo, este último es atacado por los pretendientes, pero Odiseo lo rescata y se presenta bajo el nombre de «Outis» («Nadie»). Telémaco lo guía hasta el palacio y, tras el emotivo reencuentro con Argos, que muere en paz después de reconocer a su amo, termina descubriendo que aquel mendigo es en realidad su padre. Durante un tenso banquete con los pretendientes, Odiseo se acerca a Penélope. Aún disfrazado, le confiesa la culpa que carga por haber quebrantado las leyes de Zeus mediante el engaño del caballo de Troya, por la muerte de inocentes troyanos y por haber profanado una estatua de Atenea tras asesinar a su sacerdotisa. Atenea había adoptado la apariencia de la sacerdotisa para castigarlo mediante visiones. Odiseo le suplica su perdón. Penélope anuncia entonces que está dispuesta a volver a casarse e invita a los pretendientes a presentarse la noche siguiente. En secreto, Odiseo, Telémaco y sus fieles sirvientes esconden armas por todo el palacio. 

Reunidos todos los pretendientes, Penélope declara que se casará con quien sea capaz de tensar el arco de Odiseo y atravesar con una flecha una hilera de cabezas de hacha. Ninguno de los pretendientes lo consigue. Entonces Odiseo toma el arco, lo tensa sin esfuerzo y dispara la flecha, atravesando todas las hachas y revelando su verdadera identidad. Se desata una feroz batalla en la que Odiseo mata a Polibo. Melantio, hermano de Melanto, es desenmascarado como traidor al intentar ayudar a Antínoo, y Telémaco lo mata antes de que Odiseo acabe finalmente con Antínoo. Los pretendientes restantes se rinden ante Odiseo, mientras que Melanto es ejecutada por su traición. Finalmente, Odiseo decide ceder el trono de Ítaca a Telémaco y abandona la isla junto a Penélope en busca de una vida de paz.

El Elenco:

• Matt Damon como Odiseo, el legendario rey griego de Ítaca. El director Christopher Nolan describió a Odiseo como un personaje complejo, «un estratega extraordinario y una persona muy astuta. Para prepararse para el papel, Damon siguió un exhaustivo régimen de entrenamiento y una estricta dieta para conseguir un físico «delgado, pero fuerte», que incluyó eliminar el gluten de su alimentación y reducir su peso hasta 167 libras (75,7 kg). También se dejó crecer una barba completa durante un año, después de que Nolan rechazara utilizar vello facial artificial porque quería captar «la naturalidad del vello real». Pero su actuación no me convenció, le faltó la fuerza de un guerrero de la talla de Odiseo.

• Tom Holland como Telémaco, hijo de Odiseo y Penélope y príncipe de Ítaca, decidido a encontrar a su padre. Le faltó fuerza a su actuación.

• Anne Hathaway como Penélope, esposa de Odiseo, madre de Telémaco y reina de Ítaca, quien rechaza a los numerosos pretendientes que la cortejan durante la ausencia de su esposo. Tampoco contó con una buena interpretación, se vio distante, fría.  

• Robert Pattinson como Antínoo, uno de los pretendientes de Penélope,[] a quien Pattinson describió como un personaje «viscoso» y comparó con Lester Diamond, el personaje interpretado por James Woods en la película de 1995 Casino. 

• Lupita Nyong'o en un doble papel como:

• Helena de Troya, esposa de Menelao, descrita como la mujer más bella del mundo, cuyo rapto desencadena la guerra de Troya y como la hermana de Helena y esposa de Agamenón

Hago un alto aquí, La elección de Lupita Nyong'o como Helena de Troya en la película La Odisea de Christopher Nolan marca un cambio radical y polémico respecto a la descripción tradicional del personaje. Un sector del público acusó a la producción de alterar la estética clásica por motivos ideológicos modernos y no olvidar que en los poemas de Homero Helena aparece descrita como una mujer de piel muy clara y brazos blancos y muy hermosa reflejando el canon de belleza de la antigua Grecia

• Samantha Morton como Circe, una bruja y diosa de la isla de Eea. 

• John Leguizamo como Eumeo, un porquero ciego y fiel sirviente de Odiseo. 

• Zendaya como Atenea, la diosa de la sabiduría, la guerra y la artesanía, que protege a Odiseo durante su viaje. Zendaya también interpreta a una joven sacerdotisa troyana de Atenea que muere durante el asalto a Troya, cuya apariencia adopta posteriormente la diosa.

• Charlize Theron como Calipso, una ninfa de la isla de Ogigia que intenta convencer a Odiseo para que viva como su esposo ofreciéndole la promesa de la inmortalidad. 

• Jon Bernthal como Menelao, el rey de Esparta y esposo de Helena. 

• Himesh Patel como Euríloco, segundo al mando de Odiseo, quien cuestiona sus ideas y planes. 

• Bill Irwin como el intérprete en el set de Polifemo, un cíclope e hijo de Poseidón. 

• Elliot Page como Sinón, un soldado griego hijo de un sirviente de Antínoo, que fue reclutado durante su infancia y criado para convertirse en soldado, alcanzando la edad adulta justo cuando los griegos llegaron a Troya.[] Sinón no aparece en el poema original de Homero y su historia fue tomada de la Eneida de Virgilio y de otros mitos. 

• Benny Safdie como Agamenón, el rey griego de Micenas, esposo de Clitemnestra, hermano mayor de Menelao y comandante de los arqueros durante la guerra de Troya. 

Adaptaciones Clásicas y Monumentales

• Ulises (Ulysses, 1954): Dirigida por Mario Camerini, es una de las adaptaciones más famosas de la época dorada del cine épico europeo (peplum). Está protagonizada por Kirk Douglas como Ulises y Anthony Quinn. Destaca por condensar con dinamismo el largo viaje del héroe.

• La Odisea (The Odyssey, 1997): Una miniserie de televisión dirigida por Andrei Konchalovsky. Ganadora de un premio Emmy, es considerada por muchos una de las versiones más fieles y completas en cuanto al recorrido mitológico de Odiseo, con efectos especiales muy logrados para su época.

• El regreso de Ulises (The Return, 2024): Dirigida por Uberto Pasolini y protagonizada por Ralph Fiennes como un envejecido Odiseo que vuelve a Ítaca. Deja de lado la fantasía para centrarse en el drama humano, la venganza y el reconocimiento tras la guerra. 

• La Odisea (The Odyssey, 2026): Dirigida por Christopher Nolan, esta superproducción en formato IMAX explora el mito desde una perspectiva más humana, enfocándose en la memoria y las secuelas de la guerra por encima de la fantasía pura.

Aquí les introduzco unas notas de nuestro amigo el  comentarista y periodista Antonio Mazón Robau:

“Al fin he visto La odisea. Esta nueva copia corsaria pesa 4 gigas y tiene mejor sonido y un poco más de luz que la que circulaba anteriormente. Pero no se hagan ilusiones, es como dice erróneamente la gente, una "copia de cine" o sea, filmada dentro de un cine. O sea que seguimos a años luz del original. Como afirmé anteriormente imposible juzgar en serio un trabajo tan alejado del formato original, así que solo esbozo unas notas al pie de página: 

1. Es muy larga pero entretenida. 

2. No creo sea el mejor título de Nolan si pensamos en Oppenheimer y otras. 

3. Se ausenta el tono épico que cabe esperar en un título de este corte reemplazado por un monólogo dramático del personaje central. 

4. Los efectos especiales son simplemente correctos. 

5. Al verla pensé que me hubiera gustado la dirigiera Ridley Scott con su magia para el relato épico. 

6. Matt Damon da lastima como Odiseo. Nunca me convenció como personaje. Lo de Zendaya y Lupita son casi cameos, lo demás en este acápite es solo estándar.

7. Sin profundizar en la adaptación, que tantas críticas ha recibido hay que concluir que Nolan se apropió de la obra homérica e hizo lo que estimo conveniente. Eso es todo. 

8 y final. La peor frase de la película es cuando Damon se refiere al fin de la Edad del Hierro. Como si Odiseo, el personaje, pudiera conocer eso en su tiempo. Saludos.”


22 de agosto de 2026

Sacrificio de Sangre, 2026. Miniserie

Sacrificio de sangre recien estrenada en Netflix con 5 episodios. Es verano en Estocolmo, cuando la oscuridad nunca llega a instalarse del todo. Se recibe una llamada al 911 en la que se denuncia un allanamiento de morada. Se envía a dos agentes de policía a la dirección indicada, una casa de verano situada en el archipiélago. Pero al llegar, se encuentran con que no hay nadie allí, al menos a simple vista. Al día siguiente se hallan los cadáveres de los agentes: un crimen brutal. Es el comienzo de una serie de aterradores asesinatos, todos ellos aparentemente dirigidos contra agentes de policía. El detective encargado del caso tiene que pedir ayuda a su padre, un detective jubilado, para resolver el caso.

Netflix sumó Sacrificio de sangre a su catálogo y la producción sueca ya consiguió captar la atención de quienes suelen buscar thrillers de corta duración. La serie tiene apenas cinco episodios, un dato que puede resultar atractivo para los espectadores que prefieren historias concentradas y fáciles de completar en poco tiempo.

La ficción se desarrolla en Suecia y se mueve dentro del thriller policial. El punto de partida parece relativamente simple, pero la situación cambia de forma drástica cuando dos agentes acuden a una llamada de emergencia y terminan convirtiéndose en víctimas de un crimen. A partir de ese momento, la investigación irá revelando que lo ocurrido no fue un episodio aislado.

Según la descripción oficial de Netflix: "Tras el brutal asesinato de dos policías, a un detective no le queda más opción que aceptar trabajar con su distante padre, un expolicía, para atrapar al asesino".

La historia comienza durante el verano en Estocolmo. En ese contexto, una llamada al servicio de emergencias alertó sobre un supuesto allanamiento en una vivienda.

La denuncia provocó el envío de dos policías hasta una casa de verano ubicada en el archipiélago. Todo parecía indicar que se trataba de una intervención habitual. Sin embargo, al llegar al lugar, los agentes no encontraron a nadie, al menos no de manera evidente.

La situación tomó un giro mucho más oscuro al día siguiente. Los cuerpos de los dos policías fueron hallados tras lo ocurrido en la vivienda. El crimen dio inicio a una serie de asesinatos que elevaron la tensión y plantearon una pregunta fundamental: quién estaba atacando a los miembros de la policía y cuál era el motivo.

La investigación quedó entonces en manos de Thomas Berg. El detective tendrá que enfrentarse a un caso cada vez más inquietante, mientras las muertes sugieren que existe un patrón detrás de los ataques. Para avanzar, Thomas deberá recurrir a su propio padre, Alfred Berg, un detective ya retirado que tendrá conocimientos y experiencia capaces de resultar decisivos.

Uno de los datos que más puede llamar la atención de los espectadores es la extensión de la serie. Sacrificio de sangre tiene cinco episodios.

En un catálogo dominado por propuestas de varias temporadas o por ficciones que superan ampliamente esa cantidad de capítulos, el formato breve puede funcionar como una ventaja. La historia propone una investigación completa concentrada en pocos episodios.

Esa tensión entre velocidad y desarrollo estará presente en la recepción de la ficción. La pregunta será si los cinco capítulos alcanzarán para construir una investigación sólida y, al mismo tiempo, ofrecer un cierre capaz de satisfacer a quienes lleguen hasta el final.

El thriller criminal tiene una presencia importante dentro del catálogo de Netflix y las producciones nórdicas cuentan con un público acostumbrado a este tipo de historias. Los asesinatos, las investigaciones complejas y los personajes vinculados con fuerzas policiales forman parte de un universo que suele atraer a quienes buscan relatos de misterio.

Sacrificio de sangre se incorpora a ese espacio con una historia situada en Suecia y centrada en una investigación que comienza de manera inesperada. El escenario inicial combina una estación luminosa con una cadena de hechos violentos.

Thomas Berg deberá descubrir qué ocurrió y por qué los agentes fueron asesinados. Para hacerlo, tendrá que trabajar junto a Alfred Berg, su padre, cuya experiencia como detective retirado podrá aportar una perspectiva decisiva.

La ficción construye así una historia que mezcla un caso policial con un conflicto familiar. La resolución de los crímenes y la relación entre ambos hombres avanzarán dentro de los cinco episodios.


16 de agosto de 2026

Miniserie Te Encontraré.

Comentarios de Antonio Mazón Robau.


Decía Alfred Hitchcock que "al público le gusta que siempre le cuenten la misma historia", frase cínica pero real. Por eso entiendo perfectamente la popularidad de las adaptaciones al cine de las novelas de Harlan Coben. Este millonario autor utiliza siempre, siempre,  la misma estructura dramática al construir sus relatos: un  crimen ocurrido en el presente tiene su razón y origen en un suceso del pasado. La idea no falla y sobre ella ha construido su bibliografía.

Ahora bien, y puedo afirmarlo porque he visto todas sus adaptaciones a series, incluso las realizadas en España o Polonia, que la miniserie Te encontraré es la mejor realizada y a la vez la más entretenida de todas. El eje dramático es el de siempre pero el relato está tan bien elaborado, y posee una realización impecable y un casting perfecto que la hacen el mejor thriller que haya visto este año, por encima de cualquier thriller estrenado por Netflix en este año y que esta supercompañia se empeña en convencernos de que son muy buenos. Algo bien falso. Es simpático que en las redes pululen 'expertos" en cine que con casi total seguridad no saben quién carajo es Welles, Kieslowski o Godard y hablan con una autoridad que no admite réplicas y ni siquiera observaciones. En fin, amigos, vean la miniserie Te encontraré, no exenta de algunas incredulidades en su desarrollo que además les permitirá recobrar a la tan hermosa Madeleine Stowe ya mayor, quien fuera muy popular como actriz erótica en los 90.


8 de agosto de 2026

Amigos Intocables, 2011

El film de Eric Toledano y Olivier Nakache es una historia basada en hechos reales sobre dos hombres muy distintos que consiguen una relación de amistad entrañable y única. La enseñanza de vida está implícita desde el comienzo, no pretende invisibilizarse y recurre al sentimentalismo.

Philippe (François Cluzet) es un hombre viudo y adinerado, pero como consecuencia de un accidente su cuerpo perdió la motricidad y la sensibilidad. Vive sus días sentado en una sofisticada silla de ruedas, rodeado de enfermeras y asistentes mujeres. Así es como Driss (Omar Sy) aparece en su vida, cuando Phillipe busca un hombre que lo asista en sus diferentes necesidades. Driss será mucho más que eso en poco tiempo y el vínculo entre ellos se convierte en el centro de la  película, marcado fundamentalmente por el buen humor de Driss y su mirada hacia Philippe, ausente de cualquier tipo de lástima.

Amigos intocables (Intouchables, 2011) es una  comedia que intenta equilibrar el protagonismo de los dos personajes y están juntos en la gran mayoría de las escenas. Sin embargo, es Driss quien produce el movimiento, tanto al film como a la vida de Philippe. El negro “poco fiable” que cambia la vida de un blanco es ya un arquetipo, por lo que hacerlo funcionar es un todo un desafío. Los directores lo resuelven apoyándose en la ambivalencia del personaje de Driss: sí, hay que temerle, es violento y prepotente pero tiene buen corazón, es inteligente y bienintencionado

Omar Sy parece ideal para el rol y supo explotar esta doble faceta que lo aleja del estereotipo. Lógicamente que de François Cluzet se puede hablar mucho también, pero lo más interesante de su personaje es que no está acotado a su incapacidad. Y por eso la relación entre ellos puede crecer, porque Driss le enseña a Philippe otras maneras de ser feliz alejadas de la mera intelectualidad, y en estos intercambios los dos se tratan como iguales, sin dramatizar las obvias diferencias.

La historia verídica en la que se basa Amigos intocables es propensa a los tipos de films que apelan a la emoción y a las moralejas. Es difícil correrse de ese estilo de “lección de vida”. Si bien no se hace tan evidente, eso es lo que más molesta de la película y que por momentos entorpece su andar. Porque consigue escenas frescas y cómicas con una gran simpleza (en la ópera por ejemplo), pero también otras muy obvias y de relleno.

El equilibrio entre el drama y la comedia favorece mucho al relato, pero son principalmente los actores los que consiguen transmitir el in crescendo del vínculo. Eso es lo que el film supo explotar, y allí reside su principal atractivo.

Los intérpretes

Omar Sy,  es la película. Con razón arrebató el Cesar a Jean Dujardin, no por falta de méritos de este. Con otro intérprete, el resultado podría haber sido empalagoso o detestable, pero este actor y humorista, enorme en todos los sentidos, llena los encuadres y aporta toda la diversión. 

François Cluzet, que solo puede acompañarse de gestos faciales, se deshace en sonrisas para llevar la contraria a papeles en los que hasta ahora lo habíamos encasillado, como el de ‘No se lo digas a nadie’. Como en las comedias románticas, el primer encuentro entre los dos protagonistas tiene que dar la impresión de que esas dos personas nunca se llevarán bien y para ello están muy bien situados en los dos extremos de la escala social y los viajes del centro a las afueras de París demuestran que cada uno proviene de un planeta distinto.

Son asimismo encomiables las participaciones de las actrices secundarias, en especial Anne Le Ny, como Yvonne. Tanto ella como el personaje de Audrey Fleurot necesitan, con la misma intensidad que su jefe, que en sus vidas aparezca algún elemento que les devuelva la sonrisa. Ver a ambas mujeres irse despojando de capas y prevenciones resulta casi tan catártico como ver al inválido recuperar la alegría de vivir.

La escandalosa taquilla que ha hecho ‘Intocable’ se puede comprender, si no olvidamos que uno de los propósitos más loables del séptimo arte es el de distraernos de nuestros problemas y aburrimientos cotidianos para permitirnos disfrutar de un rato entretenido y cómico. El drama se introduce en una dosis muy pequeña para garantizar la implicación total con la narración y darle una entidad más completa. 

En el año 2016 los argentinos sacaron un remake: Inseparables, dirigida por Marcos Carnevale y protagonizada por Oscar Martínez y Rodrigo De La Serna. Ambas películas tienen muchas cosas en común pero algo sobresale: La banda sonora y en especial los hits utilizados. La película francesa utilizó "Boogie Wonderland" de Earth, Wind & Fire con The Emotions y la argentina una cumbia clásica: Bombón asesino de las Palmeras

Título original: Intouchables

Año de estreno: 2011

País: Francia

Dirección: Olivier Nakache y Éric Toledano

Guion: Olivier Nakache y Éric Toledano 

Banda sonora / Música: Ludovico Einaudi

Fotografía: Mathieu Vadepied

Montaje: Dorian Rigal-Ansous

Diseño de vestuario: Isabelle Pannetier


13 de julio de 2026

Muere Sam Neill a los 78 años:

Muere Sam Neill a los 78 años: el inolvidable protagonista de “Jurassic Park” fallece de forma repentina

El actor, nacido en Irlanda del Norte el 14 de septiembre de 1947, célebre por dar vida al paleontólogo Alan Grant en la saga Parque Jurásico, murió en Sydney rodeado de su familia. Su entorno confirmó que el fallecimiento fue repentino e inesperado y que se encontraba libre de cáncer tras años de tratamiento por un agresivo linfoma. 

Neill había atravesado en los últimos años una dura batalla contra un cáncer de sangre. En el 2023 el  actor reveló públicamente la enfermedad mientras promocionaba sus memorias Did I Ever Tell You This?. Tras someterse a quimioterapia y posteriormente a un tratamiento experimental de inmunoterapia, anunció en abril de 2026 que las pruebas médicas no detectaban cáncer en su organismo.

Nacido en Omagh en 1947 y criado en Nueva Zelanda, Sam Neill construyó una trayectoria de más de cinco décadas y cerca de un centenar de películas. Su salto a la fama internacional llegó con My Brilliant Career, aunque el reconocimiento mundial lo obtuvo en 1993 con Jurassic Park y El Piano.

Además de compartir pantalla con figuras como Laura Dern, Jeff Goldblum y Meryl Streep, dejó una destacada huella en televisión con la serie Peaky Blinders y protagonizó en 2024 Apples Never Fall.

Fuera de los focos, Neill era también un reconocido viticultor y propietario de la bodega Two Paddocks. En una de sus últimas entrevistas confesó sentirse agradecido por cada día vivido tras superar la enfermedad y aseguró que quería volver a rodar una película. Su fallecimiento pone fin a una carrera marcada por la elegancia, la versatilidad y un personaje, el doctor Alan Grant, que quedará para siempre en la historia del cine.

Películas más importantes

Sleeping Dogs (1977): Su primer gran papel protagónico en el cine, clave para el despegue de la industria en Nueva Zelanda.

My Brilliant Career (1979): El drama romántico australiano que lo dio a conocer a nivel internacional.

        Omen III: The Final Conflict (1981): Interpretó al temible Damien Thorn adulto en la clásica saga de terror.

        Possession (1981): Una aclamada y perturbadora cinta de culto de terror psicológico dirigida por Andrzej Żuławski.

        Dead Calm (1989): Un tenso thriller psicológico marítimo junto a Nicole Kidman y Billy Zane.

        La caza del Octubre Rojo (1990): Interpretó al capitán de fragata Vasily Borodin en este icónico thriller de la Guerra Fría junto a Sean Connery.

        Jurassic Park (1993): Su papel más famoso a nivel mundial, encarnando al paleontólogo Dr. Alan Grant en la obra de Steven Spielberg.

        El piano (1993): Drama ganador de la Palma de Oro de Cannes en el que interpretó al complejo Alisdair Stewart.

        En la boca del miedo (1994): Película de terror metafísico de John Carpenter donde interpretó a John Trent.

        Event Horizon (1997): Clásico de culto de ciencia ficción y horror espacial en el papel del Dr. William Weir.

         El hombre que susurraba a los caballos (1998): Drama dirigido por Robert Redford.  

        El hombre bicentenario (1999): Coprotagonizó este emotivo relato de ciencia ficción junto a Robin Williams.

         The Dish (2000): Comedia dramática australiana muy elogiada sobre la llegada del hombre a la Luna.

         Jurassic Park III (2001): Su primer regreso oficial a la franquicia de los dinosaurios.

         Wimbledon (2004): Comedia romántica ambientada en el prestigioso torneo de tenis.

         Daybreakers (2009): Película de acción y vampiros futuristas junto a Ethan Hawke.

        Hunt for the Wilderpeople (2016): Aclamada comedia de aventuras neozelandesa dirigida por Taika Waititi.

         Peter Rabbit (2018): Interpretó al Sr. McGregor y prestó su voz para Tommy Brock.

         Jurassic World Dominion (2022): Su última aparición como el Dr. Alan Grant, reuniendo al elenco original de la saga.

        Thor: Love and Thunder (2022): Divertido cameo interpretando a un actor asgardiano que hace de Odín.

        The Portable Door (2023): Película de fantasía donde interpreta a Dennis Tanner

Series de televisión destacadas

• Reilly: Ace of Spies (1983): Miniserie británica que le otorgó gran notoriedad en la televisión europea.

• Los Tudor (2007): Interpretó de forma magistral al influyente Cardenal Thomas Wolsey.

• Peaky Blinders (2013-2014): Encarnó al implacable Mayor Chester Campbell, uno de los antagonistas más memorables del show.

• The Twelve (2022-2025): Serie dramática judicial australiana en la que participó activamente en sus últimas temporadas.

• Apples Never Fall (2024): Miniserie de misterio basada en la novela de Liane Moriarty junto a Annette Bening. [1, 2, 3, 4, 5]

Premios Emmy:

Nominado a Mejor Actor en una Miniserie o Película por: Merlín (1998)

Globos de Oro:

Nominado a Mejor Interpretación Masculina en una Miniserie o Película para Televisión por: Merlín (1998)

Nominado a Mejor Interpretación Masculina en una Miniserie o Película para Televisión por: One Against the Wind

Nominado a Mejor Interpretación Masculina en una Miniserie o Película para Televisión por: Reilly: Ace of Spies (1983)

Palma de Oro en el Festival de Cannes

Ganador por su trabajo junto a Holly Hunter en la película de Jane Campion El Piano (1993). 


4 de julio de 2026

Billy Elliot, 2000

 

Billy Elliot es una aclamada película británica que cuenta la historia de un niño de once años que cambia los guantes de boxeo por las zapatillas de ballet. Ambientada en el noreste de Inglaterra durante la dura huelga minera de 1984, el filme aborda la superación personal, la ruptura de estereotipos de género y el sacrificio familiar. 

La película no evita la realidad; muestra de manera cruda y realista la crisis económica y el sufrimiento de las comunidades mineras de la época. El entorno obrero contrasta fuertemente con la disciplina artística. Destaca la brillante interpretación de Jamie Bell en el papel de Billy, así como la evolución de su padre, quien pasa del rechazo inicial a hacer sacrificios inmensos para que su hijo pueda triunfar. 

La obra es reconocida por su inspirador mensaje sobre ser fiel a uno mismo frente a la presión social, el qué dirán y las expectativas familiares. Sin duda, la lucha por los sueños y la superación personal en medio de un entorno social adverso, son temas inspiradores y motivadores que nos evocan distintos sentimientos. Estos son algunos de los temas de los que trata la película Billy Elliot, del autor Lee Hall lanzada el 29 de septiembre del 2000 junto a Universal Pictures, donde muestra la travesía de un niño para alcanzar sus sueños y convertirse en un bailarín de ballet en medio de una huelga minera en 1984 y sin el apoyo de su familia. Su historia nos hace reflexionar sobre el poder que a lo largo de los años han tenido los estereotipos de género en las profesiones - las mujeres a cuidados y los hombres a trabajos manuales, deliberando de manera indistinta qué es lo correcto o lo incorrecto.

Cuando queremos intentar algo nuevo vemos reflejados esos estigmas sociales forjados por el poder que tiene la percepción de estos en nuestra toma de decisiones. En los últimos años, la perspectiva que el mundo tiene sobre los oficios se ha modificado y distintos acontecimientos han marcado un antes y un después. Lo cual se ve ejemplificado desde la su historia ya que muestran como Billy, siendo tan solo un niño, está en la constante lucha por ejercer su pasión por un oficio como lo es el ballet y que por este ha sido juzgado y reprimido en su entorno, incluyendo su familia; luego muestran como ya siendo un hombre, en su show no es el único que ejerce este oficio y que además ha creado un vínculo de apoyo, vulnerabilidad y amor en su laso familiar, lo que logra una mayor conexión con aquellos que ven la película. Sin embargo, el progreso es lento y no es lineal; nos falta mucho camino por recorrer para que un género no defina lo que podemos hacer. Billy Elliot es un ejemplo de cómo traspasar barreras une personas por una misma causa y de cómo sí es posible dejar de lado los estereotipos; nos enseña que hay que ser uno mismo por encima de todo sin preocuparse por lo que dirán. Como última instancia, no encontrará una mayor profundización en este texto, solo la invitación a que vea la película, la disfrute, la analice y quizás encuentre otros temas no mencionados en este comentario.

La crítica especializada ha elogiado la película por su equilibrio perfecto entre el drama social y un humor tierno y conmovedor. Se convirtió en un fenómeno cultural a nivel internacional y obtuvo tres nominaciones a los premios Oscar, consolidándose como una de las películas británicas más exitosas del año 2000. Su popularidad fue tal que inspiró un exitoso musical de teatro que se ha representado en todo el mundo. 

La película tuvo un índice de aprobación del 85 % en Rotten Tomatoes. La crítica alabó en general las actuaciones de Gary Lewis y Jamie Bell


27 de junio de 2026

Miniserie de 8 capítulos: Te Encontraré

 

Te econtraré, el nuevo éxito de Harlan Coben que ya es número 1 en Netflix

Tiene solo 8 episodios y está basada en la novela más adictiva de Harlan Coben, esta nueva serie de Netflix es tu mejor plan para el finde semana

David Burroughs (Sam Worthington) cumple cadena perpetua por el asesinato de su propio hijo, un crimen que asegura no haber cometido. Su vida da un giro cuando su ex cuñada Rachel (Britt Lower), periodista de investigación, le muestra una fotografía que sugiere que el niño podría seguir vivo.

Tras recibir esta prueba, David inicia una búsqueda desesperada para descubrir qué ocurrió realmente y quién está detrás del caso. Para hacerlo, no tiene otra opción que escapar de prisión y colaborar con Rachel en una investigación que los lleva a desentrañar una red de engaños mucho más compleja de lo que imaginaban.

Suspense y emoción. Britt Lower lo tiene claro: "Te encontraré es una historia sobre hasta dónde llegamos para salvar a las personas que amamos", explica la actriz a Tudum, añadiendo que "también es una historia sobre la redención y el descubrimiento de la verdad".

Desde que comenzó su colaboración con Netflix, Harlan Coben se ha convertido en uno de los autores más rentables para del gigante de streaming. Sus novelas han dado lugar a producciones que han triunfado en distintos países y que comparten una característica común: es prácticamente imposible dejarlas a medias.

Te encontraré mantiene esa misma esencia: desapariciones, relaciones familiares marcadas por el dolor, identidades ocultas y giros de guion constantes. Esta ficción supone además un paso más en la relación entre el escritor y la plataforma de streaming al convertirse en la primera adaptación estadounidense para Netflix de una de sus novelas.

Y no es para menos: la historia parte de una de las peores pesadillas imaginables para cualquier padre. Coben lo resume así: "Imagínate que acabas de pasar cinco años en prisión por el asesinato de tu propio hijo y ahora descubres que podría seguir vivo". Y remata: “Si eso no te emociona, quizás no sea para ti”.

Al frente de la serie se encuentra Sam Worthington, conocido internacionalmente por dar vida a Jake Sully en la saga Avatar. En esta ocasión interpreta a David Burroughs, un hombre dispuesto a arriesgarlo todo por descubrir la verdad y recuperar aquello que creía perdido para siempre: su libertad y a su hijo.

Junto a él aparece Britt Lower, una de las intérpretes más destacadas de los últimos años gracias a su trabajo en Separación. Aquí da vida a Rachel Mills, la excuñada del protagonista y ex periodista de éxito cuya vida se vino abajo tras ser despedida. Ahora ve en el caso una oportunidad única de buscar justicia que además podría convertirse en su puerta de vuelta al periodismo.

El reparto se completa con nombres como Milo Ventimiglia, recordado por This Is Us y Las chicas Gilmore, que interpreta a Hayden, el exnovio de Rachel. También destacan Logan Browning y Chi McBride, agentes del Grupo de Trabajo de Fugitivos del FBI en Boston que tendrán que enfrentarse a la fuga de David.

A ellos se suman Erin Richards, en el papel de Cheryl, la exmujer del protagonista; Jonathan Tucker, como Adam, amigo de la infancia de David y sargento de policía, que se verá obligado a elegir entre su lealtad personal y su trabajo; Madeleine Stowe, que interpreta a Gertrude, una rica heredera que oculta un gran secreto; y Clancy Brown, que da vida a Nicky, un mafioso de la vieja escuela, semiretirado con una sorprendente conexión con la familia Burroughs.

Hay series que no se ven con calma, sino que se devoran con urgencia hasta el final. Te encontraré es una de ellas: la historia de un padre que lo ha perdido todo y que, de pronto, se agarra a una única posibilidad para intentar cambiar su destino. A partir de ahí, cada episodio empuja un poco más lejos la historia —y te engancha más aún—, no solo por el misterio, sino por la necesidad de entender qué ocurrió realmente y hasta dónde puede llegar alguien cuando ya no tiene nada que perder.

En el fondo, lo que mantiene viva la serie es esa tensión constante entre lo que se cree saber y lo que aún falta por descubrir, un juego de pistas que obliga a seguir un capítulo más casi sin pensarlo. Sus ocho episodios han entrado directamente en el número 1 del Top 10 en España —y en más de 92 países—, una posición que confirma ese efecto tan característico de las adaptaciones de Harlan Coben: empezar y no poder parar. Los que ya se han aventurado en los misterios del rey del thriller tienen aquí el plan para el fin de semana. Y para quienes aún no se han sumergido en su universo, Te encontraré puede ser una de las mejores puertas de entrada.